En tiempos donde se cuestiona el paradigma periodístico, donde se entremezcla el “viejo” periodismo, el periodismo móvil, el periodismo de datos, el transmedia o el de investigación, es necesario honrar una figura que contribuye a convertir en mediático aquello que no se desea que pase de una nota a pie de página. Con las fotografías de Joana Biarnés y un repertorio de titulares y grandes pequeños temas, este el homenaje de Cameo a los periodistas. Disfrutad de esta cobertura.

1.   Joana Biarnés. Una entre todas.

La instantánea: Joana Biarnés capturando a España desde las alturas, a vista de pájaro. Sobrevolando la multitud, el ruido mediático, la censura y el machismo de la farándula para ofrecer un retrato limpio de la España tras las portadas.

El titular: Joana Biarnés, primera fotoperiodista española, fallece con 83 años después de una vida dedicada al fotoperiodismo.

Es noticia: Fotografió el surrealismo de Dalí. Retrató a los Beatles con montera y en los descansos de su hotel. Se reunió con su amado Clint Eastwood y dio la vuelta al ruedo capturando el día a día de toreros que tenían que lidiar con miuras que no se ven. Testigo y protagonista de los cambios que abrieron España, con su cámara destapó el nudismo y desnudó el aperturismo al mismo tiempo que alimentó las gargantas secas de quienes gritaban sin que los escucharan.

La firma: El documental de Óscar Moreno y Jordi Rivera ahondan en una figura cuyo legado fotográfico tardó demasiado en ser reivindicado. Instantáneas de Masiel y Salvador Rey, un recorrido por una vida donde Lola Flores y Serrat se únen y tipos como Arzak le dan sabor a uno de esos documentales más grandes que la vida.

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2.   El león duerme esta noche

La instantánea: Ernest Hemingway apurando un puro mientras observa esa pugna entre hombre y bestia que retrataría en Fiesta. Porque la tauromaquia puede ser muchas cosas, pero narrada por Hemingway se convierte en tensión y prosa que embiste. Joana Biarnés supo captar ese gesto del escritor tímido cansado de su propia figura. Al lado Jean Pierre Leàud en su último film donde da vida a un actor que no sabe interpretar su propia muerte.

El titular: Jean Pierre Leàud encadena dos muertes seguidas y tras morir con Albert Serra ahora muere con Nobuhiro Suwa.

Es noticia: Porque el film de Nobuhiro Suwa copa las listas de lo mejor del año y encandiló en San Sebastián por lo certero de su retrato, propio del periodismo más humano y consciente. Leàud se interpreta a si mismo, da lecciones de vida y a cine a unos pequeños cineastas y aprende a afrontar la muerte cinematográfica y la real con el gesto enjuto y la mirada abismal de quien fue parte de la Nouvelle Vague y es parte de la historia del cine.

La firma: La edición especial de Cameo es una oportunidad única para acercarse a un cineasta hasta ahora reservado al coto de los festivales como Nobuhiro Suwa. Dotado de sensibilidad y con capacidad para narrar el amor, el desamor y los devaneos de miradas prendidas en planos que evocan a Resnais o Antonioni, Suwa se sincera y escribe una carta de amor al cine.

3.   Searching for a Sugar Man

La instantánea: Paul McCartney en una suite de un hotel madrileño preparándose para la siesta después de una ración de callos y cocido madrileño. Biarnés no retrató la figura pública sino también a la persona. Debajo Rodríguez, músico maldito por desconocido, superventas en Sudáfrica y poeta de la mugre del cinturón industrial norteamericano.

El titular: Sixto Rodríguez, poeta musical a la altura de Dylan, es por fin revelado en un documental que cuestiona los límites del talento.

Es noticia: Malick Bendjelloul filma con poco más de que un iPhone la historia de un hombre temeroso de quitarse las gafas de sol, opacado por la sombra de la industria musical y que brillaba en cafeterías y pubs recónditos ajeno a que en Sudáfrica su poesía cotizaba más que el último tema de Luis Fonsi. Un talento enorme oculto, y un documental que cautivó a crítica y público por mover los hilos del thriller y el drama en terreno donde no hay ficción alguna.

La firma: Malick Bendjelloul falleció tristemente, privando al mundo de su capacidad para ser un periodista cineasta, capaz de investigar y extraer narrativas donde la imagen y el montaje juegan y mueve crónicas tan amargas como humanas.

 4.   Pack The Act of Killing y La mirada del Silencio

La instantánea: La moda, las chicas ye-ye y la cosificación de una mujer que escapó del nacionalcatolicismo ocupando portadas y jugando con la ambigüedad de la sonrisa y el estereotipo. Debajo otras bailarinas bailando alrededor de las matanzas perpetradas en Indonesia por los jemeres rojos.

El titular: Angwar Congo y Herman Coto, verdugos del general Suha, son juzgados por la cámara y por una familia de la Indonesia que no olvida.

Es noticia: Dos documentales, un único monumento al silencio. Alrededor del genocidio del general Suha en Indonesia, Joshua Oppenheimer retrata primero a los verdugos que hielan la imagen con su sonrisa y descripción de la tortura. Para después en La mirada del silencio terminar de congelar la sangre cuando una familia decide romper el silencio y mirar de frente a quienes ejecutaron a un ser querido.

La firma: Joshua Oppenheimer reúne las condiciones del mejor reportero de investigación y filma crónicas que dejan sin réplica posible. Verdugos impunes, familias rotas, testimonios de muerte y banalización del mal se congregan en un aquelarre documental que no deja a nadie indiferente.

5.   Un día más con vida

La instantánea: La cámara de Biarnés devorando realidad y apresando rostros que no escaparon al suero de la verdad de esa mirada que siempre supo donde posarse. Debajo el film de animación que reivindica la figura de Ryszard Kapuscinski como periodista, poeta, ensayista y cronista de la descolonización.

El titular: Ryszard Kapuscinski, figura clave para entender por qué existe un Día del Periodismo, llena la gran pantalla con su crónica en el mejor largometraje de animación del año.

Es noticia: Porque este largometraje de animación acerca la figura de uno de los grandes periodistas y reporteros del siglo XX. Su cobertura de la descolonización de Angola y la cruenta guerra civil posterior es recogida en una obra que habla de periodismo, pero también del imperio de la guerra y la política como perpetuadores de la miseria y la muerte.

La firma: Raúl de la Fuente y Damian Nenow probablemente sabían que solo con la animación podían tener la flexibilidad para articular un retrato que partiendo del mejor periodismo alcanza el drama de la guerra y el sinsentido.

6. La cámara de Claire

La instantánea: Marisol como arma de propaganda, el hastío reflejado en la instantánea de Biarnés. Debajo Claire y Manhee, protagonistas de un film donde la cámara revela verdad. Claire es profesora y con su Polaroid se pasea por los arrabales de Cannes buscando rostros y conversaciones. Manhee trabajaba para una distribuidora, pero es despedida por un despecho y la cámara de Claire sabrá captar sus dudas.

El titular: Manhee empieza una nueva vida gracias a la cámara de Claire.

Es noticia: El periodismo a ras del suelo, que refleja los problemas del día a día y está al servicio de ciudadanos que pugnan con el trabajo, la conciliación, el desamor y sobre todo las dudas. El nuevo film de Hong Sang-soo lidia de nuevo con la escritura espontánea, la improvisación y la realidad más inmediata – como buen heredero de Rohmer -.

La firma: Hong Sang-soo presentando una obra que, aunque podría parecer menor frente a la que le ha llevado a conquistar Gijón, se antoja como una crónica despreocupada y certera de la amistad entre dos mujeres. 

7. Custodia compartida

La instantánea: Familias españolas arañando sonrisas del cuenco vacío de la postguerra. Biarnés reflejando la España que no era tan grande, tan libre ni tan única, pero que al menos era humilde. Familias que atravesaron todo. Debajo la violencia machista, la mirada patriarcal y la corrupción de la familia a través de los celos y la incomprensión, con el niño siempre en el medio de la disputa.

El titular: Por fin la custodia compartida se regula, las víctimas ya no son perseguidas y los culpables son acosados.  

Es noticia: Porque podría ser la crónica habitual de muchos diarios españoles. Familias rotas, maridos que no actúan como tal y niños que sufren las consecuencias de la inquisición de hombres con complejo de bestias.

La firma: Xavier Legrand firma con soltura una crónica repleta de tensión, violencia silenciada y miradas que matan. Una puesta en escena que usa el silencio y renuncia a exabruptos melodramáticos para una propuesta cuyo rigor formal y sobre todo moral se acerca a la ética periodística. 

En Cameo no nos andamos por las ramas. El cine es sueño y los sueños tienen una antiestructura muy parecida a algunos filmes. Por eso os vamos a prescribir algo más útil que un chute de valerianas, o un vasito de leche con miel, o peor aún, alguna baya o té destilado extraído de una planta adherida a una piedra milenaria situada al borde de un precipicio del Himalaya. Tenemos películas que alimentarán vuestros sueños y que tras verlas os sumirán en un estado de somnolencia placentera. ¿Conoces esa sensación después de salir del cine tras ver una buena película? El mundo exterior parece tremendamente extraño. La película te ha hipnotizado y transportado a un mundo alternativo. Vuelves a casa y nada parece lo mismo, las imágenes te han conmocionado y tu pecho late levemente acelerado arrebatado tras el desfile de emociones. Solo quieres tumbarte, cerrar los ojos y sumirte de nuevo en esa película.

Por ese motivo los siguientes filmes os sumirán en un duermevela donde solo os importará el sueño tras la película. ¿Un viaje a través de las fases del sueño? Exacto, con películas ordenadas de menor a mayor extrañeza para que este sueño guiado culmine en una experiencia onírica que ríete tú de meditaciones guiadas en apps diseñadas por monjes budistas o sueños lúcidos inducidos por vídeos de ASMR.

1.   Sueño Ligero

Todavía percibes los estímulos exteriores. Pero ya estás tumbado, embozado en las sábanas — con o sin calcetines es una guerra que no se va a librar aquí — y la modorra empieza a invadir tus ojos a medida que tu cuerpo se relaja y los sonidos y craqueos de paredes y muebles empiezan a sonar lejanos. Si alguien puede poner música a este instante ese es Nick Cave, cuya voz languidece en riffs y notas de piano y deambula por el dolor, la tristeza y aquello que flota en el aire y nunca se concreta. 20.000 días en la tierra (2014) además de un documental que narra 24 horas en la vida de un artista, es una pieza de vida que transita por el dolor ante la pérdida del hijo, el proceso creativo y cómo la música sigue siendo el único lenguaje capaz de expresar lo que no se ve. Escucha Into my arms y deja que el sueño te invada a medida que la voz de Cave y las imágenes de Iain Forsyth, Jane Pollard te transportan a lugares donde se destilan emociones. Después de eso brota la voz de Manolo Caracol y emerge el rostro de Damián (José Sacristán) en Magical Girl (2014) contemplando a Bárbara (Bárbara Lennie) y con Luis (Luis Bermejo) intentando que el sueño de su hija Alicia (Lucía Pollán) se haga realidad y ese vestido del anime Magical Girl Yukiko disfrace por un instante su enfermedad terminal. Personajes que Carlos Vermut conecta a través de pasados que se esconde detrás de puertas infranqueables. Tus ojos cerrados recuerdan esas historias que se entrelazan sin ningún orden aparente, replicando el caos placentero de un sueño donde las imágenes te hablan de desconocidos.

Después aparece un ángel, no se sabe si exterminador o de la guarda, y cuyos rizos te harán pensar en el Ave María de un antiguo triunfito aunque éste ángel en particular lleve dos pistolas en lugar de alas y sea el preso más veterano de Argentina. En El ángel (2018) Luis Ortega se pregunta en qué sueña Carlos Robledo Puch (Lorenzo Ferro) cuando ejecuta a sangre fría a personas que duermen y sus sueños parecen estar copados de ese miembro viril y de un Ramón (Chino Darín) que canta porque tiene el corazón contento. Un atracador, homicida y reprimido que te acechará en sueños con su rostro angelical y su pelo como lana de esas ovejitas que estarás contando. Un relato que quizá te induzca a alguna pesadilla dirigida por alguien que ha visto mucho a Tarantino y Scorsese.

2.   Sueño Reparador

Tu sueño se vuelve más profundo. En esta fase uno se desconecta del entorno y ya lo de dormir empieza a ser una certeza. Un sueño que es solo reparador pero no completo. Tus ojos ya no se mueven, y te pasarás el 50% del sueño en esta fase, el otro 50% lo pasarás roncando, babeando y luchando contra las sábanas. Probablemente Freddy Krueger te acechó en muchas pesadillas de pequeño, pero cuando veas Ichi the Killer (2001) intentarás conciliar el sueño imaginando cómo haces picadillo de carne a tus enemigos de la misma manera que Ichi — con traumas infantiles derivados de no tener un peluche probablemente — y una banda de renegados lo hacen con la yakuza japonesa. Ichi es esquizofrénico, y es perseguido por Kakihara, mano derecha de un jefe criminal que es masoquista. Eso es un match digno de Tinder y la orgía de sangre, vísceras y japoneses enajenados te ayudará a dormir plácidamente pensando que tu obsesión por comprobar si has cerrado todas las puertas es poca cosa.

Ya estás durmiendo, así que no reparas mucho en si tu pijama desastrado de dibujitos tiene un lamparón más de yogur o pizza. Pero para Jesse eso puede marcar la diferencia. Una joven que aspira a ser supermodelo no puede permitirse ir en pijama de franela y moño apañado para no babear el tinte nuevo. The Neon Demon (2015) es lo que pasa cuando una influencer no está subiendo ninguna story a Instagram. Celos, envidia, rivalidad, rubias poco legales y fiestas donde la droga, el alcohol y el vómito se juntan en un chiringuito de demonios que llevan purpurina y brillan bajo el neón. A ti tu pijama te sienta de fábula, y eso de alcohol nada. Tacita de caldo, manta y todo eso lo ves a través de la pantalla para contemplar cómo Widing Refn tortura a Jesse y la metamorfosea en un diablo que viste de Prada.

3.   Sueño DELTA

Oficialmente estás sobado y ya no sientes nada, ni siquiera al ver en sueños el perfil de Instagram de tu ex. Si te despiertas durante esa fase, estarás más perdido que Spielberg en tiempos de las plataformas de streaming. Tu tensión arterial y el ritmo respiratorio se reducen hasta un 30%, y produces más hormona del crecimiento. Pero tranquilos, si no crecisteis y parecéis hobbits no se debe a no dormir por trasnochar de pequeños para ver si Canal 18 o Crónicas Marcianas os dejaban ver un pedazo de carne. A lo mejor aún estás soñando con ser director de tus propios sueños, un poco lo que hace Sion Sono en todas sus películas. En Why dont you play in hell? (2013) intenta que Ikegami guarde rencor a Muto, otro gangster como él, pero entre medias está Himizu, hija del segundo, y hasta está Hirata, un director de cine. Comedia negra, una metarreflexión sobre el cine, acción y comedia en un film donde Sono se supera después de haber ofrecido películas que escondían discursos religiosos alrededor de lencería femenina.

Con Winter Sleep (2014) tu cuñado hará bromas sobre una película turca que arrasó en Cannes y dura más de tres horas centrado en las divagaciones de un gerente que fue actor en su pequeño hotel en la estepa turca. Dicho así parece un somnífero ideal para esas noches bohemias donde te propones culturizarte, te preparas una tabla de quesos, copita de vino blanco y acabas borracho y mandando emojis que lloran a tu mejor amigo. Pero Ceylan de alguna manera consigue que un drama que podría haber firmado Bergman se convierta en un brillante panorama de secuencias donde largos diálogos te resumen la condición humana y trazan personajes que van más allá de la representación artística. Aydin, su hermana y tantos otros sí podrían protagonizar GH Dúo, no solo por sus rencillas sino porque al menos convivirían también con neuronas.

4.   Sueño profundo

En esta fase si alguien te despierta le arrancas las pestañas con un cortaúñas. Aquí es donde te recuperas psíquica y físicamente — de practicar el crudo deporte del sillonball en tu salón porque el gimnasio postpolvorón se esfumó como restos de turrón en la alacena —. En esta fase no sueñas en el sentido estricto, pero sí emergen imágenes, luces, formas y destellos sin un hilo conductor. Probablemente en esta fase Shane Carruth ideó Upstream Color (2013) para atormentar tu mente con un relato sin una coherencia interna definida y que conecta a sus personajes a partir de retazos fantásticos e imágenes que tejen una cierta idea de intimidad enajenada. Un ladrón emplea gusanos extraídos de orquídeas que crean algún tipo de conexión temporal. Secuestra a Kris y le hace ingerir el gusano, después aparece un compositor que ayuda a Kris, y un cerdo que este compositor emplea para acercarse a Kris. Gusanos, cerdos, amor, un Thoreau perverso jugando con capullos. Querías ver una película para pasar el rato, Carruth te ha maniatado al sofá y te obliga a mirar una historia de amor donde nada se entiende.

Entonces en ese estado donde no sueñas pero aparecen fogonazos visuales, Carruth empieza a susurrarte cosas experimentales al oído para que después llegue su maestro David Lynch y consiga que el Henry Spencer de Eraserhead (1977) alimente tu perversa imaginación con su universo onírico-depresivo. Henry es un pobre hombre que se encuentra con Mary y descubre que tiene un bebé poco humano, y si sus pesadillas ya eran un poco como Kafka bebiendo absenta ahora ya su imaginación sí que no podrá ayudarle a escapar de ese laberinto retorcido de traumas cuya imagen te dejará un poco trastocado.

5.   Sueño Paradójico

Estás en fase REM, y no, no significa que hayas vuelto a tu adolescencia y estés escuchando Losing my religion porque te han dejado una tarde en los autos de choque. Aparecen los sueños, y ya tienen una línea argumental aunque sea tan libre y poética como una película de Jodorowsky. Los músculos experimentan una fase de parálisis para impedir que te creas Buñuel y deambules por sueños y espacios reales. También hay pesadillas, y con el Pack Alejandro Jodorowsky alguna tendrás después de adentrarte en sus dominios eróticos, oníricos, fantásticos, surrealistas, tántricos, experimentales y metareflexivos. Muchos adjetivos, y todavía faltarían para describir los filmes que integran este pack. Fando y Lis basado en una novela de Fernando Arrabal sobre niños, sadomasoquismo y otras imágenes perturbadoras. El Topo, un western donde un pistolero que parece Clint Eastwood puesto de MDMA se enfrenta a una banda de fetichistas que violan curas y matan gente porque sí. La montaña sagrada que hizo que en Cannes los franceses por una vez se horrorizaran al ver sexo, donde Jodorowsky hace alquimista y Paulo Coelho lisérgico para llevar a sus acólitos a través de unas pruebas a una Montaña Sagrada donde las fiestas blancas empolvan la nariz. Y La Constelación de Alejandro Jodorowsky, un documental que narra la vida y obra de Jodorowsky para que extraigas tus conclusiones y si le llamas depravado al menos que sea después de escuchar a Moebius y Peter Gabriel hablar sobre el tipo.

Pero tú quieres más, ya eres un masoquista profesional y a ti los sueños típicos de arañas, precipicios y funerales te aburren. Quieres que Freud desarrolle complejo y piense en su mamá después de narrarle tus sueños. Por eso sigues con el Pack Leos Carax y te adentras en los dominios de un cineasta que antes fue crítico de cine y sabe cómo provocar a esos críticos convencionales de salón y americanas con coderas que le acusaban y le acusaban de ser un esteta sin nada que contar. Con sus gafas negras, y con el espectro de su mujer difunta Carax sigue pergeñando una obra que atraviesa el réquiem por el cine del pasado y lo diluye en trágicas historias de amor que alimentan un surrealismo un pelín pesimista. Incluye Mala Sangre; historia neo-noir sobre ladrones, rebeldes sin causa que piensan en su ex y gente que tiene sexo sin amor; y Holy Motors, donde Carax convierte una reflexión sobre cine en una elegía en la que la limusina es travelling titilante que conduce desde el neón del digital a la cochera del panteón fílmico.

        Después de largo viaje hacia el principio del sueño con películas que estimularán tu imaginación y te acompañarán en sueños, ¿qué otras películas te gustaría habitar en sueños?

Pawlikowski y Rosales han tenido en frente a competidores como Roma, de Alfonso Cuarón o El reino, de Rodrigo Sorogoyen, pero quizá el mayor obstáculo de ambos cineastas sea la crítica especializada. Te preguntarás cómo se puede decir eso cuando ambas películas han recibido cariño, mimos y consenso entre los críticos. La respuesta está en que algunas críticas destilan tanto amor que directamente no se entiende. Un amor sui generis. Luego estás tú, preguntándote a las diez de la noche de un lunes donde has soportado a enemigos del desodorante en el metro si deberías ver esa película polaca en blanco y negro o esa película española que es moderna y no va sobre la Guerra Civil. Acudes a Filmaffinity, Letterbox o tu web de confianza y lees críticas con tantos adjetivos enrevesados que parece que estás leyendo una columna de Juan Manuel de Prada. Desistes.

En Cameo se homenajea a Pawlikowski y Rosales, por eso no solo disfrutarás de sus últimos trabajos sino también de los anteriores. Se entiende que te da pereza verlas después de leer esas críticas. Por eso te traducimos dichas críticas al español estándar – sin subtítulos -, para que veas que en el fondo los críticos también quieren que otros vean estas películas, aunque no lo parezca. Además también te ofrecemos las mejores críticas de usuarios de a pie, algunas muy negativas pero hilarantes, y también te intentamos disuadir de caer en el comentario propio de barra de bar y patatas bravas.

COLD WAR

La crítica:

The Guardian – Peter Bradshaw

"Exquisitamente espeluznante (...) Misteriosa, musicalmente gloriosa y visualmente arrebatadora (...) La nítida fotografía en blanco y negro exalta sus momentos de desesperación íntima (...)

La traducción:

Cold War es una historia de amor mil veces contada. Pawlikowski se inspiró en el relato del enamoramiento de sus padres. Está ambientada en una Polonia comunista. En los años 50 un director musical es contratado por el gobierno Polaco para organizar un coro que interprete canciones del folclore polaco, algo de propaganda soviética y otros temazos donde no entenderás nada. Este director se enamora de una de las cantantes, una chica con bastante morro, algo de talento y más carácter. Empieza una historia de amor que recorre Yugoslavia, París y hasta Croacia. A través de la música se muestra las diferencias entre el bloque comunista más preocupado por la propaganda y el espíritu del pueblo y el bloque occidental, donde el jazz y las fiestas llenas de bohemios no estaban mal. Esa es la historia, Cold War es una película maravillosa porque a partir de un relato nada original construye un romance cuya evolución puede entenderse a partir de la manera en la que Zula canta cada canción, primero con exquisita perfección, después con pasión y poco a poco con más tristeza a medida que su relación con Wiktor ya no es lo que era.

Telegraph - Tim Robey

"Kulig, tan efervescente como la joven Jeanne Moreau, es la fuerza vital del film (...) Es inmaculada y jazzística. Emocionalmente distante por naturaleza, pero accesible (...)

La traducción:

Kulig actúa muy bien, y aunque esta historia te recuerde a Casablanca o a una película de Antonioni, Pawlikowski toma esas historias y exagera la mitología romántica para después destruirla. ¿Qué es emocionalmente distante? Ni idea, porque si no empatizas con una historia de amor ambientada en lagos polacos de estampa, áticos parisinos donde suena Coltrane y campos de presos es que quizá tu expareja hizo una guerra fría con tu corazón.

Espectadores:

Me dormí – Diletante

“Sólo prevengo a los que se fían de las críticas de expertos periodísticos y de los intelectuales que magnifican más las formas que el contenido. Es como el "arte" moderno, que a base de repetir una mentira mil veces la gente acaba tragándose hasta el feísmo como algo fabuloso. Sí, está bien fotografiada y hay puntuales momentos como la aterciopelada escena donde la prota aparece flotando en un río. Pero no emocionan ni los personajes ni los actores, y el montaje del director no expresa más que una obsesiva y helada historia que me envió al refugio de Orfeo.”

La traducción:

En el peor de los casos la película sustituirá a la Dormidina que te sueles tomar para no aguantar los berridos del vecino cual alce canadiense. Sí, los críticos son especialitos y es una película que te tiene que gustar sí o sí para ser el más trendy de tu grupo de amigos. Pero ve más allá del blanco y negro, más allá de la aparente frialdad de los personajes. Observa los ojos de Zula, las lágrimas que asoman cuando canta por cuarta vez la misma canción. Observa los grandes planos, en formato 1:37, con mucho aire por encima de la cabeza de los protagonistas. Están rodeados de personas, de ruido, de música. Y aún asi se sienten solos porque no están juntos.

Operación Triunfo a la polaca - Fagus

A cambio la historia es muy débil y es lo que arrastra a la obra entera a su nimiedad. El final es estremecedoramente malo, cogido por los pelos, y supone la gota que colma el vaso. Creo que la película hubiera mejorado mucho a base simplemente de más metraje, dando más empaque a cada parte de la historia haciéndola parecer más importante en su conjunto. Técnicamente lo peor me parece el excesivo abuso de unos estruendosos fundidos en negro. La Guerra Fría, que suena mucho más interesante que Cold War que todavía no sé porqué unos títulos se traducen y otros no. París luce como una bengala, es decir mucho pero fugazmente, y sanseacabó. En el este lo saben hacer mucho mejor.

La traducción:

Quizá deberías ver Cold War y ver si opinas lo mismo. Antes pregúntate por qué te gusta Casablanca.

IDA

Crítica

Diario El Mundo – Luis Martínez       

"Soberbiamente fotografiada en un blanco y negro luminoso y crudo, cada instante se desvela tan conmovedor como cierto; tan salvaje como elegante. (...) es una de esas maravillas que de vez en cuando y de puntillas alumbran la cartelera"

La traducción:

Anna es una joven novicia a la que se le comunica que tiene una tía, Wanda, de cuya existencia nada sabía. También se entera de que en realidad se llama Ida, y que su familia judía murió durante la ocupación nazi. Ambas emprenden un viaje para encontrar el lugar donde fueron ejecutados. Una monja y una jueza por la Polonia profunda, de nuevo blanco y negro y de fondo un drama familiar. ¿Salvaje y elegante? Habla de cosas serias como el exterminio a través de una puesta en escena portentosa. También dice que deberías ir a verla, porque no duró mucho en cartelera y la última de Marvel sí va a estar varias semanas.

Diario El País – Carlos Boyero

"No sobra ni falta un plano. Me siento hipnotizado de principio a fin. (...) Sigo pensando en “Ida” después de verla tres veces. (...) es cine muy bueno, con estilo y aroma a tiempos lejanos"

La traducción:

Ida anticipa todo lo que es Cold War: planos exquisitos, con mucho aire por encima, angulaciones imposibles, y sobre todo un relato que a partir de un hecho trágico habla de la apertura de Polonia desde el comunismo hacia la influencia occidental, de nuevo con mucho jazz de fondo. Además le gusta a Carlos Boyero, un hombre que repudia hasta los vídeos de cachorritos, ¿qué mas argumentos necesitas?

Espectadores:

La percepción de la belleza es algo subjetivo – Valdemar

“Si me pongo en el lugar de los críticos profesionales, les entiendo. Claro. Los pobres están fritos de que les manden a ver spidermans, torrentes, crepúsculos y mierdas de esas que no les interesan. Normal. Y el día que les dicen que tienen que hacer una reseña de una peli tristona y polaca rodada en un bonito blanco y negro se erectan, sólo de pensarlo, y en tal estado, con la sangre lejos de la cabeza, pues ven la peli y la disfrutan y escriben su correspondiente reseña. Y tan felices.”

La traducción:

No es tan mala. Además este usuario sabe empatizar con los críticos. Pobres hombres y mujeres que tienen que ver muchas películas en el cine y escribir dos párrafos sobre ellas. Eso es sufrir, no se entiende por qué los mineros de Asturias reivindican. ¿Nadie piensa en los ojos de los críticos? Todo es subjetivo, lo cierto es que aunque sobre el papel Ida pueda parecerte cine de minorías para intelectuales, es una película transparente. Habla de traumas, de memorias colectivas, de masacre, y no hay diálogos donde se citen filósofos. Es seria, pero tampoco se iba a hacer un musical con polacos saltarines hablando de ejecuciones nazis, aunque Baz Luhrmann seguro que lo tiene pensado.

Polonia, hace mucho tiempo – Polikarpov

“Excelente fotografía en blanco y negro y magnífica ambientación para esta historia sosa, lenta y aburrida, desarrollada en la Polonia de los 60.Mientras el metraje transcurre, los personajes, en su débil (por no decir nula) definición, se pasean por la pantalla con una parsimonia tan enfermiza que roza la desgana a nivel contagioso para el espectador, que no tiene otro camino que centrarse en las húmedas miradas perdidas de las protagonistas, mientras espera una reacción inexistente a ese desencanto que sólo el destino de ambas parece delimitar, en este extraño (¿experimento?) que parece querer rememorar el arte y el ensayo.

Lo mejor, ya digo, la fotografía y la sobriedad de la puesta en escena. De ahí los tres puntos que le doy. Lo peor: la historia. Es recomendable haber dormido bien antes de verla.”

La traducción:

Este podría ser ese amigo que cuando comentáis la película en el bar después se queja de lo pedantes que son las películas, de lo intelectuales que se han vuelto todos y lo rollo que es el cine. Antes de eso te ha citado a Pasolini, a Kant y te recuerda una y otra vez que no hay cine más allá de John Ford. Porque él no es un intelectual no, jamás.

PETRA

Crítica

Diario ABC – Oti Rodríguez Marchante

"Es un «culebrón» ennoblecido, y que aturde con golpes de tragedia. Magníficas, milimétricas, apabullantes interpretaciones (...) Botey, un actor novel al que le vendrá pequeño el Goya. (…)”

La traducción­:

Petra está buscando a su padre. Conoce a Jaume, artista un poco intenso, a su hijo Lucas y a su mujer Marisa. Empieza un culebrón trágico que habría hecho que Sófocles cogiera palomitas. Botey encarna a Jaume, un villano de pincel que reparte brochazos de maldad allá donde va. Una película que se recrea en gestos rutinarios, habla de arte y también de familias desestructuradas.

The Hollywood Reporter – Jonathan Holland

"El resultado es una obra intensa y gratificante estructurada con habilidad (...) La trama de 'Petra' podría ser acusada de estar sobrecargada".

La traducción:

Pasan muchas cosas, pero no te pierdes. Hay que estar atento, y si te gusta el cine de Bresson la disfrutarás. Si Bresson te parece un pesado, también la disfrutarás porque Rosales ha compuesto un villano que para nada parece sacado de ese cine de la Nouvelle Vague donde todos eran un poco sosos.

Espectadores:

Tragedia – Xavier Vidal

En tiempos de banalización de absolutamente todo, Jaime Rosales sigue entendiendo la pantalla cinematográfica como un lienzo en blanco abierto a la experimentación. De su carácter iconoclasta y valiente ha surgido una de las filmografías más relevantes del último cine español, un conjunto en el que Petra, presentada en el último Festival de Cannes, promete ocupar una posición de privilegio. La protagonista del film, como Rosales, busca la verdad del arte, y al final de su periplo encuentra una masculinidad cruel, una feminidad solitaria, también solidaria, y una herencia caprichosa que, mediante la circularidad de la tragedia clásica, funde la tierra mediterránea con la herida de las fosas de la Guerra Civil, el capitalismo despótico con el ensimismamiento artístico; incluso, para quien quiera detenerse en ello, una singular tensión entre la esfera castellana y catalana, tan sutil que se diría ajena a la actualidad política de los últimos meses.”

La traducción:

Este usuario ha hecho una crítica de Petra mejor que la que puedas leer aquí o en la prensa especializada. Así servidor se ahorra unas líneas y a ti te queda claro por qué tienes que verla, y sin citas a cineastas malayos que solo han visto en un salón.

Buena pero lenta – Toni

“No digo que no tenga cosas buenas (la base de la historia, la estructura de capítulos desordenados, algunas actuaciones...). Pero creo que me hubiera gustado más si le hubieran dado tres cafés a cada uno. Y un termo al director. Dan ganas de zarandear a los personajes para que digan y hagan las cosas con más vivacidad. O zarandear al director para que recorte unos tres cuartos de hora a la película.”

La traducción:

Es lenta sí. Pero más lento se te hace salir de fiesta y esperar a que tus amigos lleguen a la hora. Bárbara Lennie además hace un gran papel, y no entenderás por qué no la han nominado a los Goya.

PACK JAIME ROSALES

Crítica

Diario El Mundo – Alberto Bermejo

"Una mirada múltiple que destila autenticidad, emoción y sabiduría, cinematográfica y humana. (...) los actores, sin excepción, mantienen un deslumbrante tono de naturalismo magnético (...)”

La traducción:

La Soledad es una película que te pone en la situación de observar la charla de sobremesa de una familia ajena. Adela es una madre soltera que se muda a Madrid con su hijo y atraviesa por un drama desgarrador. Antonia es una señora ya mayor que regenta un supermercado, se ha echado novio y solo tiene que preocuparse de sus hijos. Por mirada múltiple hay que entender que Rosales recurre a la pantalla partida para narrar ambas historias, que se entrecruzan constantemente. Por autenticidad y emoción entender que la película de Rosales reconstruye rutinas, muestra sobremesas, reproches, gente poniendo la lavadora, y en medio emerge ese drama cotidiano que todas las familias tienen pero no revelan.

Diario El Mundo – Carlos Boyero

"Todo lo que me cuenta Rosales me provoca un tedio excesivo, pero también lo que pretende sugerirme, o lo que me oculta. La visualización de la grisácea cotidianeidad de este profesional del horror me parece tan estéril como pretenciosa."

La traducción:

El pack de Cameo incluye Tiro en la cabeza. Un film que reconstruye los momentos previos al asesinato de dos guardias civiles a manos de dos etarras. Rosales se anticipó a Aramburu y esa novela ya encumbrada llamada Patria. Reconstruye la rutina, los paseos, el deambular de personas que antes de verdugos y víctimas son seres humanos. Limpiar el garaje, conducir a ninguna parte, tomar un café. No recrearse en el acto violento sino a través de la repetición de escenas, de imágenes donde aparentemente no pasa nada, conseguir que en medio de la rutina de hombres normales un acto violento tenga el componente fatídico e inesperado que debería tener.

Espectadores:

¡Permanezca atento a la pantalla! – Gilbert

¡Siga mirando!




¡Siga mirando!




¡Siga mirando!







¡Siga mirando!


¡Siga mirando!


¡Siga mirando!


¡Siga mirando!

¡Siga mirando!

¡Siga mirando!


¡Siga mirando!

¿Molesta eh? Pues Jaime Rosales hace lo mismo.

La traducción:

No esperes sensacionalismo en el cine de Rosales. Ni dramas reforzados por música machacona. Tan solo rutinas e imágenes que experimentan con tu sensación de vivir el tiempo de una película. ¿Por qué las películas deben tener una duración distinta a las acciones que describe en la vida real? Rosales juega con tu paciencia, pero siempre tiene premio.

“Porque el lenguaje del cine tiene que ir evolucionando” – RandolphCarter

“Me he comprado el último libro de moda, uno que la crítica especializada proclama como una labor revolucionaria, necesaria, deontológica, reflexiva, exegética y hermenéutica. Abro el libro. Comienzo a leer. El texto está borroso, desdibujado. No hay nada inteligible, sólo retazos. Apenas llego a entrever palabras como lejano, comida, mirada, saludo, cafetería… Así sigo, pasando las hojas a toda velocidad hasta la página 81, esta sí que se lee perfectamente: un tipo normal que además es terrorista asesina a unos guardias civiles. Me asaltan las dudas ¿Lo proclamo como una obra maestra incomprendida o pido a la librería que me devuelva mi dinero, que ha habido un fallo de imprenta?”

La traducción:

Como esa fabulosa no-crítica, queda a tu elección hacer de juez y decidir si compras el cine de Jaime Rosales o no.

La Casa de Jack narra las peripecias homicidas de un asesino en serie que desgrana sus filias, aficiones y fechorías que oscilan entre la cacería, Nietzsche y la banalidad del mal. Trier construye así una catábasis – en sus propias palabras -, es decir, un descenso al Infierno donde Jack purga sus penas y Trier – enmascarado como creador que sobrevuela la personalidad de Jack – firma la que probablemente sea su película más sincera. El danés se desnuda, queda a la elección del espectador superar las confesiones y la violencia de Jack y asistir a ese proceso.

En Cameo a veces se peca un poco, porque sabes que Lars von Trier tiene un hueco en el catálogo. Con motivo del estreno de La Casa de Jack Cameo expia los pecados que han conducido al danés hasta la que él considera su última película – nadie quiere que eso sea verdad -. Pecados cometidos y que te encantan como buen placer culpable, y pecados no cometidos pero que podrían inspirar sus fechorías. Crítica desollando sus películas, espectadores asqueados y sobre todo uno de los cineastas que dicta sentencia y se confiesa en cada película.

1.   LUJURIA – NYMPH()MANIAC

Lars confiesa: “Vengo de una familia de comunistas nudistas. Me dejaban hacer lo que quería. Mis padres no estaban interesados en si iba al colegio o me emborrachaba con una botella de vino blanco”

El pecado: Lars retrata la vida sexual de Joe, encontrada en un callejón por Selligman, un anciano que la recoge, acoge y escucha atentamente las confesiones sexuales de una ninfómana. Sus frustraciones, sus parafilias, los vicios de sus antiguas parejas y el descubrimiento de la sexualidad en un cuarto de baño en la casa familiar. Miradas en el metro, orgías, matrimonios rotos y una polifonía de gemidos en camas ajenas. Un padre comprensivo, novios inseguros y un relato que originalmente duraba cinco horas y media y que Trier dividió en dos partes para alargar el orgasmo cinéfilo.

La penitencia: Algunos críticos la tildaron de “sarcasmo infantil”, otros criticaron que Trier osara a mezclar Bach con orgasmos, cuando precisamente las fugas del maestro alemán que engarzaban voces superponiéndose una a la otra son un acompañamiento ideal para conversaciones en la alcoba.

Tu castigo: Disfrutar viéndola. Sentir cómo el relato de una mujer llevada al límite te resulta extrañamente empático. No poder escapar a la risa nerviosa cuando ves reflejada alguna de esas parafilias y juegos que siempre quisiste hacer y nunca te animaste. Saber ver en un relato episódico que Trier usa algo que a todos seduce y gusta como excusa para reflexionar sobre los límites de la creación, el genio del artista y otras cuestiones metacinematográficas.

2.   PEREZA – MELANCOLÍA

Lars confiesa: “Estoy feliz de estar vivo. Me siento como alguien que regresa de Vietnam, tarde o temprano empezaré a matar gente en una plaza, pero de momento estoy feliz de estar vivo.”

El pecado: El planeta Melancolía está a punto de impactar contra la Tierra y reducirla a un cúmulo de almas abrasadas y cuerpos sesgados de vida. Justine se ha casado con Michael y celebran el convite en la lujosa casa de campo de su hermana. Una ocasión supuestamente feliz que da sentido a eso de hasta que la muerte nos separe. Un “divorcio” exprés cuando Melancolía acabe con una Justine completamente deprimida y abandonada al amor de cartón piedra como excusa para ahuyentar la tristeza enganchada en las legañas de cada despertar.

La penitencia: “Apocalipsis de cartón piedra” y otras lindezas recibió un Trier que confesó haber atravesado una depresión, además de ser alcohólico e intentar libar las penas con medicina etílica.

Tu castigo: Entender que no es un relato postapocalíptico más. El choque entre planetas es solo una excusa para hablar de la depresión, para esculpir imágenes que reflejan a Justine como una Ofelia inánime discurriendo en el río de su pena. Un complejo estudio sobre expectativas frustradas, amor como salvavidas y otras cuestiones propias del cineasta danés.

3.   IRA - ANTICRISTO

Lars confiesa: “Si alguien quiere pegarme, es bienvenido a ello. Debo advertir que quizá lo disfrute. Entonces no sé si es el castigo adecuado.”

El pecado: Tras la pérdida del hijo de ambos, un psicólogo con ideas propias de diván decide llevar a su mujer afligida a una cabaña en el bosque y así quizá poder curar las heridas del trágico suceso. La naturaleza empieza comportarse de manera extraña y la madre y esposa comienza a experimentar una serie de cambios que desembocan en una catarsis repleta de ira, tristeza, sentimientos y afectos mutilados. El danés se pone bíblico para ilustrar la expulsión del Edén en un terreno donde todo vale.

La penitencia: Imbecilidad, pedantería, más allá de la cordura y otros epítomes de la crítica. Trier intenta curar su depresión con una película clarividente en su descripción de la oscuridad del luto.

Tu castigo: Ojalá no sentirte reflejado en ese drama. Jamás purgues discusiones en pareja por asuntos tales como un meme sobre política compartido en Whatsapp yendo a una cabaña. O al menos a una cabaña donde estuvo Lars von Trier, esa es más peligrosa que la de “Posesión Infernal”, e incluso con más sangre y motosierras.

4.   SOBERBIA – RICK & MORTY T3

Lars confiesa: “Probablemente la única diferencia entre el resto de personas y yo es que siempre he esperado más del atardecer. Colores más espectaculares cuando el sol golpea el horizonte. Ese es quizá mi único pecado”.

El pecado: Muchos tildan a Lars de soberbio, pero normalmente es un tipo humilde que se limita a hacer lo que hace. De momento no se ha animado a aventurarse en el terreno de la animación – sí en el de la televisión con Riget -, pero seguro que es seguidor de Rick y su soberbia enmascarada de excéntrico científico, y también de la voz de Rick que no duda en meterse en personaje emborrachándose en cada sesión de doblaje.

La penitencia: Con su camiseta de persona non grata en Cannes Lars demostró hace tiempo que no le importa mucho lo que se digan de él. Un poco como Rick, profetas excéntricos y moradores de planetas que el resto solo puede ver a través de la pantalla.

Tu castigo: Aguantar que tus amigos sigan diciéndote cada día que por qué no has visto todavía la nueva temporada. 

5.   ENVIDIA – PACK INGMAR BERGMAN

Lars confiesa: “Soy el mejor director del mundo”.

El pecado: Lars es un tipo bastante brillante con un genio complicado. Acusaciones de actrices que trabajaron con él, tampoco dudó en matar a un asno en una de sus películas o en llevar a Björk al límite. Tan pronto firma un musical donde amor y depresión van de la mano como una serie protagonizada por una suerte de feto monstruoso. No obstante nunca puede rehuir su admiración y hasta cierto punto envidia por maestros como Tarkovski – a quien dedicó una de sus películas – y Bergman, otro genio de carácter particular con quien comparte traumas.

La penitencia: Disfrutar de un pack que reúne documentales sobre la vida y obra de Bergman para que por fin entiendas por qué el silencio jugaba un papel tan relevante en el cine del sueco. Eso y Saraband (2003), película póstuma de Bergman que supuso un testamento fílmico excelso donde lo iniciado en Secretos de un matrimonio  se convierte en una elegía sobre el amor que habría firmado Ibsen con el réquiem de Mozart. Solo a la altura de genios.

Tu castigo: Odias a Lars von Trier, como para ponerte a ver a Bergman. No te preocupes, seguro que Dante se inventó un anillo en el Infierno adicional para herejes como tú. Es broma, o no.

6.   AVARICIA – LA CINTA BLANCA

Lars confiesa: “La Naturaleza es la Iglesia de Satán”.

El pecado: Lars es un tipo triste. Su última película fluctúa entre la mofa abierta hacia la crítica y un relato a pecho descubierto donde se disecciona a sí mismo para ofrecer el retrato de un creador inseguro cuyas dudas superan las certezas. ¿Su actitud megalómana es puro postureo? Quizá resumir así su última película sea banal, pero para adornos escandalosos ya está su cine.

La penitencia: Haneke es otro tipo triste, cuyos dramas te destruyen más que ver Hachiko después de haber roto con tu pareja.  La cinta blanca es un retrato sobre la avaricia sectaria y la pobreza espiritual, que mendiga maldad en niños que son corrompidos.

Tu castigo: Ayer ligaste. Esta tarde toca plan de película y mantita. Preparáis palomitas. El ambiente es propicio. Esto sí que va a ser un buen pacto y no lo de Andalucía. Organizas un maratón de Lars von Trier y Haneke. Lloráis. La vida ya no tiene sentido. Todo es más dramático que una gala de Operación Triunfo. Sabes que no has ligado, pero te has aliviado.

Falta un pecado, pero ese quizá esté por cometer o lo cometerás cuando acudas al estreno de La casa de Jack y ese pecador de la pradera danés te deje con la mente un poco trastocada. 

Cameo no solo celebra este estreno, sino que ahonda en la figura heroica de Lanthimos desafiando al cine convencional proponiendo un juego: ¿recuerdas algunos dioses que moraban en el Olimpo? Porque en este juego conocerás qué posibles dioses guían a Lanthimos y de paso refrescarás las clases de griego con palabras clave. Qué mueve su cine y qué películas se le acercan. Lo de comerte una musaka antes de acudir al estreno de La Favorita ya depende de ti. Llamamos al Oráculo para desvelar los hilos que tiran del cine de Lanthimos.

Canino

La palabra: Catábasis, que significa un descenso a los infiernos propio de La Divina Comedia de Dante. Ilustra a la perfección esa supuesta familia ideal donde tres hijos sufren la tiranía del padre y la indiferencia de la madre. No hay mundo exterior, y en ese círculo del infierno solo entra Christine, una guardia de seguridad que asegura ciertas necesidades. Tortura doméstica y un padre con complejo de Cerbero que custodian un film que condena la idea de familia.

Diosa: Hestia, diosa de del hogar, o mejor dicho, del fuego que aviva el calor del hogar. En esta familia no hay calor, ni fuego y el hogar es más bien una prisión para almas en pena.

El Oráculo profetiza: Lanthimos seguirá siendo un maestro de la parodia y la sátira que destrozan el convencionalismo moral. Sátira que surge de los personajes oprimidos por una situación extraña y al mismo tiempo ordinaria. El héroe Lanthimos seguirá así guiando su rumbo por un cine donde el neoliberalismo tiene la apariencia del Hades.

El sacrificio de un ciervo sagrado

La palabra: Némesis, término no contemplado por la RAE pero que designa a ese enemigo feroz, una sombra que acecha esperando a golpear con el martillo de la venganza. El film de Lanthimos gira alrededor de la venganza, nuevamente con la familia como víctima. Steven y Anna, marido y mujer, Kim y Bob, hijos perfectos en una casa propia de PinyPon. En el medio Martin, un chico un poco peculiar con complejo de Efialtes.

Diosa: Némesis, la diosa del mismo nombre que encarnaba el espíritu de la venganza. Porque aunque Bob encarne al personaje ideal de Lanthimos – completamente deshidratado de emociones y reacciones faciales – su sufrimiento a través de la venganza poco a poco va horadando su apariencia de hombre controlador.

El Oráculo profetiza: Lanthimos seguirá construyendo relatos de venganza que caminen por el fino alambre del humor negro y la tragedia griega. El cineasta griego mira Bertolt Brecht y a través del Verfremdungseffekt – el efecto de distanciamiento para los germanófilos – consigue que la ficción impacte por su extrañeza a través del distanciamiento entre actor y espectador.  El extrañamiento, la monotonía de esa familia entregada a la opulencia de casa de muñecas y la destrucción de la dignidad son los hilos con los que Lanthimos guía a sus pobres marionetas.

Langosta

La palabra: Nostalgia, el dolor por sentirse lejos de todo cuanto se ama. Lanthimos construye un film donde el amor se impone, donde la pareja es una institución que apresa el afecto y donde las langostas encuentran parejas hasta que la muerte las separe, sin importar nada más.

Diosa: Venus, diosa del amor. En la distopía romántica de Lanthimos los solteros no solo sufren el escarnio de las cenas navideñas y los paseos de vergüenza en noches de fiesta después ver cómo todos tienen ya pareja. Son arrestados y enviados a un coto de caza donde disponen de 45 días para encontrar pareja. Venus como belleza exuberante, pero también reflejo de la soledad y el miedo a morir solo.

El Oráculo profetiza: Lanthimos seguirá destruyendo instituciones sociales y morales conservadoras. La familia, la pareja y el amor pasan por su mirada negra. Con Buñuel siempre como referencia nostálgica, Lanthimos coquetea con el surrealismo, el simbolismo y hasta cierto punto ese voyeurismo propio del director que refleja la intimidad a través de estampas donde lo costumbrista es acosado por lo esperpéntico.

The Square

La palabra: Meraki, significa hacer algo con amor y creatividad. Todo lo contrario a lo que sucede en esta comedia negra donde Christian – mánager de un museo de arte moderno – guía su criterio artístico por derroteros que favorecen el esnobismo y el obscurantismo intelectual. Todo culmina con una campaña publicitaria alrededor de ese rectángulo pintando en el suelo que refleja todos los males de la sociedad contemporánea.

Dios: Apolo, dios griego de las artes. Ruben Östlund se enfadó un poco cuando no se hizo con el Oscar a Mejor Película de Habla no Inglesa, pero al menos se llevó la Palma de Oro en Cannes. Un film que ridiculiza el arte moderno, la intelectualidad propia de la burguesía y esa alta cultura recluida en espacios que privilegian el culto al dinero y la banalidad. Como Lanthimos, construye otra crítica mordaz a instituciones sociales y a la sociedad hijas del capitalismo salvaje y mercantilista.

El Oráculo profetiza: Östlund y Lanthimos están destinados a ser héroes trágicos con certeras y tristes miradas al mundo contemporáneo. The Square refleja las penurias éticas de intelectuales sin vida privada para los que el arte es una suerte de mercancía con la que pueden negociar. Banalizar dramas a través del confort de la plusvalía. Östlund, como Lanthimos, ya ha atacado a la familia, ahora le toca al mundo del arte.

Una paloma se posó en una rama a reflexionar sobre la existencia

La palabra: Entheromania, palabra de origen griego que pone nombre al profundo deseo de libertad. Libertad en este caso de dos perdedores en el sentido más literal del término que tienen tres encuentros con la Muerte a medida que deambulan por pasajes más propios del Estigia y reflexionan sobre el destino y la vida.

Dios:  Tique, dios de la fortuna. La que necesita el perdedor, la que necesitan estos peculiares Don Quijote y Sancho Panza nórdicos a medida que se acumulan reveses, infortunios y reflexiones frías.

El Oráculo profetiza: Roy Andersson es fiel seguidor de Buñuel y claro maestro de Lanthimos. La indiferencia aparente con la que refleja los avatares de unos personajes que parecen hechos de mármol remite al distanciamiento dramático y el patetismo vital de las historias de Lanthimos. Suecia nunca había parecido una sociedad del malestar hasta que Andersson empezó a mostrar su pesimismo a través de un existencialismo absurdo. Como Kaurismaki, hasta los finales felices están cargados de ironía.

Amante por un día

La palabra: Filía, simpatía por alguien o por algo. En este caso la de una joven de 23 años que vuelve a vivir con su padre, un profesor que mantiene una relación con una alumna de la misma edad de su hija. Lo que al principio es una situación un poco incómoda acaba evolucionando en algo parecido a la amistad.

Dios: Asclepio, Dios de la medicina, y que antes se dedicaba a resucitar muertos hasta que Zeus le reclamó en el Olimpo matándolo de un rayo. Philippe Garrel es el mayor heredero de la Nouvelle Vague, y aquí actúa como un buen galeno. Observa a sus personajes, registra sus emociones, describe sus patologías y analizar el curso del tratamiento para detectar la evolución de la tristeza, los celos, el amor o la soledad.

El Oráculo profetiza: Lanthimos y Garrell están separados por algo más que un abismo. El film de Garrell cuida el encuadre, sublima el primer plano y congela la transición entre dos emociones alargando la duración de cada encuadre. Dos propuestas opuestas que en cambio conectan en ese deseo de agotar la trama hasta que solo queden los personajes reaccionando a la propia vida.

Lucky

La palabra: Alétheia, el proceso de descubrimiento de la verdad, o la verd,ad sincera que se encuentra en la superficie. Lucky es un anciano que repite cada día la misma rutina. La vejez se infiltra en cada rruga del rostro. Decide empezar a preguntarse quién es y qué es la vida, descubrir la verdad más simple a través del mapa de su experiencia.

Dios: Geras, personificación de la vejez, siempre con un báculo y acompañado de Tánatos, la misma muerte – no confundir con Thanos - . Lucky es anciano, pero tiene la curiosidad de un niño.

El Oráculo profetiza: Harry Dean Stanton y David Lynch en un mismo plano compartiendo confesiones y discutiendo sobre una tortuga. John Carroll Lynch debuta en el largometraje a lo grande con una historia sincera, con ecos del otro Lynch de Una historia verdadera (2000) y Dean Stanton regala una última actuación premonitoria y cargada de emotividad.

¿Fenómeno comercial o talento trabajado? Por qué no ambas, aunque el fenómeno Rosalía amenace con provocar bajas en redes sociales. El mal querer es un álbum para el recuerdo, por su capacidad para construir una estética propia a partir del arte renacentista y el imaginario litúrgico, y por su ambición de construir una narrativa deconstruyendo el tropo del amor cortés contenido en Flamenca, novela occitana del siglo XIII. Cameo va un paso más allá e indaga por qué El mal querer de Rosalía sabe combinar lo viejo y lo nuevo, el flamenco y el trap, explorando algunos de los referentes cinematográficos que pudieron inspirar su imaginario y los hits del nuevo álbum.

1.   Hable con ella

El hit: Malamente, Rosalía se cruza con Hable con ella de Almodóvar.

El verso suelto: Rosalía canta “Ese cristalito roto, yo sentí cómo crujía, antes de caerse al suelo, ya sabía que se rompía”. Almódovar cuenta un relato de dos hombres, Benigno y Marco, cuya amistad brota entre los pedacitos de dolor de dos mujeres hospitalizadas, Lydia y Alicia. Cristales rotos, hombres negociando su identidad y amor que no se mira en el espejo.

Lo viejo: Rosalía introduce disonancias entre las palmas, el sintetizador caracoleando alrededor de la impostura de la voz. Almódovar mira el melodrama clásico de Douglas Sirk y Vincente Minnelli.

Lo nuevo: Rosalía introduce la base fija del trap en medio del ritmo acompasado del flamenco. Almódovar mira el melodrama clásico de Vincente Minnelli y Douglas Sirk y lo atraviesa con su caleidoscopio en forma de figuras transidas por el dolor, miradas rotas y planos donde el cuerpo se funde con el fondo.

2.   Saura(s)

El hit: Pienso en tu mirá, Rosalía se cruza con Carlos Saura.

El verso suelto: Rosalía canta “Pienso en tu mirá, tu mirá, clavá, es una bala en el pecho”. El documental de Félix Viscarret ahonda en la figura capital de Carlos Saura. Saura rehúye el pasado, clava su mirada en la pintura. No obstante su cine es tanto retrato realista de un tiempo como filigrana metafórica de un país anquilosado y tirado por el cambio. Los celos de Pablo en Peppermint Frappé (1967), la mirada de José Luis López Vázquez es la bala en el pecho de Rosalía.

Lo viejo: Rosalía rescata el imaginario popular de la España de carretera y flamencas sobre el televisor. Las carreteras sin asfaltar, la masculinidad en camisas de tirantes y los celos arremolinados en miradas surcadas por sudor y violencia. Los hoyuelos de una España que Saura apresó en ese realismo mágico, a camino entre el folclore que Rosalía rescata y la sencilla aridez de Miguel Delibes.

Lo nuevo: Rosalía desplaza al hombre del centro del relato. La flamenca llena el plano. Mujeres enlutadas se liberan y de los camiones emergen mujeres que se niegan a ser mercancía. Saura enclaustraba a la mujer en Ana y los lobos (1972), Geraldine Chaplin era esa España presa del militar vetusto, el sacerdote sin confesionario y el ermitaño sin futuro.

3   Pack Jaime Rosales

El hit: Reniego, Rosalía capta lo efímero en la rutina al igual que Jaime Rosales.

El verso suelto: Rosalía canta “Ay, yo río por fuera, y lloro por dentro, y o río por fuera, y lloro por dentro”. El Pack de Jaime Rosales te acerca a uno de los cineastas más interesantes pero por desgracia poco mencionados de nuestro país. Premiado por la Crítica en Cannes, dos Premios Goya y filmes como La soledad (2007) que a través de encuadres fijos dinamita el cambio en personajes asolados por la rutina.

Lo viejo: Rosalía cuenta con Jesús “Bolá” Carmona, quien trabajara con Camarón y Rocío Jurado para seguir explorando los límites del flamenco atravesado por el sintetizador y la imaginería de la Pasión encontrándose con una narrativa que cuenta las etapas de ese romance tóxico tan poco cortés. El cine de Rosales se fija en Ozu y Bresson, para narrar lo trascendente a partir de imágenes que como jirones desgarran la insoportable pared de la rutina.

Lo nuevo: Rosalía plasma los celos, la envidia, la violencia, readapta el amor cortés a nuestros días dándole una estética en la que lleva trabajando años. Rosales crea algo nuevo añadiendo pizcas de José Luis Guerín.

4.   Mommy

El hit: Bagdad, Rosalía se cruza con Xavier Dolan en Mommy.

El verso suelto: Rosalía canta “Y se va a quemar, si sigue ahí. Las llamas van al cielo a morir. Ya no hay nadie más por ahí. No hay nadie más, no hay nadie más”. Y Dolan construye una distopía a partir del eje maternofilial entre Diane, mujer viuda y llevada al límite, y Steve, adolescente que padece ADHD. Canción y film se cruzan en esos retratos de personas próximas al fuego, que lejos de querer jugar con él se vieron arrastradas a acudir a las llamas. Una mujer que creyó intuir amor en los rescoldos de la violencia que quema. Un hijo que se quemaría sin su madre.

Lo viejo: Rosalía rescata la estructura de Cry me a river de Justin Timberlake. ¿Es eso viejo? Justin la lanzó en 2002 tras su romance con Britney Spears. El pop de inicios de los dos mil ya se antoja propio de dinosaurios que llevaban el discman y compartían canciones en mp3 por infrarrojos. La maestría de Rosalía consigue en hilvanar versos que evocan romances medievales, una estética cercana al Argento de Suspiria (1977) con esas mujeres que se rebelan como brujas a la hoguera que amenaza con quemarlas, y el pop que a todos provoca nostalgia de los pantalones con campana. Dolan también siente nostalgia por el pasado, por temas que alegraron el verano y los politonos de los Nokia con Dragostea Din Tei, allá por agosto de 2003. Por Almodóvar y sobre todo por Fassbinder contando dramas familiares y amorosos en la Alemania del Oeste con cortinas sacadas de las pesadillas de un diseñador de Ikea.

Lo nuevo: El eclecticismo de Rosalía y Dolan para erigirse en estandartes de la postmodernidad. Crear pastiches de pasado, nostalgia y presente sin renunciar a su personalidad como artistas. Historias límites, las llamas avivando el humo que no deja ver el futuro. Y la música, sobre todo la música.

5.   Te doy mis ojos

El hit: Di mi nombre, Rosalía canta sobre la tiranía de lo que no es amor e Iciar Bollain inspira su grito.

El verso suelto: Rosalía canta “Y átame con tu cabello, a la esquina de tu cama, que aunque el cabello se rompa, haré ver que estoy ata'a, que aunque el cabello se rompa, haré ver que estoy ata'a”. Bollain firma uno de los films más descorazonadores sobre la violencia machista. Mujeres atadas en las narrativas de Rosalía y Bollaín, mujeres cuya resistencia y desafío consiste en aceptar el dolor de lo rutinario. Heroínas de Lorca cuya voz es firme.

Lo viejo: Rosalía desmonta el amor cortés. Flamenca gira alrededor de un triángulo amoroso donde el marido mueve su enajenación por el camino de los celos, culminando en una tragedia medievalmente cruel. La Flamenca de Rosalía sostiene que ese mal querer es eso, una relación donde no hay querer. Es un álbum que alterna el pesimismo, con la rebeldía, el determinismo con la esperanza. Bollaín arrasó en los Goya con una obra que es un bofetón a la cara del espectador. Juega en la ambigüedad de lo que algunos llaman amor, de quienes justifican los “celos sanos”, y entonces aparece la violencia. Destruye la ambigüedad que tanto daño hace en el debate sobre la violencia machista.

Lo nuevo: Rosalía mira al amor cortés pero lanza un mensaje a toda la sociedad actual. No es solo una cuestión de que ellas se empoderen, sino de que el hombre reconozca su necesidad de desmontarse. Bollaín ahonda en la figura del maltratador. Sin efectivísimo, dejando que la tragedia penetre cada conversación. Da voz a todos esos personajes femeninos del Free Cinema británico que soportaban a los angry men, a los borrachos, a los violentos, a los insatisfechos que cargan culpas.

6.   Blog

El hit: A ningún hombre, Rosalía da voz a las nuevas generaciones, Elena Frapé dirige y abandera ese me too donde se demuestra que el cine ha sido otra herramienta de silenciamiento.

El verso suelto: Rosalía canta “Voy a tatuarme la piel, tu inicial porque es la mía, pa' acordarme para siempre, de lo que me hiciste un día”. Frapé se ha consolidado con Las distancias (2018), pero Blog ya es la adición de una nueva voz femenina proveniente del cine catalán actual que tantas alegrías está dando con títulos como Verano, 1993 (2017), Las amigas de Ágata (2015) o Julia ist (2017).

Lo viejo: El logro de El mal querer es saber aunar voces separadas por el tiempo. Las de las abuelas y madres con las de las hijas. Mujeres flamencas por valientes. Recurrir al imaginario religioso y actualizarlo. Alejarse de la parodia del pasado y vindicar que folclore y modernidad pueden coexistir como formas que aspiran a revestir a la mujer de una espiritualidad emancipadora. Frapé retrata a un grupo de jóvenes a través de webcams y otros soportes. Sus confesiones, miedos, actitudes inseguras y la madurez filtrándose a través de lo banal. Es un film donde el realismo cinematográfico elabora un retrato de la juventud española alejado del sensacionalismo. Lukas Moodyson dialoga con Frapé.

Lo nuevo: Nuevas voces, nuevas abanderadas. Modelos que imitar, Rosalía ya es parte de un star-system y Frapé del canon cinematográfico actual. Poco a poco ellas tienen espejos donde mirarse, pósters que colgar en femenino.

7.   Pina y Janis

El hit: Nana, y Rosalía cierra El mal querer fusionando el arte escénico de Pina con la aspiración de ser un icono como Janis Joplin.

El verso suelto: Rosalía canta: “Nadie a ti te ha conta'o que ningún sueño sabe de horas o tiempos, ni tiene dueño” Rosalía se viste de Lorca y se baña en el reflejo de la luna para grabar en la plata de su voz los versos de la desesperación.

Lo viejo: Rosalía pasa del amor cortés a la liberación, del optimismo al pesimismo, del trabajo duro a convertirse en referente de la industria nacional e internacional. Por el camino muchas influencias, y sobre todo la obsesión por el detalle de Pina, en cada coreografía, gesto y tela rozando su cuerpo y tejiendo con las bailarinas un manto que cubre al espectador. También la certeza y seguridad que ella misma desprende, propias del descaro de unas Janis Joplin, sabiendo que el futuro es suyo.

Lo nuevo: Disfruta de los documentales sobre la vida y trayectoria de Pina y Joplin, porque tarde o temprano se harán documentales sobre la carrera de Rosalía.

Scrooge cambiaba finalmente y aprendía a amar la Navidad. El cuento de Dickens cargaba contra la industrialización y el capitalismo que asomaba la patita. Paradójicamente ahora todo bombardea nuestras pantallas y hechiza nuestras miradas. Sin embargo, los fantasmas ayudaron a Scrooge a poner en perspectiva su vida. La perspectiva del tiempo lo es todo, quizá solo exista este momento, esta Navidad. Cameo quiere que disfrutes de la Navidad y seas un poco menos Scrooge. El cine también tiene un poco de ese mal de Scrooge, olvida su pasado y no confía en el futuro. Por ese motivo Cameo estrena El león duerme esta noche (Nobuhiro Suwa, 2018) y Desenterrando Sad Hill (Guillermo de Oliveira, 2018). Dos películas que se reconcilian con el pasado del cine, hablan de su presente y miran a su futuro. Una desde el punto de vista del actor, la otra desde el punto de vista de un género como el western. Dos obras para disfrutar y regalar esta Navidad y descubrir que los fantasmas de Scrooge no solo siguen vivos, sino que pueden ayudarte a entender que quizá este momento sea todo lo que tengas.

Así que sí, aguanta a la familia, disfruta de los langostinos congelados y prepárate para un cine que va más allá de las reposiciones típicas de estas fechas. En Cameo te preparamos una Navidad de cine.

Desenterrando Sad Hill

El fantasma de las Navidades Presentes: El fantasma de Marley cargaba con una larga cadena que representaba todos sus actos egoístas. Llevaba a Scrooge de viaje y hacía que cambiara. Desenterrando Sad Hill enseña que el western no tiene por qué ser un género anticuado que carga con la cadena de su glorioso pero distante pasado. El fantasma de las Navidades Presentes conduce a Scrooge a Burgos, donde se erige el cementerio de Sad Hill, que albergó una de las escenas históricas del western en El bueno, el feo y el malo. El documental de Guillermo de Oliveira es un retrato de emociones, de reconstrucción del pasado para mirar al futuro. Cómo en ese lugar apartado se reconstruye el cementerio inmortalizado por Leone para garantizar un futuro mejor donde los turistas además de pasar frío como Scrooge disfruten de una localización única. También el fantasma enseña a Scrooge y al espectador que el western marcó una época en el cine y no tiene por qué quedarse ahí. Leone era un niño que veía a sus personajes como seres míticos. Esa fascinación no tiene por qué desaparecer.

El fantasma de las Navidades Pasadas: Este fantasma lleva a Scrooge al pasado del género western. Pide que Cameo recupere Compañeros mortales, el debut de un maestro del género como Peckinpah. De él se han dicho muchas cosas, desde que su misoginia eclipsaba su obra hasta que su cine era violento. Sin embargo, probablemente Peckinpah haya constituido una de las miradas más turbias y a la vez líricas de la historia del género. En este film un antiguo soldado, Yellowleg, organiza un atraco junto a dos compañeros. Todo sale mal cuando en pleno atraco se enzarzan en un tiroteo con la banda rival y el hijo de una cabaretera muere. Entonces Yellowleg decide ayudar a la madre. Para la crítica poco se aprecia de Peckinpah en este debut tildado de irregular, otros acusan a los productores de recortar metraje y unos pocos atisbaron una obra cuya rareza atesora el genio de un futuro maestro. Fueron tipos como Peckinpah o el Leone que inmortalizó Sad Hill los que renovaron un género encumbrado por John Ford. Scrooge sonríe viendo cómo el pasado del género oculta grandes reflexiones sobre el honor, la muerte y la violencia. También sonríe cuando ve cómo documentales como Desenterrando Sad Hill ponen de manifiesto la importancia de un género cuyo crepúsculo sigue alargándose.

El fantasma de las Navidades Futuras: Este fantasma proyecta a Scrooge una visión sobre el futuro del western. Burgos ha convertido Sad Hill en una tracción turística. Padres enseñan a niños fascinados cómo John Ford dio forma al género. Aunque los niños prefieren a Leone porque Clint Eastwood parece un superhéroe de drama griego gracias a la música de Morricone. Scrooge ve un futuro esperanzador, donde el western no solo sigue ambientado en el Oeste, sino también en esas grandes urbes donde el hombre moderno se siente como un centauro del asfalto. En realidad nunca estuviste aquí (Lynne Ramsay, 2017) es un ejemplo de cómo trasplantar los ejes temáticos del western a una puesta en escena profundamente urbana y deudora del cine de Scorsese y los 70. También es una muestra de que ellas sabían, saben y sabrán dislocar el género y adaptarlo a nuevos moldes. Scrooge sonríe, siguen haciéndose western apegados al género. Pero el cine actual también demuestra que un género tan universal puede vivir con el fantasma del pasado. Tres fantasmas del western para que Scrooge y tú disfrutéis estas Navidades de un género que ha regalado, regala y regalará cine.

El león duerme esta noche 

El fantasma de las Navidades Presentes: El cine de Nobuhiro Suwa no había contado con mucha presencia en nuestro país. El fantasma lleva a Scrooge a un presente donde Suwa ha encandilado a la crítica y el público con la historia de un actor anciano, Jean, que se retira a la casa donde vivió su gran amor Juliette. Al mismo tiempo un grupo de jóvenes que juegan a ser Godard ven en la casa una localización excelente para rodar su película, y de ese modo el viejo actor se encontrará con los nuevos cineastas. Scrooge reconoce en Jean a Jean-Pierre Léaud, figura inmortal de la Nouvelle Vague, confuso colaborador de Truffaut y tipo cuyos fílmicos devaneos amorosos llevan décadas llenando la pantalla. Ahora anciano, el film de Suwa cita a Truffaut y guiña el ojo a esos cinéfilos que ven en Léaud a un tipo cuya mirada arrebatada y presencia lánguida solo se equipara a otros grandes como Harry Dean Stanton. La película de Suwa es además de un divertidísimo artefacto de metacine, un relato romántico que enarbola el discurso de la vejez y la juventud a partir de registros visuales que miran a Rohmer. La reflexión alrededor de la figura de Léaud, actante que mira al fantasma del pasado mientras el fantasma de la muerte acerca, se erige en una reivindicación del cine como arte del retrato del tiempo.

El fantasma de las Navidades Pasadas: Scrooge empieza a entender que los fantasmas no son algo malo. Sonríe al ver a Léaud anciano. Y recuerda al Léaud que deambulaba por el metro de París, en blanco y negro, mientras se enamoraba con la misma facilidad que renovaba el bono del metro. Scrooge quiere el Pack François Truffaut que Cameo editó en homenaje a esa figura capital del cine francés. Los 400 Golpes (1959), Jules y Jim (1962), La piel suave (1964), Besos robados (1968), Domicilio conyugal (1970), El amor en fuga (1979), La mujer de al lado (1981), y el libro de Paula Bonet 813 Truffaut. Fantasmas del pasado del cine que ayudan a entender de dónde provienen los guiños y recursos de cineastas del presente como Suwa. Scrooge sabe que el tiempo da perspectiva, y el fantasma de las Navidades Pasadas le enseña que Léaud es ante todo un espectro del celuloide, un tipo de rictus enmarcado por el fotograma que lleva alimentándose años de su condición de actor. Truffaut le vio crecer, madurar y comenzar a envejecer en una unión entre cineasta y actor que regaló momentos inolvidables en la Nouvelle Vague.

El fantasma de las Navidades Futuras: Pero Scrooge no quiere que Léaud fallezca. El fantasma de las Navidades Futuras enseña a Scrooge que las Navidades son ante todo una celebración del instante actual. Pero que aceptar la muerte y hasta ensayarla es un ejercicio fascinante. Léaud nunca morirá, morará por cintas de celuloide y copias digitales. No obstante Albert Serra, como Suwa, también guiñará un ojo metacinematográfico al pasado de Léaud en La muerte de Luis XIV (2017). La figura del monarca francés sirve a Serra para construir una de las mejores películas del año pasado. Léaud se erige en un actor que se transmuta en su personaje. El film muestra los últimos días de ese Rey moribundo a causa de una herida en su pierna. No es una muerte cualquiera. Es el ensayo de la muerte de un símbolo. Serra estira el plano, apresa el rostro languideciendo en primeros planos. La mirada de Léaud mira tanto al fantasma de las Navidades que ya no vivirá como al propio espectador. El diálogo de Serra y Léaud pretende que el espectador se enfrente al ejercicio de aceptar la mortalidad.

Estos fantasmas ayudan a entender las relaciones del cine con su pasado, y con su futuro. El Scrooge que se pasea por el catálogo de Cameo comprende que estas Navidades es momento de celebrar el momento presente, acordándose de cómo el cine llego hasta aquí y hasta dónde llegará. Un documental que mira al western clásico de Leone y que dialoga con el western moderno donde ellas tienen mucho que decir. Un film dirigido por un cineasta japonés sobre Léaud, figura capital de esa Nouvelle Vague que renovó el cine y lo liberó de sus fantasmas, a caballo entre el pasado y el futuro de cineastas como Suwa o Albert Serra. Es Navidad, y Scrooge por fin entiende que hay que disfrutar.

El Black Friday ha llegado, el momento perfecto para comprar los regalos de Navidad y que cuando lleguen esos días festivos solo haya que preocuparse de las discusiones sobre política y el punto del asado. Un DVD es un presente socorrido, regalar cine ensancha el alma. No tener que pensar en los tickets regalo o los packs de experiencias en forma de cena romántica en Casa Paco, restaurante de carretera en algún lugar de la Sierra de Gredos. En Cameo te lo ponemos fácil. Tenemos el mejor cine. Tenemos grandes ediciones. No sufrirás codazos, o peleas o colas eternas porque alguien decide vaciar su monedero. Incluso podrás darte un capricho y aumentar tu vitrina de cine para alardear.

Desde Cameo os damos sugerencias para regalar cine y ahorrar en este Black Friday. No decidimos nosotros qué vais a regalar, sino los críticos, esos tipos vetustos que con muchos adjetivos rimbombantes te dejan con la duda sobre si Tommy Wiseau es John Ford o un Ed Wood con gafas de sol. También tenemos en cuenta el criterio del cuñado, arquetipo familiar por excelencia, y cuya opinión se extiende sobre todo lo que el hombre conoce y está por conocer.

1.   The Walking Dead

El crítico dice: “Al final parece que van a conseguir que 'The Walking Dead' sea una serie que simplemente adoremos, en vez de una que adoremos odiar" (Phil Owen, The Wrap).

El cuñado dice: “¿Te has comprado las siete primeras temporadas? Yo vi tres capítulos y me aburrió, muy previsible. Prefiero a Rob Zombie, ya no se hace terror como antes. Yo esto con un poco de maquillaje, una cámara casera y tres duros consigo que te vayas a la cama con biberón”

La razón dice: The Walking Dead es un fenómeno seriéfilo. Es un poco como un buen reality show. Nadie dice que lo ve, pero todos lo ven. Zombies, dramas familiares, gore, violencia y tratado político en tiempos donde a muchos parece que les hayan sorbido el seso. El renacimiento de los muertos empezó con esta serie, y sigue llenando fiestas de Halloween con disfraces y bates de béisbol.

Regalo ideal para: Los adolescentes de la casa. Enganchados a maratones de series y a plataformas de streaming. Empezar a iniciarlos en el mundo del coleccionismo. No hay nada más bonito que agarrar el estuche de la serie y sentir que los zombies habitan en tu estantería y no en una nube de datos. Solo hay que advertirles que culminar una cita en casa con mantita, palomitas y zombies quizá no es la mejor idea. La carne putrefacta y el canibalismo desaforado no invitan al romanticismo.

2.   Verano 1993

El crítico dice: “No es un prometedor debut, sino una de las películas españolas más impresionantes en lo que va de año, madurísima destilación de unas reminiscencias de infancia asimiladas a través de una virtuosa representación” (Jordi Costa, El País).

El cuñado dice: “¿Vamos a llevar esto a los Oscars? Vas a ver cómo se ríen de nosotros. Si es que no pasa nada en toda la película y hablan en catalán. Una niña traumatizada, un hípster con barbas en los 90 y a saber cuánto dinero se han llevado en subvenciones”.

La razón dice: Premiada en el Festival de Málaga, en los Goya, en la Berlinale y en el National Board of Review. Carla Simón firma un debut entrañable y nos recuerda que en España sigue habiendo hueco para el cine de autor. Porque es posible crear un film donde la imagen recrea el naturalismo y centra el punto de vista alrededor de la mirada infantil. Frida y la actuación de Laia Artigas son un ejemplos más de cómo el cine español sabe apresar el drama familiar y la pérdida a través de la candidez de la infancia.

Regalo ideal para: Esa amiga millennial que no te deja de dar la brasa con Operación Triunfo y Paquita Salas. Con sus camisas vintage, sus convers y su fanatismo por Friends y cualquier cosa que le recuerde a los años 90. Para que cree un hilo en Twitter con recuerdos y fotos familiares porque la historia de Verano 1993 le ha emocionado. También para que vea que el DVD no muerde, y puede tener más encanto que ese walkman que compró en el mercadillo y usa de pisapapeles.

3.   El viajante

El crítico dice: “Es una pieza de una perfección casi humillante, puesto que, precisamente, de eso trata, de la humillación. (...) Farhadi vuelve a recuperar su caligrafía existencial, humana y herida de sus mejores trabajos” (Luis Martínez, El Mundo).

El cuñado dice: “Ahora te ha dado por el cine iraní. Qué ganas de sentirte especialito, como si aquí no se hiciera buen cine. Que si cine iraní, que si humus, que si seitán…  Pico y pala, no hay cine como el que hacía Humphrey Bogart”.

La razón dice: Oscar a Mejor Película de Habla no Inglesa, Farhadi vuelve a estar en boca de todos con Todos lo saben (2018) reuniendo a Penélope Cruz, Javier Bardem y Ricardo Darín. Qué mejor manera de prepararse para su último film que disfrutando de El viajante, donde el cineasta iraní demuestra por qué es uno de los grandes del momento. La humillación al servicio del drama costumbrista y de la psicología trazada de manera intimista.

Regalo ideal para: Ese primo que roza la treintena y es la comidilla de las reuniones familiares. ¿Por qué no tiene ya novia?, ¿qué tendrá de raro para seguir solo, es que ni se las mira? El que disfruta de la soltería coleccionando películas, hablándote a escondidas de cine soviético para que nadie descubra sus filias y que disfruta de libros en cafeterías-librerías. La soltería es un estilo de vida y para él Farhadi es una experiencia digna de ser comentada en el podcast en el que participa cada semana.

4.   Four Lions y Después de la tormenta

El crítico dice: Sobre Four Lions: "La mera existencia de 'Four Lions' es un acto de atrevimiento; la realidad es que es tan inteligente, humana y con frecuencia hilarante que es poco menos que un milagro" (Dana Stevens, New York Times) Sobre Después de la tormenta: "Un drama de familia de suprema sutileza (...) Ningún director actual contempla la vida cotidiana de los seres humanos más íntimamente que Kore-eda, o es más infaliblemente generoso con lo que encuentran” (Robbie Collin, Telegraph)

El cuñado dice: “¿Un inglés y japonés haciendo comedia? De un inglés me lo espero, pero los japoneses son muy raros con sus monigotes, tanta radiación le has pasado más factura que Godzilla”

La razón dice: Kore-eda viene de triunfar en Cannes cobn su última película, así que en Cameo te acercamos la que fue su última aproximación a esos dramas familiares que convierten lo melifluo en melodramas a caballo entre Ozu y Minnelli. Y para compaginar propuestas Four Lions, comedia valiente e irreverente que recupera la sátira y la acidez perdida en tiempos de corrección política. Se atreve con terrorismo, inmigración y fundamentalismo, con referencias a Star Wars.

Regalo ideal para: Ese sobrino que ronda ya los 18 y venera a los Monty Phyton al mismo tiempo que aprende japonés porque Naruto le maravilla. Por un lado tiene la continuación del humor absurdo y la ironía en tacitas de té de los primeros. Por otro descubre al Japón que inspira el manga.

5.   It Follows

El crítico dice: “Para amantes del terror inteligente. (...) En algunos momentos verdaderamente aterradora (...) ¿Habrá nacido un nuevo John Carpenter? ¿O será que Jacques Tourneur ha vuelto de la tumba?” (Sergi Sánchez, Fotogramas)

El cuñado dice: “Vaya con el terror millennial. Una chica a la que persigue una presencia maligna toda la película. Seguro que es otro panfleto feminista encubierto. Propaganda del New White Order. Esto con Carpenter no pasaba”

La razón dice: David Robert Mitchell sorprendió a toda la crítica con It Follows. Un ejercicio de estilo, de terror que juega con el género para abordar temáticas actuales y retorcerlas en forma de relato a caballo entre el coming of age y una historia de iniciación en el mundo adulto que congela el aliento. El terror ya no solo asusta, sino que acecha detrás de cada problema que uno se niega a ver.

Regalo ideal para: Esos padres que veneran a John Carpenter, el cine de la Hammer, a Jacques Tourneur y para los que echaron la lagrimita con Vincent Price y Christopher Lee. Nostálgicos de un género que alimentó la fantasía por la pesadilla. Robert Mitchell actualiza todas esas referencias y de paso nos prepara para Lo que esconde Silver Lake, otro ejercicio donde se apropia del neo-noir para construir un estilo propio.

6.   El Club

El crítico dice: "El club es dura y áspera, destila necesaria mala leche, inteligencia, sarcasmo, claustrofobia y violencia interna, te remueve lo que ves, lo que escuchas y lo que imaginas."

El cuñado dice: “Ya estamos otra vez. ¿Por qué siempre se meten con la Iglesia Católica?, ¿harían lo mismo con otra religión que yo me sé? Seguro que no es para tanto. Además, cine chileno, qué sabrán estos con la corrupción que tienen encima.”

La razón dice: Pablo Larraín conquistó al Jurado de la Berlinale con El club. También se ha constituido en una de las figuras de referencia del cine latinoamericano. Ha tratado la realidad política chilena desde el punto de vista de un cronista, reflejado la vida de Jackie Kennedy y antes de eso ofreció una reflexión sobre la banalidad del abuso sexual silenciada por el Vaticano y arrinconada en una pequeña casita apartada del mundo y quizá de la mirada de Dios.

Regalo ideal para: Quizá te aburra ir cada año con tu abuela a la Misa del Gallo por aquello de contentarla, aunque seas más atea que Nietzsche en un beer-pong con Schopenhauer. Pero no hay necesidad de asustarla enseñándola El Club, o quizá os sirva a ambas para reflexionar sobre las diferencias entre religión e individuo, fe y necesidad. Probablemente se lleve un susto mayor que con el último CIS, pero esto os unirá más que el madrugón para ir a la Misa del Gallo, y si no siempre quedan los churros y el chocolate, que el cuerpo consagrado de Cristo se supone que tiene que dejarte con hambre espiritual.

7.   Los pasos dobles

El crítico dice: "Es un acertijo, un filme para explorar, apasionante" (Sara Brito, Público).

El cuñado dice: “Otra vez con el cine español a cuestas. Si además ni se les entiende cuando empiezan a hablar. Mejor me veo uno de esos documentales de Netflix donde te dejan con la duda de quién es el asesino”

La razón dice: Isaki Lacuesta acaba de recibir otra merecidísima Concha de Oro en el Festival de San Sebastián. Probablemente se trate del cineasta de autor español más universal pese a ceñirse a historias de individuos muy concretos, tallados en la propia realidad. Los pasos dobles es otro ejercicio donde la máxima de Wagner en la que el tiempo se hace espacio cobra sentido cuando el relato discurre de manera detectivesca para descubrir el legado artístico de un misterioso pintor.

Regalo ideal para: La aficionada a redes sociales de la familia. Sube historias a Instagram hasta para narrar el agónico ascenso a su piso tras subir las escaleras de dos pisos. Ama las narrativas fragmentadas, los misterios y encontrar las referencias. No ha dormido desde que salió El mal querer de Rosalía. Por fin tiene una excusa para dejar de leer a Proust y analizar por qué Bagdad es Cry me a river de Justin Timberlake. Cuando vea a Lacuesta explotará en una nebulosa de historias de Instagram y retweets.

8.   In the loop

El crítico dice: "Descacharrante" (Luis Martínez, El Mundo).

El cuñado dice: “El humor británico está de capa caída, ha hecho un Brexit *ríe solo*. Yo es que no sé qué diferencia hay entre los Monty Python y el Pijus Magnificus y La que se avecina”

La razón dice: Armando Iaunicci lleva años satirizando la política británica e internacional, provocando que esa risa que a todos nos asoma cuando vemos un pleno parlamentario se convierta en carcajada. Si se rodea de Peter Capaldi y la ironía que le llevaron a ser Doctor y James Gandolfini el resultado es una de las mejores parodias y sátiras sobre diplomacia y política internacional. La muerte de Stalin ha demostrado que Iaunicci sigue igual de mordaz que siempre, pero In the loop es un cuadro esperpéntico digno de Valle-Inclán.

Regalo ideal para: Toda la familia. La política española lleva años pareciendo una serie de sketches alargados. Lo que empezó con risas nerviosas ahora es hastío ciudadano ante figuras políticas que solo generan risas tan enlatadas como los aplausos de sus compañeros de bancada. Los payasos de la tele al menos preguntaban eso de “¿Cómo están ustedes?” y tenían la decencia de anunciarse con sus narices y pantalones bombachos. El circo del Congreso maravillaría a Ianucci. A nosotros ya no, pero entre medias esta comedia sí que provoca risas y no de las enlatadas precisamente.

En Cameo no nos olvidamos del star-system, pero también lo actualizamos y extendemos al cine europeo. Imagínate que eres Isabelle Huppert. En activo desde 1971 y con mas de 100 películas a tus espaldas. Una diva no por su clase – que también – sino por erigirse en icono feminista, inspirar vida en los personajes de cineastas que abarcan desde Brillante Mendoza hasta Haneke y pasearse por festivales con la misma maestría que Agnes Varda. Hay una película de Isabelle Huppert para cada semana, y en Cameo homenajeamos a nuestras estrellas. Tan solo escoge que Isabelle Huppert quieres ser en este día de la semana, y adorna tu red social particular con esa mirada que se ha merecido desde un Globo de Oro hasta el máximo reconocimiento en Cannes.

La cámara de Claire

¿En qué día de la semana está Isabelle?: Sábado, por fin tiene un puente y por fin ha podido viajar. Isabelle es Claire, una profesora que se pasea con su cámara por Cannes y conoce a Manhee, quien acaba de ser despedida como asesora de ventas de una distribuidora. 

Es sábado, toma fotos mientras los críticos vetustos y la cinefilia ocupa Cannes. Es feliz recreándose con el mar, y ve en Manhee a alguien cuya vida ha pendido demasiado de las expectativas de otros. Pero Claire no tiene deformación profesional ni necesita dar lecciones. Es sábado, toman fotos, hablan, charlan y en el fondo Claire es una Sócrates con mejor melena que pregunta para que Manhee responda sus propios interrogantes.

¿Quién lo dirige?: Hong Sang-soo dirige este sábado e Isabelle consigue que anheles estar ahí, en Cannes, cámara en mano y desgranando la rutina con instantáneas que capturen el flujo del día a día. El surcoreano es un cronista de la rutina sensible, del día a día y los gestos desapercibidos entre sorbo y sorbo, o entre foto y foto. Claire y Minhee vistas por Sang-soo son dos mujeres observando cómo la propia vida no puede congelarse en una imagen, y Sang-soo ofrece su particular polaroid de una amistad surgida alrededor del cine.

La imagen del día: Quizá te falte un poco para ser como Isabelle. No tienes esa pose casual haciendo la foto ni una cámara tan apañada. Coges tu smartphone pero el brillo del sol tapa la pantalla y acabas haciendo una foto de una gaviota exhibicionista en un risco. El móvil se te cae cuando culpas a tu pareja por tener una sonrisa digna de anuncio de colutorio. No eres Sang-soo ni podrás llenar tu nevera con polaroids de fiestas vintage donde ríes despreocupadamente mientras sujetas un oportuno botellín de cerveza. Pero siempre puedes seguir a Huppert en Instagram y practicar.

El porvenir

¿En qué día de la semana está Isabelle?: Viernes, Isabelle se disfraza de Nathalie. Su marido le acaba de decir que está con otra mujer, y como profesora de Filosofía el mejor razonamiento es arremeter con la última edición de Crítica de la razón pura contra el cabeza dura de su marido. Decide relajarse, Kant solo tiene culpa de ser demasiado categórico. Toca hacer cambios en su vida. Algo que vaya más allá de comprarse una pulsera para medir los pasos y la frecuencia cardiaca. Sale por la noche, ¿quién es Maluma?, ¿por qué se frotan los cuerpos como si fueran salmones desovando? Nathalie no entiende nada, pero quiere entenderlo.

¿Quién lo dirige?: Mia Hansen-Love, una de las promesas del cine europeo dirigiendo a una de las grandes veteranas. Nada sale mal, lo que podría haber sido un retrato amargo de una crisis de mediana edad visto en un anuncio de higiene intima acaba siendo un lúcido ejercicio de naturalismo cinematográfico donde el desengaño cristaliza en tierna sinceridad. Hansen-Love sabe alternar naturalismo y sensibilidad, y en sus manos Huppert brilla dando vida a una profesora para la que la oposición no será el último gran reto de su vida adulta.

La imagen del día: Es viernes, como Isabelle has pasado por un desengaño y esa es tu noche. Hansen-Love no ha podido dirigir tu noche. No hay un naturalismo tierno, ni una cámara titilante capturando los destellos de tu mirada en una charla entre amigas. Entonces suena: “era un domingo de tarde fui a los coches de choque, y estaban pinchando el disco que a mí tanto me pone”. No es domingo por la tarde, no sabes si ese disco te pone. Pero la alternativa es quedarte en casa, ver un documental sobre ecologismo y manatíes y presumir de healthy lifestyle con un sándwich de seitán frío y pepinillos. Los cambios poco a poco, empiezas a bailar. El lunes vas a pilates. La vida es bonita cuando la bocina de los autos de choque te susurra en el oído e Isabelle es tu modelo de vida.

El amor es más fuerte que las bombas

¿En qué día de la semana está Isabelle?: Miércoles, Isabelle ha fallecido pero como fotógrafa de guerra consiguió que el testimonio de remotos conflictos llegara a salas cercanas. Su hijo mayor observa las fotos y regresa al hogar con el padre y el hermano pequeño. ¿Ha sido Isabelle buena madre?, ¿cómo la recuerdan? Los grandes conflictos bélicos pueden fotografiarse, y sin embargos los pequeños conflictos familiares dejan heridas abiertas que ningún fotógrafo puede capturar.

¿Quién lo dirige?: Joaquim Trier, que antes de Thelma dejó filmes como este donde muestra un talento innato para apresar grandes conflictos en pocas palabras. Heredero de Ibsen y Strindberg, y por qué no de ese Bergman capaz de encerrar la soledad del individuo en la cárcel de la familia, Trier destroza a sus personajes con encuadres neutros y retratos psicológicos.

La imagen del día: Es miércoles, la Isabelle real no ha fallecido. Tú tampoco, aunque sea solo miércoles y esta mañana durante unos minutos hayas pensado que era viernes hasta que el despertador jugó con tus sueños. Es día de intentar ser un poco culto. Vas a esa exposición de fotografías de la Guerra Civil con tu padre. Juntar familia y cultura parecía buena idea. Regalan una copa de vino con la entrada, ojalá fuera la botella. Él ha empezado a hablar de cómo jugaba al fútbol en la puerta de la Casa del Obispo, después de ver fotos de un bombardeo. A ti se te abre la boca leyendo las descripciones de las fotos. Tu padre te dice que por qué le invitas a él y no a una pareja. Ojalá estar cubriendo una guerra como Isabelle.

Happy End

¿En qué día de la semana está Isabelle?: Martes, buen día para que Isabelle se vista de Anne Laurent y forme parte de una familia burguesa cuyos trapos sucios se airean en post de Facebook, vídeos grabados en vertical y adicciones varias escondidas en caracteres y en un carácter propio de una institución social algo decimonónica. Entre medias hay hueco para reproches, suicidios y para la mirada de Isabelle desgranando las filias y manías de la burguesía moderna.

¿Quién lo dirige?: Haneke, que parece sacar lo mejor y lo peor de Huppert con esa altivez y elegancia que esconde el profundo e irónico reflejo de una burguesa adicta a su propia clase. Haneke se pasa al mainstream de las redes sociales y las nuevas tecnologías pero no pierde su crueldad analógica para diseccionar la decadencia de toda una clase con todavía más sentido del drama que Visconti. Precariedad laboral, inmigración y adicción al trabajo metidos en una batidora que acaba salpicando al espectador por lo incómodo de su propuesta.

La imagen del día: Martes, selfie después de la sesión de spinning de la mañana. Ahora a trabajar. No sabes si eres una adicta al trabajo como la Anne de Huppert, pero desde luego no ganas lo mismo y las pausas para comer te dejan una acidez en el estómago peor aún que la que contiene toda la filmografía del director austríaco. No eres burguesa, solías pensarlo cuando estabas casada. Ahoras eres parte de esa nueva clase media que apenas puede ahorrar. Tampoco crees que la inmigración haya condenado a la clase blanca. Más bien apagas la televisión cuando sale un político y deseas que la empresa deje de contratar becarios.

Elle

¿En qué día de la semana está Isabelle?: Jueves, Isabelle es Michèle y regresa a casa después de una jornada de trabajo en su empresa de videjuegos. Tras lidiar con los egos de una industria eminentemente masculina, es asaltada y violada en su propio hogar. Michèle no es solo víctima. Recoge el desastre, enjuga sus lágrimas y decide que ese hecho no la a convertir en una cifra más. Quiere venganza.

¿Quién lo dirige?: Paul Verhoeven, cuya crueldad y perversidad en Elle superan la visceralidad de su eterno Robocop (1987). Aquí no hay torturas explíticas o ejecuciones sumarias escopeta en mano. Pero Verhoeven retrata la violación de la intimidad y la obsesión más parafílica a través del rostro imperturbable de Michèle/Isabelle a medida que su pesquisas para vengarse del agresor la envuelven en un halo de fascinación y redescubrimiento de su propio deseo.

La imagen del día: Jueves, ves horrorizada la película de Verhoeven. Candas la puerta, cierras las ventanas y te das cuenta de que las cifras no miente. Hay violencia contra las mujeres. Hay debates que quizá impliquen el derecho a la venganza ante una Justicia en ocasiones más fría que el propio Robocop. Admiras la interpretación de Isabelle, la contención en el rostro, el trauma disimulado en una sonrisa inacabada.

Amour

¿En qué día de la semana está Isabelle?: Domingo, Isabelle interpreta esta vez a una hija independizada, casada y con residencia en Londres. Sus padres, ancianos y músicos jubilados, conviven en Paris e intentan transformar la idea de amor en algo más que bonitos anuncios, algo cercano a la realidad más cruda.

¿Quién lo dirige?: Haneke de nuevo, aunque la dirija en un papel secundario para esta historia de amor donde el romanticismo se mide por la capacidad de ver sufrir a la persona que más quieres. Premio Oscar, Palma de Oro, Globos de Oro y Premios César en un film donde Haneke parece abandonar su ironía perversa para ofrecer el retrato romántico más triste y conmovedor de los últimos años. 

La imagen del día: Domingo, visitas a tus padres con tu marido y tus hijos. Es ese día de la semana donde vais obligados, cocinas algo rápido y confías que en tu madre no se pierda en sus pensamientos y tu padre no abra ese baúl de recuerdos lleno de trampas. Los miras a los ojos y aunque reconozcas en ellos el pasado solo ves la arruga del presente hundiendo el párpado. Después del bofetón de realidad de Amour solo querrás abrazarles y confiar en que jamás se agoten los gestos que se dedican a medida que él la ayuda a levantarse de la silla.

Una mujer en África

¿En qué día de la semana está Isabelle?: Lunes, Isabelle interpreta a María. Divisa sus tierras en una plantación de África Central. El celo del buen terrateniente hace que se pasee por la plantación de café, saboreando la humedad y sintiendo cómo el suelo arcilloso se hunde bajo sus pies. Dicen que habrá guerra, María solo piensa en salvar los granos de café y vivir para seguir sintiendo cómo el aire dibuja siluetas con el polvo acumulado en los muebles de su pequeña habitación.

¿Quién lo dirige?: Claire Denis, maestra de la sensibilidad y el microgesto, de la intimidad que cristaliza en el sudor de primeros planos y los relatos donde se acumulan las preguntas y poco importan las respuestas. Denis pasó su infancia en Camerún, Somalia, Burkina Faso y Yibuti debido al trabajo de su padre. El título inglés del film – White material – es el término usado en esas naciones para designar a los blancos que permanecieron en esos lugares tras la descolonización. El tándem Denis-Huppert rehúye de la mirada occidental, y tejen un relato donde es más relevante lo que no se dice.

La imagen del día: Lunes, no hay suficientes plantaciones de café que puedan acabar con tus legañas. No entiendes cómo hay gente con la energía suficiente para acercarse al Starbucks, recibir su dosis de cafeína a precio de grano molido por monjes tibetanos y posar en Instagram. Tú necesitas café hasta para llegar el baño. La María de Isabelle lo sabe y por eso produce el café que te revitaliza y evita que te transformes en un gremlin con raya diplomática. Ojalá tener plantaciones y lidiar con una guerra civil, todo antes que tener que meterte en el metro y lidiar con la carestía de desodorante y el desfile de tos y gargantas a modo de cañones de virus. 

El mindfulness es definido como la atención consciente. Una técnica de meditación que no busca que huyas del presente sino que seas consciente de él. No es nada religioso, no es necesario que te intoxiques en incienso o bebas leche de cabra del Himalaya. Busca que vivas el momento, que regreses al presente sin ahogarte en el pasado o mirar el precipicio del futuro. Porque vivimos en un mundo frenético en el que no somos dueños de nuestros pensamientos. Desde Cameo nos unimos al presente y queremos generar concinencia con películas como 100 días de soledad que harán que medites sobre la necesidad de mirar hacia dentro y no hacia fuera. Ahora cierra los ojos, inspira profundamente y déjate inspirar por estas historias para meditar sobre la concinencia.

100 días de soledad

Cierra los ojos e imagina desconectar el móvil, el ordenador y dejar de perder tu mirada en horas y horas de televisión. Sumergirte en la naturaleza, entrar en contacto con tu soledad y deambular por el bosque tratando de hallar un silencio que quizá te estremezca. Eso mismo se propuso José Díaz al marcharse a una cabaña en el Parque Natural de Redes. Eso es entrar en contacto con el presente y la naturaleza y no esa vez que fuiste al bosque de tu urbanización a por setas y saliste con ortigas hasta en las orejas.

Inspira profundamente y reflexiona sobre cómo el estar conectados a diario nos ha hecho desconectar de aquello que nos rodea. 100 días de soledad es un viaje introspectivo en el que José Díaz afirma sentirse más seguro en medio de la nada que pidiendo un crédito bancario. José hace suyo el espíritu de Thoreau en Walden, quien afirmaría: “Fui a los bosques porque quería vivir con un propósito; para hacer frente sólo a los hechos esenciales de la vida, por ver si era capaz de aprender lo que aquella tuviera por enseñar, y por no descubrir, cuando llegase mi hora, que no había siquiera vivido.”

Espira tranquilamente mientras reproduces en tu mente el sonido de las hojas crujiendo bajo tus pies. El aire acunando el silencio y tu mirada perdida no en la pantalla sino en la inmensidad del cielo. A veces para apreciar el camino solo hay que pararse y observar, en medio de una sociedad donde el camino cada vez se anda más rápido y sin reparar en el destino.

Abre los ojos y ve 100 días de soledad para comprender que el mindfulness no es una corriente hípster de batidos ecoveganos. Se trata de descubrir nuestro presente y el lugar que nuestros pensamientos tienen en relación con todo.

Grado de concinencia: No hace falta ser Theodore Kaczynski ni tener su psicopatía para reconocer que un retiro y desconexión te harían mucho bien. Eso sí, nada de escribir manifiestos neoludistas repletos de odio si el primer día eres incapaz de encender un fuego.

InnSæi, el poder de la intuición

Cierra los ojos e imagina qué harías si tuvieras el día completamente libre, sin emails, trabajo o eternas colas para coger un metro con aspecto de lata de sardinas. Pensar en el futuro sin que un nudo tire de tu cuello y pensar en las vacaciones no como un oasis de paz sino como una prolongación de tu bienestar. Intenta usar más la intuición, pasar del horóscopo o de las recetas milagro, de los vídeos de Youtube que te prometen un mejor uso de tu tiempo o de historias de superación empresarial. Porque al final del día solo estás tú y tu intuición para descubrir nuevos caminos.

Inspira profundamente y reflexiona sobre el presente. ¿Tu vida lleva a algún momento que no consista en un suspiro de alivio por entregar un trabajo sumamente exigente? InnSæi no es el último macetero de Ikea para floricultores exigentes. Es un concepto islandés que habla de recuperar la empatía y la intuición conectando con otras personas. No, no cuenta ese chico o chica cuya mano se deposita sobre la tuya en la escalera del metro y por un momento tienes una epifanía amorosa.

Espira tranquilamente y observa cómo el estrés te ha llevado a planificar una rutina donde el más mínimo cambio amenaza tu estabilidad. InnSæi, el poder de la intuición nos habla de reconectar con nosotros mismos, de replantearnos el balance de nuestra vida y ver el estrés como una amenaza. Quizá de comportarnos como esos niños que sienten, intuyen y se dejan llevar hasta por el vuelo de una mosca en vez de reflejar nuestro bienestar en hojas de cálculo y libretas bancarias.

Abre los ojos y ve InnSæi, el poder de la intuición aunque solo sea para ver a gente que parece sacada de anuncios de abogados de divorcios. Porque esa ironía con la que miras a esa gente radiante quizá esconda algo de frustración, o simplemente porque puedes gastar 74 minutos de tu vida viendo cómo el mindfulness puede hacer más por ti que la enésima cadena de mensajes de Whatsapp sobre algún político de bolsillo suelto.

Grado de concinencia: Tras ver el documental has comprado incienso, iniciado la meditación activa y ahora las pelotitas antiestrés yacen en la basura. Intentas empatizar más con esas personas que se saltan la cola o con la gente para la que el desodorante encarna los males del capitalismo. Te sigue fastidiando, pero la empatía te ha hecho más feliz y los cojines de decoración hindú del Ikea te hacen sentir una persona nueva.

La revolución altruista

Cierra los ojos e imagina un mundo en el que no hubiera gente tan egoísta capaz de acaparar media playa con toallas como si estuviera montando las jaimas de algún imponente jeque saudí. ¿Crees que la humanidad sería capaz de respetar las colas del supermercado y que la vecina del tercero podría dedicarte un saludo de vez en cuando? Un mundo lleno de optimistas y no de twitteros que en vez de ver el vaso lleno se sienten ofendidos por su mera existencia. Suena muy hippie y John Lennon ya esta muy visto, pero La revolución altruista es más posible de lo que crees.

Inspira profundamente porque quizá eso que te abuela te decía de pequeña de que hay mucha gente mala en el mundo quizá sea reversible. Así lo cree Matthieu Ricard, biólogo y monje, de esas personas que transmiten más paz que un desayuno de Instagram. Según el film el egoísmo es un constructo cultural y en realidad la humanidad está predispuesta al bien, la solidaridad y la cooperación. Unos experimentos con bebés demuestran que por naturaleza condenamos los comportamientos abusivos.

Espira tranquilamente y piensa en una economía altruista, pero tranquilo, esto no es comunismo, guarda tu viejo pañuelo palestino. Una economía donde el desempeño individual no entrara en conflicto con el desarrollo social y donde todos diéramos lo mejor de nosotros sin hacer daño al vecino. ¡Se acabó el dar golpes con la escoba a ese vecino que escucha electrolatino y siente la llamada de la sabrosura a las tres de la mañana!

Abre los ojos y ve La revolución altruista , tu corteza cerebral prefrontal izquierda te lo agradecerá. Es la encargada de las emociones positivas, ya sabes, comer un helado, sentir la arena bajo los pies o reírte cuando tu padre se tropieza mientras intenta arreglar algo.

Grado de concinencia: No sabemos si a través de la meditación serás igual de feliz que Matthieu Ricard. Es la persona más feliz del mundo y sus mediciones de la corteza cerebral prefrontal izquierda están más disparadas que tu colesterol. Pero al menos por unos instantes creerás que es posible cambiar. Y todos los cambios empiezan con posibilidades.

Speed, en busca del tiempo perdido

Cierra los ojos e imagina no contar tus satisfacciones en minutos. Un domingo donde no cronometres cuánto dura la lavadora para poder dedicar unos minutos más a descansar. Un lunes donde toda tu felicidad orbite alrededor de esos cinco minutos que tienes en lo que llega el metro para apurar ese café en vaso de plástico que te hace sentir productivo. No observar las conversaciones de Whatsapp con tus amigos o tu último crush de Instagram y medir su interés por ti en los minutos en que tardan en responderte después de dejarte con el doble tic azul. En definitiva, olvídate del reloj un día y verás que el tiempo no es intercambiable por el número de canciones de tu lista de Spotify que gastas en la cinta del gimnasio para intentar sentir que respiras.

         Inspira profundamente y disfruta alterando la rutina. Speed, en busca del tiempo perdido intenta que por un día te pongas el sombrero de Indiana Jones y te dediques a dar latigazos a esos hábitos que te convierten en un zombie en modo espera. Un documental que te hace pensar sobre la última vez que pasaste tiempo con tus padres sin pensar en cuándo se acabaría todo aquello. Si un leve retraso del transporte público provoca que quieres escupir tu rabia en la cuenta oficial del Twitter de la compañía quizá es momento de que te calmes.

         Espira tranquilamente, solo así dejarás de dividir tu día en rutinas HIIT de 5 minutos que te lleven de un lado a otro como pollo sin cabeza. Las notificaciones de nuevos correos y mensajes son solo notificaciones, no gritos de un amo escondido en la placa base de tu móvil. Deja de posponer planes, no codifiques tu vida a través del router y cuando tomes vacaciones tampoco te obsesiones por llegar pronto a la playa y plantar la toalla, siempre habrá un jubilado ahí cual Cerbero.

         Abre los ojos y ve Speed, en busca del tiempo perdido para descubrir que el tiempo es relativo. Que los millennial no son la única generación trendy y que tú también puedes ser un influencer. Haz un Dalí y funde los relojes para poner un poco de surrealismo en la monotonía.

         Grado de concinencia: Tras ver el documental te planteas seriamente qué has hecho con tu vida. Cuántas series has visto en el tiempo que podrías haber aprendido idiomas, escalado el Himalaya o haberte enamorado en el Transiberiano mientras paladeabas chocolates de la Guayana francesa y escribías un libro de hábitos saludables. Tampoco te pases, el tiempo hay que disfrutarlo con moderación.

Muros

 Cierra los ojos e imagina que las únicas fronteras que existen son las de tu vergüenza ajena. No hay muros que coarten sueños o separen familias. La caída del muro de Berlín nos enseñó que es posible que los políticos usen la cabeza para algo más que reformar sus apartamentos. Imagina que el Muro de México no existe, que ya no se habla de saltos de la valla en Melilla o que en Sudáfrica la lucha contra el apartheid termina por derribar muros. Los medios con frecuencia solo hablan de lo que nos separa, de los excesos de Trump o el enésimo naufragio en un Mediterráneo cuyas aguas esconden ruinas más grandes que la Atlántida. Muros golpea tu conciencia y te mira a los ojos, porque las noticias podrían no serlo si tomamos medidas.

         Inspira profundamente y comparte algo más que tu indignación por la última declaración de un gobernante o por el contenido de la letra de algún artista que usa palabras en vez de violencia. Quedan muchos muros por derribar, techos de cristal que hacer añicos y luchas que vayan más allá de recoger firmas y trazar símbolos en la ropa. Muros nos saca los colores y nos habla sin juzgar pero haciéndonos pensar que el mindfulness no es una huida sino una toma de conciencia con el presente, por doloroso que resulte.

         Espira tranquilamente, todo se puede arreglar. Las historias reales de Muros son impactantes, pero también esconden un martillo de esperanza con el que golpear conciencias. Una madre que carga literalmente con el peso de su familia por amor a sus hijos, una pareja escalando por las concertinas y esquivando las balas del sueño americano o un grupo de hombres descendiendo de la montaña y que no quieren sermones sino un futuro.

         Abre los ojos y ve Muros para sentir una incomodidad en la parte trasera de tu nuca, ese picor llamado remordimiento de conciencia.

         Grado de concinencia: En unos tiempos donde unos y otros se empeñan en separarnos y levantar nuevas fronteras internacionales, donde la política se construye con amenazas nucleares o chantajes de espionaje, tú has decidido cambiar el hastío de encender la televisión y observa tanta mediocridad por intentar encontrar esas similitudes entre pueblos. Los documentales de La 2 te lo intentaban decir, pero tú despertabas cuando ya se estaba acabando el ciclismo.

From businnes to being

Cierra los ojos e imagina empresas donde los proyectos no se midan por objetivos y los incentivos no dependan de condiciones hercúleas que te hacen languidecer como un Sanson alopécico. Imagina empresas sin directivos y con líderes que no entienden Recursos Humanos como una cadena de producción para manufacturar sus plusvalías de final de año. Imagina despertar sintiendo que tu cuerpo te pertenece, que tu mente no está inundada de estrés y que el café sirve para activarte y no para añadir un nuevo eslabón a las esposas que te atan a un trabajo de látigo y acidez de estómago por comer el primer menú del día que encuentres.

         Inspira profundamente y comparte frustraciones. Desahógate y abre los ojos al ver From businnes to being, reconoce a esos directivos de sitios endeudados de miseria laboral como Lehman Brothers tomando el aire en los Alpes y desconectando de las imposiciones del correo de la empresa. Porque la macroeconomía no es más importante que la economía familiar, y porque los contratos no deberían incluir cláusulas invisibles donde tu salario está supeditado al estrés y a jornadas laborales donde la almohada acaba sustituyendo a tu pareja.

         Espira tranquilamente, todo se puede arreglar. Hay líderes y directivos que ven a humanos y no a números agolpados en hojas de Excel. El estrés puede acabar, y aunque la economía no termine por mostrar esos brotes verdes quizá tú sí puedas ver esos brotes en otra manera de hacer las cosas.

         Abre los ojos y ve From businnes to being aunque solo sea para que dejes de medir tu vida en objetivos y ventas sino en horas de descanso y vacaciones donde el móvil sufra una moción de censura.

         Grado de concinencia: Todos sabemos lo necesario que es tener empleo y salario y quizá todo este rollo happy-flower después de que empezaras a trabajar con 15 años y lleves más de 30 cotizados te suene a escuela de niños de papá. Pero quizá eso es lo que quieren que pienses. Quizá es momento de probar otras cosas, algo más que la quinoa o unas galletas dietéticas, aunque solo sea para observar a tu jefe mientras habla de objetivos, sonreírle y que se percate de que no eres otro esclavo más.

Empatía

Cierra los ojos e imagina sustituir las barbacoas en forma de ofrendas carnívoras al Dios Gula con pinchos veganos, filetes de tofu y ropa que no implique tener que trasquilar a más ovejas. Vale, quizá sea exagerado o un cambio brusco, pero Empatia pretende que al menos la próxima vez que hundas con gozo canino tu muela en ese incólume trozo de morcilla te acuerdes de que ese cerdo fue ejecutado y vivió toda su vida en una celda donde apenas podía estirar las pezuñas.

         Inspira profundamente y aunque no te hagas vegano o vegetariano piensa en que hay otra forma de afrontar nuestras necesidades alimenticias. Los terneros viven una media de cuatro meses, las gallinas normalmente pondrían 12 huevos al año y sin embargo son forzadas a poner uno al día. Datos que deberían hacerte plantear nuestra alimentación, y aunque estés cansado de escuchar a los veganos decir que son veganos, piensa que no hay día que compartas alguna foto de algún bistec.

         Espira tranquilamente, cambiar toma su tiempo. Incluso si decides no cambiar, hay otras formas de asegurar un consumo de carne que al menos dignifique al animal. Empatía es un documental incómodo de un escéptico que confronta sus hábitos con el juicio de personas que aman a los animales. Quizá al final tú dejes de ser un escéptico y la próxima vez que comas costilla adobada lo harás con una mezcla de relamerte los labios y enjugarte las lágrimas. O no, pero lo hemos intentado.

         Abre los ojos y ve Empatía, para preguntarte hasta qué punto es necesario someter a los animales a la barbarie de la industria cárnica. No vale ampararse en eso de que somos carnívoros por naturaleza o que una dieta vegana no aporta nutrientes. Aunque sigas visitando tu Templo en forma de asador argentino y hagas genuflexiones frente al sacerdote que unge el criollo con manteca quizá ahora te sientas un poco peor al hacerlo.

         Grado de concinencia: Deja de ver vídeos en Youtube de gatos vengativos pero cuquis y de perritos que se ganan más likes que algunos Youtubers. El mindfulness quiere que conectes con el presente y con lo que te rodea, y si vieras vídeos de cerditos o cabras seguro que te sabría mal ver cómo les tratan después.

         No solo hay que bailar contra la homofobia más flagrante mostrada por estas estadísticas. Sino también contra esa homofobia institucionalizada socialmente a través de estereotipos, filias y prácticas sociales. Por esa razón nuestras 8 canciones de película te proponen bailar contra esas perlas que todos escuchamos en la calle y que incluso algunos se atreven a convertir en proclamas contra la libertad sexual. Prepara los altavoces, afina la garganta y da la nota en el día de tu orgullo.

120 pulsaciones por minuto

El temazo: Smalltown Boy, de Bronski Beat y remix de Arnaud Rebotini.

La perla contra la que bailas: “Ser homosexual no es natural porque si no no pillarían el VIH”.

Una coreografía de: Robin Campillo, Gran Premio del Jurado en Cannes y un director que ya tocó conciencias en su anterior trabajo.

¿Por qué hay que bailar?: Porque todavía hay mucho por lo que luchar. El Paris de Campillo de los años 90 da voz a Nathan, a Sean y al resto de militantes de Act Up-Paris que combaten la indiferencia y el negocio de los tratamientos del SIDA. Están cansados, enfermos, son golpeados o vistos como una plaga infecciosa. Y aún así bailan, se enamoran, se dejan la sangre en lo que hacen y mientras deambulan por el metro de París aspirando el olor a sudor, felicidad y juventud tratan de no pensar en que esa sociedad está más enferma que ellos.

Habitación en Roma

El temazo: Loving Strangers, de Russian Red.

La perla contra la que bailas: “Si eres lesbiana es porque aún no has probado con el tío adecuado”.

Una coreografía de: Julio Medem, para algunos un cursi redomado, para otros un cineasta demasiado dado a excesos líricos y eróticos, lo que está claro es que el director de La ardilla roja, Lucía y el sexo o Los amantes del Círculo Polar es de los que sabe provocar. A nosotros nos encanta, y Habitación en Roma es de esos films que provocan bilis en los conservadores.

¿Por qué hay que bailar?: Alba y Natasha, Elena Anaya y Natasha Yarovenko regalan 109 minutos donde desnudan intimidades, miedos y confesiones que quedan atrapados entre las sábanas del hotel. Medem se olvida de flashbacks, de artificios cinematográficos y hunde la mirada de manera cronológica en un relato donde el erotismo se sueña y se respira en cada respingo que dan sus protagonistas al rozar sus cuerpos y descubrir lugares comunes. Bailamos porque aunque haya muchas películas sobre ellos, menos hay sobre ellas. Y bailamos porque aunque el film de Medem parezca una cita de app de citas sublimada al extremo, también desprende sensibilidad, orgullo y empoderamiento en las miradas tácitas de dos desconocidas.

Theo & Hugo, París 05:59

El temazo: Un mix que evoque el mejor vaporwave mientras el proyector de luces de neón juega con los recovecos de rostros ajenos.

La perla contra la que bailas: “Siempre que veo a algún gay está liándose con alguien. Son demasiado promiscuos”

Una coreografía de: Olivier Ducastel y Jacques Martineau, quienes también firman el guion de la película y cuentan con experiencia retratando los devaneos amorosos y sexuales de los millennials.

¿Por qué hay que bailar?: Porque Theo & Hugo, Paris 5:59 no es otra película dramática más sobre el posible contagio o no del virus del VIH. Es una historia de amor que surge del puro deseo, es un relato donde lo audiovisual se concreta en patrones digitales impresos en la pantalla y que no elide la mirada del placer. Theo y Hugo disfrutan primero, sufren después y quién sabe que pasa al final. La secuencia inicial incomodó a muchos por su carga sexual explícita. Muestra de lo mucho que nos queda por aprender. Ciertos sectores apuntaron a que esa secuencia no hacía ningún bien a la imagen de la homosexualidad en el cine. Pero Olivier Ducastel y Jacques Martineau saben que esa provocación al espectador no queda en nada. Para eso ya está la irreverencia nihilista de Gaspar Noe, Ducastel y Martineau provocan para después emocionar con esas historias que normalmente se pierden en efluvios etílicos, vómitos en farolas y caminos de la vergüenza regreso a casa. Hay que bailar porque apetece, porque hay que disfrutar, y no tener miedo al placer, o sí, pero al menos que haya alguien con quien compartir la espera en urgencias.

La ley del deseo

El temazo: Lo dudo, de Los Panchos, y es que Almodóvar se las apaña para mezclar jazz, amor, deseo y muerte a su manera.

La perla contra la que bailas: “A mí no me importaría tener un hijo gay, le acabaría aceptando y todo”

Una coreografía de: Pedro Almodóvar, acompañado por Antonio Banderas, Carmen Maura o Eusebio Poncela, entre otros. El típico grupo con el que te irías de fiestas a desfasar hasta que tus pies se quedaran pegados al suelo de los baños más castizamente sucios de Madrid, qué movida.

¿Por qué hay que bailar?: La ley del deseo es una máxima almodovariana: un relato que coquetea con el deseo, cuyos personajes están más reprimidos que un repositorio de Trabajos de Fin de Máster y escenas que subliman el esperpento más costumbrista para después darte un bofetón de realidad y mostrar la tristeza mas grecorromana. Carmen Maura pidiendo que la rieguen, Eusebio Poncela entre dos aguas y Antonio Banderas como ese oscuro objeto de deseo que acaba convirtiéndose en una historia de amor y drama más intensa que esa story de Instagram donde mostrabas tu nevera vacía.

Últimos días en la Habana

El temazo: Tres palabras, de Bebo y Chucho Valdés,

La perla contra la que bailas: “Ya no hay apenas homofobia en el mundo”

Una coreografía de: Fernando Pérez, una de las voces de referencia del actual cine cubano, dotado de una sensibilidad extrema para capturar la problemática de todo un país a través de relatos que subliman la experiencia más humilde.

¿Por qué hay que bailar?: Por las amistades que nunca se pierden. Para celebrar la vida. Miguel sueña con Nueva York, y Diego, postrado en la cama por el VIH, sueña con el tiempo pasado. Miguel es pesimista, realista y siente pena por Diego. Diego es vitalista, soñador y siente pena por todo lo que Miguel se ha perdido. Un retrato de la Cuba de los cubanos, de la gente corriente que se cruza día a día en su deambular por una sociedad marcada por la penuria y un espíritu donde vitalismo y drama no necesariamente son antagónicos.

Mi hermosa lavandería

El temazo: Behind the Veil, del excelso Jeff Beck. Riffs de guitarra para retratar la Gran Bretaña que Margaret Thatcher nunca quiso ver.  

La perla contra la que bailas: “Con trabajo duro se quitaban las bobadas esas de ser gay”

Una coreografía de: Stephen Frears, narrador de flema británica inconfundible que lleva décadas capturando las manías y desasosiegos de toda las clases británicas.

¿Por qué hay que bailar?: Porque con frecuencia son los gobiernos los que separan y las personas las que unen. Omar, inglés de origen pakistaní, y su amigo de la infancia Johnny, un punk/hooligan/repudiado por Thatcher, deciden unir fuerzas, y pasión sobre todo, para reabrir una lavandería y para que así Omar se convierta en ese prototipo de británico de éxito en medio de ese neoliberalismo incipiente.

Pride

El temazo: Shame Shame Shame, de Shirley & Co. Si esto no te da más subidón que un chupito de Jagermeister  de esos que queman tu estómago, necesitas urgentemente música disco en vena.

La perla contra la que bailas: “Se puede ser gay, pero que al menos no tengan pluma”

Una coreografía de: Matthew Warchus, retratando la unión entre mineros galeses y grupos LGTBI con solidaridad, ritmo y también bastante mala leche contra el gobierno de Margaret Thatcher, que seguro que ella era más de Blondie.

¿Por qué hay que bailar?: Porque pese a lo que muchos digan, hay más cosas que nos unen que cosas que nos separan. Warchus toma el testigo de Frears, Stephen Daldry y compone una comedia de esas que te hacen esbozar sonrisa incluso en plena campaña de la Declaración de Renta. A caballo entre Full Monty y Billy Elliot, Warchus hizo una de las películas del año a través de un retrato sincero de la lucha de la clase obrera y el activismo homosexual a través de esa música británica que solía activar a tus padres. Una generación de luchadores, de perdedores y vencidos. Los olvidados de Thatcher le plantan cara para convertirse en la piedra de sus zapatos.

Uncle Howard

El temazo: De Duke Ellington a Van Wissen, pasando por Don Cherry o Meg Keene. Los últimos latidos de la generación beat en el Lower East Side de Nueva York con Allen Ginsgberg desgañitándose al ver morir a las mentes de una generación. 

La perla contra la que bailas: “Se pasan el día de fiesta y no han trabajado en su vida”

Una coreografía de: Aaron Brookner rindiendo un justísimo homenaje a su tío, cineasta que literalmente conoció a los genios de una época: William Burroughs, Allen Ginsberg, Jarmusch, Patti Smith o John Waters. Uno de los mejores documentales de los últimos años donde la figura de Howard Brookner, fallecido a causa del SIDA, es reivindicada.

¿Por qué hay que bailar?: Por los revival que rescatan épocas vibrantes donde genios literarios, cinéfilos y artistas vivían al límite y cuyos excesos fueron capturados por Howard y recuperados por Aaron. Tío y sobrino tejen una crónica de una época donde el Chelsea Hotel albergaba leyendas urbanas, a través de retazos de vidas increíbles y material de archivo cuyo fin último es dedicar toda una carta de amor a un tío. Un cineasta que amó con tanta intensidad que incluso el SIDA no le impidió sonreír a aquellos que le habían acompañado en su viaje. Reductos de un tiempo donde solo se rezaba a la creatividad, y que en respuesta al mundo que les rodeaba simplemente lanzó un aullido: "vi las mejores mentes de mi generación destruidas por la locura, hambrientas histéricas desnudas".

Jacques Lacan definiría el estadio del espejo como una fase de desarrollo psicológico en la que el niño reconoce por primera vez su imagen en el espejo, empezando a formar su sentido de identidad. El niño queda fascinado por la imagen, pero no tardará en desilusionarse al apreciar que esa imagen es solo un reflejo, se ve a si mismo y no se ve. Estos 7 niños de cine han visto la imagen en el espejo, y el film ha sabido captar la fascinación de la infancia. Pero al mismo tiempo en ocasiones el reflejo de la imagen es desilusionante, y es que la mirada de estos niños no solo ve su imagen sino también el reflejo de alrededor. Los siguientes 7 niños nos han fascinado al mirarse en el espejo, nos hacen pensar que los adultos deberíamos mirarnos más al espejo. Porque como diría El Principito «Todos los mayores han sido primero niños (pero pocos lo recuerdan)», es hora de recordar cómo era ser un niño.

1.   Moonee – The Florida Project

¿Quién se mira al espejo?: Moonee, una de las niñas protagonistas de la última película de Sean Baker, una de las diez mejores películas del año según el American Film Institute. Moonee se mira al espejo y ve a una niña corriendo por los pasillos de un motel de color rosa, jugando con otros niños y pensando que la pobreza y marginalidad que les rodea es algo secundario. Tiene Disneyworld al lado, pero se conforma con hacer competiciones de escupitajos, conseguir helados gratis y sobre todo disfrutar de su madre.

El reflejo: La mirada de Moonee es captada magistralmente por Sean Baker, una de las grandes promesas del cine de autor norteamericano y especialista en mostrar el otro reverso del sueño americano. Cámara a ras de la vista de los niños, planos que cortan a los adultos, puntos de fuga que se pierden en un horizonte esperanzador y el fuera de campo como prolongación de la mirada de Moonee, ajena al caótico mundo adulto. Una madre que se deja literalmente el cuerpo por su hija, peleas, drogas y precariedad laboral tamizadas por la dulce mirada de Moonee.

La desilusión: Tras la fascinación viene la desilusión. El espejo que pasea Baker sublima las aventuras infantiles de unos niños que parecen una versión indie y neorrealista de Los Goonies (The Goonies, Richard Donner, 1985). Pero el reflejo del mundo adulto abarca desde prostitución forzosa, pasando por pedofilia y llegando hasta a esa América que Trump no quiere ver, ensimismado quizá con su propia imagen en el espejo.

2.   Ben y Rose – Wonderstruck

¿Quién se mira al espejo?: Masao, ese niño aburrido de mirarse en el espejo que languidece en casa de su abuela durante el verano. Cree que es buena idea ir a buscar a su madre, la cual no conoce, y para ello contará con la ayuda de Kikujiro, un antiguo yakuza interpretado por esa especie de Buster Keaton triste llamado Takeshi Kitano. No desvelaremos si esa aventura acaba en Supernanny, desde luego Masao se ha buscado una figura de autoridad masculina más surrealista que un reality sobre literatura en prime time.

El reflejo: 2 años después de que Takeshi Kitano nos enseñara que no solo es un genio del humor gracias a Humor Amarillo con ese drama intensito llamado Hana-Bi, llega para ofrecernos una road movie en clave humorística donde surrealismo, sensibilidad y ternura se funden. Masao apostando con Kikujiro, largos silencios, mal humor y algún pedo que hizo sonreir a Kitano. Kurosawa admiraría la obra de Kitano, no vamos a ser menos.

La desilusión: Masao intenta encontrar a su madre, y como en toda road movie que se precie hay momentos para la madurez, el crecimiento y la introspección. La mirada de Masao es inocente, la de Kikujiro no. Y sin embargo esa mezcla no es desilusionante y el reflejo que nos muestra Kitano es el de dos seres antagónicos que tienen mucho que enseñarse el uno al otro. 

3.   Masao – El verano de Kikujiro

¿Quién se mira al espejo?: Ben y Rose, niños de épocas distintas pero que comparten la misma ilusión. Ben pretende encontrar a su padre, y Rose a una misteriosa actriz. Ambos están afectados por la sordera, y el reflejo que tienen ante su mirada les incita a salir y dejarse fascinar por ese Nueva York atronadoramente caótico en busca de algo que les haga sonreír de nuevo.

El reflejo: Todd Haynes es uno de los grandes narradores del cine estadounidense actual. Si Carol fue otro arrebato de genialidad, Wonderstruck funciona porque es un homenaje sincero, un museo dedicado al cine, a la música, al diseño artístico y a sus personajes. Haynes ofrece un relato familiar sin ambages, clásico, una honestidad ya difícil de encontrar. Entre medias la excelsa Millicent Simmonds, y también Julianne Moore y Michelle Williams. Wonderstruck, al igual que el Hugo de Scorsese, funcionan como artefactos de fascinación audiovisual y poemas dedicados al cine.

La desilusión: Ben y Rose no tardarán en darse cuenta de que el mundo es un lugar grande, en ocasiones frío y generalmente apático. Nueva York les supera, y al mismo tiempo les fascina.

4.   Camille - Un amour de jeunesse

¿Quién se mira al espejo?: Vale, quizá Camille con sus 15 años ya no es una ninguna niña y quizá por su Instagram pululen ya toda clase de púberes hormonados dando like como si no hubiera un mañana. Pero hablamos de Mia Hansen-Love, una de las grandes voces femeninas del cine francés actual, que mira de tú a tú a Rohmer para ofrecernos el relato de un primer amor, el de Camille y Sullivan.

El reflejo: Camille se enfrenta al reflejo de la adolescencia, al período de madurez, al despertar sexual y crecimiento de emociones que no por intensas son menos dolorosas. Primero enamorándose, después cuando Sullivan se marcha a Brasil y la comunicación cesa, a mirar la vida bajo el peso de la primera decepción. El reencuentro, cuando Camille ya ha abandonado la adolescencia, supone el regreso del espectro de ese primer amor que a todos nos acecha. Mia Hansen Love lo plasma en planos de sábanas arrugadas, encuadres de miradas quemadas y secuencias de rutina donde los besos aún se dibujan contra la mampara del baño del estudio que compartieron una vez.

La desilusión: Amor, desamor, aprendizaje y ante todo la juventud: las expectativas, las ilusiones, la tristeza y la promesa de errores que duelen pero avivan el alma.

5.   Oliver - Submarine

¿Quién se mira al espejo?: Ay Oliver, qué intensito eres. Un adolescente que lucha contra la apatía marital de unos padres que parece que no entienden su discurso indie-milennial-lloroporTwitter mientras trata de cautivar a una chica compaginando atisbos de un Jean-Pierre Léaud con flequillo y convers. El director Richard Ayoade muestra a través de Oliver y su film el reflejo de una marcada cinefilia: Submarine no es solo una crónica del amor adolescente cantado por los Artic Monkeys sino un ejercicio de homenaje cinéfilo. Dreyer, Murnau, Melville, Godard y sobre todo la versión existencialista con filtros vintage de Wes Anderson.

El reflejo: El reflejo de Submarine es bastante ecléctico. La imagen de Ayoade juega con los formatos, los filtros, las angulaciones, el trucaje de cámara y el montaje para ofrecer una experiencia que sea un disfrute tanto para los cinéfilos más avezados como para aquellos que quieran sufrir con Oliver o al menos querer ver sufrir a ese adolescente un tanto pedante y con más drama encima que un twittero que se ha olvidado de grabar la última injusticia sufrida mientras compraba el pan.

La desilusión: “Me gustaría que la vida se pareciera más a las teleseries americanas, de ese modo, cuando las cosas se pusieran dramáticas, podrías hacer un fundido en negro y dejar todo para otro momento” Dice Oliver. A todos nos gustaría ver el mundo a través de los ojos de ese Kierkegaard un poco emo, enamorarnos de chicas que parezcan Anna Karina y capturar nuestras penas en instantáneas de Polaroid para actualizar nuestros perfiles en redes. Es decir, en Submarine amarás y odiarás a Oliver, pero es innegable que el reflejo de su desilusión mola bastante.

6.   Sam y Suzy – Moonrise Kingdom

¿Quién se mira al espejo?: Sam y Suzy, joven pareja que huye para poder entender los avatares del amor en un relato que camufla la disfuncionalidad familiar con capas y capas fantasía infantil a través de casas de muñecas, surrealismo y sobre todo cariño por las posibilidades del cine para replicar la mirada en el espejo de dos niños que no quieren verse reflejados en la actitud de sus padres.

El reflejo: A estas alturas Wes Anderson no necesita presentación y probablemente, tanto para sus aficionados como para sus detractores, su cine remita a unas señas de identidad tan marcadas como reconocibles. Composiciones geométricas, juego cromático en cada plano, cientos de referencias a maestros como Kurosawa y una estética inocente donde todo parece impregnado de una visión infantil a la que hasta un ascensor le parece algo fabuloso. Moonrise Kingdom es una historia de dos niños que juegan a ser adultos, y de adultos que juegan a ser niños.

La desilusión: La huida de ambos chicos está repleta de momentos que parecen sacados de un programa infantil dirigido por Godard con Agnes Varda como cinematógrafa. Bailes chic de los años 60, antiguos tocadiscos y frases que brotan de esos chicos que juegan a ser Michel Piccoli y Brigitte Bardot.

7.   Amalia – La niña santa (Pack Lucrecia Martel)

¿Quién se mira al espejo?: Amalia, una joven estudiante en un colegio religioso que observa en el espejo el reflejo de ese sentimiento de culpa que ahoga el deseo. Solo esa niña que canta en el coro y ve como algo prohibido y atrevido reparar en un chico puede salvar a su madre de las garras de un médico que para ella es poco menos que un Mefistófeles cegado por el sexo. Despertar sexual, espiritualidad supersticiosa y la salvación del alma frente al deseo son solo algunos de los pecados que Amalia no acaba por encajar.

El reflejo: Lucrecia Martel es una directora a reivindicar día sí y día también. No solo por abanderar el cine argentino y en general el talento de Sudamérica para trazar reflejos íntimos de descomposición moral, sino por su capacidad para plasmar en el sistema fílmico los códigos propios del realismo mágico. Ver La niña santa es explorar el laberinto del deseo reprimido de una niña que fascina su mirada en estampas de corrupción ética, sentir a Isabel Allende en cada fotograma, y es que Martel hace de la observación y la inacción los detonantes de la psicología adolescente en plena ebullición.

La desilusión: Amalia tendrá muchas, nosotros ninguna con Lucrecia Martel. Hundir la mirada en ese retrato personalísimo que pretende explicar la relación entre deseo, el apetito por nuevas pasiones y la necesidad de anular la culpa como cruz del espíritu es todo un descubrimiento por su capacidad para plasmar una edad tan convulsa como irrepetible, donde todo parecía hecho a nuestra medida.

La película de Gustavo Salmerón ha sido todo un fenómeno en nuestro país gracias a ella, a Julita Salmerón. Otra de esas mujeres de cine que encandilaría a Almodóvar y fiel reflejo de esa España costumbrista a caballo entre el romanticismo idealizado del Quijote y el esperpento entrañable de Valle Inclán. Sin embargo, el éxito de crítica y público de Muchos hijos, un mono y un castillo no es solo de Julita, sino de su hijo y director Gustavo, que hace de un documental cuya idea parece tremendamente sencilla una obra cinematográfica que para lograr esa simplicidad y encanto ha tenido que tomar 4 grandes riesgos. 4 riesgos que Gustavo Salmerón ha sabido combinar para afirmar un documental cuya sencillez esconde gran complejidad. En Cameo te contamos en qué consisten estos 4 riesgos, hemos tenido que buscarlos en la fábrica de la familia Salmerón y por eso nos ha tomado algo de tiempo.

1.   EL FORMATO

A cualquier espectador ha podido llamarle la atención el hecho de que Gustavo Salmerón haya optado combinar distintos formatos de imagen dentro de su película, recuerdos familiares grabados en 4/3, instantáneas de todo tipo así como un registro audiovisual que opta en la mayor parte del metraje por la cámara en mano, en lugar de una planificación más rígida del encuadre. He aquí la primera clave del éxito del film: la espontaneidad de Julita tiene su eco en la aparente improvisación del proceso de grabación. Aparente porque ninguna de las decisiones de Gustavo Salmerón ha sido improvisada. Si opta por esta forma para dar réplica al carácter inmediato y abierto de Julita es porque su obra desprende la misma naturalidad que el personaje central.

El sutil hilo conductor del film se halla en cómo la familia Salmerón afronta un cambio importante en su vida. Dicho cambio desencadena una oleada de recuerdos que cristalizan en forma de confesiones de Julita, aderezadas con una buena cantidad de material de archivo domestico que Gustavo reproduce. Julita narra episodios de su vida, naturalmente su encanto estriba en que no es un narrador fiable u omnisciente. Julita con su desparpajo narrativo y Gustavo recuperando ese archivo familiar consiguen evocar una cierta noción de postmemoria.

Marianne Hirsch introdujo este término para describir la relación de los hijos de quienes sufrieron el Holocausto con la experiencia de sus padres. Cómo se transmitió esa memoria en forma de testimonios de toda clase. El término se amplió posteriormente y en el caso de Muchos hijos, un mono y un castillo tenemos a Julita dando testimonio de eventos felices, traumáticos y desconocidos para sus hijos, una narradora que moldea la postmemoria, la relación del espectador y de su familia con el pasado. Gustavo hace lo propio vindicando esa especie de found footage, de recuerdos familiares, tejiendo un entrañable mapa de la memoria familiar en la que Julita interpreta un archivo que de otra manera carecería de sentido para el espectador.

Las secuencias elaboradas donde Gustavo hilvana música y grabaciones familiares culminan esta aproximación invisible y cómica a la postmemoria. El hilo conductor, el evento que desencadena estas reflexiones, es un mero pretexto, y hasta hay todo un McGuffin en la búsqueda de las vértebras de la abuela que no tiene una justificación argumental más que ahondar en la psicología de Julita. La simpleza del film esconde mucho más.

2. LA POLÍTICA DE LA INTIMIDAD

Política tanto de Gustavo Salmerón hacia los “personajes” de su documental como la política vista a través de los ojos de Julita. El documental ofrece al espectador una mirada, la de Julita, atravesada por un mapa de recuerdos, impresiones y anécdotas que configuran una cosmovisión de la realidad que Gustavo Salmerón decide no diluir. El hecho de que Julita se declare falangista, que hable sin tapujos de la Guerra Civil, su emoción describiendo cómo su abuelo recuperó las vértebras de su mujer de un río, o la anécdota de las croquetas con el cuerpo de Primo de Rivera, muestran las contradicciones y devaneos de una figura destinada a tener su propia política.

La valentía de los Salmerón, madre e hijo, es no ofrecer un documental complaciente, no caer en la mera parodia y mostrar solo la cara cómica sino la tragicómica, lo cual solo sirve para acrecentar la dimensión humana de Julita. La película de Gustavo Salmerón toca ciertos temas tabú desde la perspectiva de la intimidad: el concepto de fe, el de la familia o el del pasado del país. Lo hace sin paroxismo, y lo que es más importante aún, sin juzgar. Gustavo contradice a su madre ciertas aseveraciones, pero en ningún momento la censura, y decide no caer en el monolitismo ideológico de otras comedias o retratos documentales.

Por último, esa noción de intimidad en los temas tratados y en la vivificación de los recuerdos familiares se inserta en la idea de espacio. Todo el documental transcurre en la mansión, el hogar familiar. El discurso postmodernista se ha centrado en redefinir el concepto de hogar, en crisis debido al nuevo carácter migratorio de las sociedades. Así, la búsqueda del hogar centra discursos como el de Marc Augé, y en el caso de Muchos hijos, un mono y un castillo Salmerón rompe con el pesimismo postmodernista para referirnos a la noción tradicional de hogar como lugar de confluencia familiar. Para Julita el hogar es algo concreto, impregnado de esencia humana. A Julita le acusan de sufrir síndrome de Diógenes por acumular de todo, y ella responde de forma tajante afirmando que todos los objetos que posee no se pueden desechar ya que llevan impregnados los recuerdos que compartió con ellos. Ese animismo de Julita hace que el hogar sea un lugar antropológico, un espacio íntimo donde todo puede debatirse. 

3. LA REALIDAD SOCIAL

La obra de Gustavo Salmerón podía haberse convertido en un documental cuya única premisa hubiera sido mostrar al mundo el lado cómico de una persona tan sumamente entrañable como es Julita. Sin embargo, hay un balance entre humor y esperpento costumbrista por un lado y drama y recuerdos traumáticos por otro que constituyen uno de los grandes hallazgos de Muchos hijos, un mono y un castillo. La historia de Julita se inserta en un relato de actualidad, el marcado por la crisis económica española y sus consecuencias, de ahí que Julita no hable solo de política en pasado, sino también en presente. Lo hace nuevamente a través de la vindicación de la anécdota. Julita es una gran narradora, y Salmerón también, posando la cámara justo en el momento necesario y sabiendo qué fibras tocar. Ese registro tragicómico constituye un fresco inmejorable de la España surgida tras la crisis económica, donde la institución de la familia vuelve a verse como un refugio, un hogar al que volver.

El documental en ocasiones deambula por el territorio del esperpento y la greguería. La situación de Julita, con su castillo, su mono y su almacén de objetos apilados, remite a esa forma de ver España propia de Valle Inclán a través de un espejo cóncavo que deforma la imagen. Ese riesgo de caer en el esperpento queda soliviantado en el momento en que Salmerón demuestra que tras esa fachada se esconde una lucidez, la de Julita, simplemente inmensa para radiografiar las consecuencias de la realidad política española. Y lo consigue a través de esas anécdotas que funcionan como greguerías, ya que a través del humor sus historias contienen metáforas que abarcan desde el conflicto de esas dos Españas, el consumismo, la fe o nuestra realidad social. Es mérito de Salmerón el partir de ese esperpento para deconstruirlo a través de un retrato elocuente de la intimidad.

Muchos hijos, un mono y un castillo recupera la premisa que el célebre crítico Rogert Ebert proclamó. El cine debe ser capaz de generar empatía, vínculos entre espectadores. Las películas son máquinas de empatía capaz de asombrar nuestra mirada proponiendo historias que apelan a nuestra experiencia. El encanto de Julita estriba no solo en su capacidad de aunar esperpento y clarividencia, sino en cómo cualquier espectador es capaz de empatizar con su situación. 

4. LA HONESTIDAD

Por tópico que pueda sonar, Muchos hijos, un mono y un castillo es un documental basado en la honestidad de Gustavo Salmerón a la hora de mostrar a Julita y describir toda una vida a partir de una narración que parte de lo íntimo para tocar temas que a todos nos atañen. Como no podía ser de otra forma, el director madrileño ofrece una película que rebosa cariño y afecto por su madre, pero que se las ingenia al mismo tiempo para no caer en un retrato maniqueo de esas historias bigger than life que constantemente apelan a nuestra capacidad lacrimógena. Julita es un ser humano único, y la narración de Salmerón va encaminada hacia un retrato sin ambages de una vida donde tan pronto caben alegrías como tristezas.

En ese sentido, Gustavo hace suya la máxima de Gilles Deleuze el cual afirmaría que solo el cine puede capturar la duración de una vida, al ser capaz de mostrar la transformación vivida por un ser humano en un plano de inmanencia, el fílmico, cortado por puntos inmóviles en la duración de la película que expresan la transformación de una vida acontecida entre dos momentos. Esta máxima deleuziana tiene su eco en el modo en el que Salmerón es capaz de mostrar la evolución vital de Julita en su documental a partir de cortes o puntos de referencia tales como el material de archivo familiar o las anécdotas de la matriarca. La honestidad del director y su madre conducen a que Muchos hijos, un mono y un castillo sea un ejemplo de cómo capturar una vida en plena transformación, a través de su carácter íntimo en el que Julita reflexiona sobre su pasado y mira al futuro, o al menos ensaya su propia muerte en una escena prácticamente digna de Buñuel.

Esta preocupación por capturar los cambios en una vida, por plasmar a través de la duración del tiempo fílmico la transformación de un ser humano, ha inquietado ya a cineastas que Salmerón probablemente admire como Jonas Mekas o Chantal Akerman. El primero ha basado su filmografía en mostrar las grabaciones de toda una vida, la suya propia, para reflexionar sobre el carácter del cine como embalsamador del tiempo y testigo de nuestra vida. La segunda es una cineasta consagrada que en su última película, No Home Movie (Chantal Akerman, 2015), entrevista a su madre en su apartamento de Bruselas para reflexionar sobre su experiencia y supervivencia al nazismo. Directores con estilos diametralmente opuestos al de Salmerón pero con una misma intención: la honestidad y verosimilitud como herramientas para capturar una vida. 

Por eso, en el día de la Madre desde Cameo les rendimos nuestro homenaje cinéfilo particular. Sí, le vas a regalar algún detallito, mandar gifs cuquis por Whatsapp y acordarte de su función de psicóloga a tiempo completo. Pero no recordarás esas ocasiones en las que casi la matas del disgusto, para después tatuarte en la mente ese “te lo dije” que solo ellas saben declamar. En Cameo recordamos esos 10 disgustos que quizá le diste a tu madre y reivindicamos a esa figura materna imperfecta que no sale en lindos escorzos de pinturas renacentistas. Porque las madres sufren y se disgustan antes de encomendarse a la zapatilla como herramienta de mediación.

1.   ALANIS: Ser madre no es su único oficio

¿Pero qué has hecho ahora?: En Alanis (2017) la directora Anahí Berneri muestra a una madre que ejerce la prostitución mientras intenta que el estigma doble que acarrea consigo misma no la aboque a la marginalidad. En tu caso quizá no entiendas que como Alanis tu madre también trabaja, así que deberías dejar de ver la lavadora como un extraño bucle de entropía y de llamar a tu madre preguntando por su funcionamiento.

El muy hijo de su madre: Quizá el bebé recién nacido de Alanis no sea aún un pequeño consentido como fuimos todos. Aun así seguro que recuerdas esos días donde te negabas a limpiar los platos porque tu primer amor no te respondía en el Messenger pese a inundarle a zumbidos. Después te tirabas en la cama a escuchar a La oreja de Van Gogh mientras mirabas tus posters de Upa Dance. Eran tiempos donde versos de Petrarca deambulaban en SMS, y donde tu madre era poco menos que una tirana para ti.

La película que le cuentas

2.   LA VIDA Y NADA MÁS: cuando te crees El Torete y no llegas a ternerito

¿Pero qué has hecho ahora?: La madre de Antonio Méndez Esparza estará orgullosa de que su hijo se haya llevado el premio John Casavettes. La madre de su film, Regina, además de trabajar y criar a dos hijos sola ve cómo su hijo Andrew de 14 años tiene ya una ficha policial más larga que la bibliografía de un trabajo de fin de máster. El trabajo de Esparza ahonda en el racismo institucionalizado como perpetuador de la desigualdad y criminalidad en la comunidad afroamericana. Tú no tienes excusa para esa vez que creyéndote un pequeño quinqui con tu chupa de poliéster robaste unos tigretones y te cayó la del pulpo. El más malote del colmado de tu barrio.

El muy hijo de su madre: Andrew lleva a Regina por el camino de la amargura hasta que deben replantearse su relación cuando los juzgados se convierten en otro hogar. Tú esquivas esa mirada de enfado y vergüenza de tu madre aquella vez que te pillaron robando bolsas de fritos para coleccionar tazos.

La película que le cuentas

3.   TODO SOBRE MI MADRE: Ay mi niño que se me ha matado

¿Pero qué has hecho ahora?: Eloy, el hijo de Manuela, lo que ha hecho es matarse por pedir un autógrafo justo cuando iba a escribir sobre su madre. Después ya Almodóvar firma un clásico que reúne todas sus virtudes excesivas con farándula, una madre en busca de “Lola”, reflejos de la nueva España y mucha libertad. Sí, tú también crees que tu madre es digna de salir en una película de Almodóvar cuando se pone en modo culebrón porque se te ha olvidado coger ropa de abrigo.

El muy hijo de su madre: No te mates como el hijo de Manuela. Una cosa es matarla a disgustos y otra que te mates. Ya sabes, no improvises en la cocina, ni tengas complejo de McGyver arreglando la instalación eléctrica de tu habitación alquilada.

La película que le cuentas:

4.   TRES COLORES: AZUL, no gana para sustos

¿Pero qué has hecho ahora?: En el film de Kieslowski Julie pierde a su hija y su marido en un accidente de tráfico y con ese punto de vista el polaco construye uno de los más bellos estudios sobre el dolor, la pérdida y los vínculos emocionales. Una poética elegía sobre la reconstrucción emocional con una Binoche que hiela la sangre. Quizá deberías tomarte más en serio la preocupación de tu madre cuando te embarcas en tus proyectos. Quizá sigas siendo su niño o niña, pero solo quizá debas abrazarla de vez en cuando y no llamarla pesada.

La muy hija de su madre: No es tu culpa morirte, no, pero lo que sí es tu culpa es ese egoísmo emocional que a veces nos impide empatizar con el otro. Emanciparte es un paso natural en la vida, pero ponte en el lugar de una madre al ver partir a ese polluelo y entiende sus dramas al ver una etapa de su vida acabar. Eso sí, no esperes en sus reacciones desmedidas el lirismo de la Binoche jugando con una cortina o su grácil forma de jugar con los posos de café. La vida de tu madre no la dirige un director polaco legendario.

La película que le cuentas: 

5. MOMMY: presta atención a lo que hace por ti

¿Pero qué has hecho ahora?: El film de Dolan explora otra faceta de las madres que quizá no copen compendios de arte renacencista: el de soportes vitales de sus hijos. Steve sufre trastorno por déficit de atención e hiperactividad, y en el Canadá distópico del film las madres deben llevar a sus hijos a centros especializados. Diane, la madre de Steve, se niega, pese a tener que hacer frente a un adolescente que además de este trastorno padece otro más común denominado la edad del pavo. Kyla, una vecina amable que nada tiene que ver con tu vecino de encima y su tablao flamenco, intentará ayudarles.

El muy hijo de su madre: El film de Dolan no sólo le encumbraría como uno de los talentos más precoces del cine mundial, sino como un autor capaz de aunar compromiso y afecto con un innegable dominio de la narrativa audiovisual. Aquí tú poca culpa tienes si como Steve sufres este trastorno, pero es necesario reivindicar a esas madres que bien se merecerían tener un día para ellas cada semana y no cada año.

La película que le cuentas: 

6. MADRE E HIJO: Solo ella puede castigarte

¿Pero qué has hecho ahora?: Netzer se llevó el Oso de Oro con esta historia de una madre controladora que intentará salvar a su hijo cuando éste se involucre en un accidente. Cornelia mima demasiado a Babu, es una de esas madres de tragedia griega que tan pronto degüella a alguien como suelta soliloquios sobre la condición humana. En tu caso, aunque tu Cornelia particular te atosigue por Whatsapp y mire por encima del hombro a tu pareja, sabes que llegado el momento te protegerá mejor que Liam Neeson a su propia familia en una de esas películas de acción.

El muy hijo de su madre: Babu se ve envuelto en un trágico accidente, y Cornelia debe actuar a pesar del rencor que tiene a su hijo por salir del nido. En tu caso la palabra accidente abarca desde cortarte un milímetro de dedo cocinando y llamar a tu madre como si fuera el doctor House, desteñir la ropa o no saber cómo cambiar el domicilio del centro de salud. Madurez le llaman a eso.

La película que le cuentas: 

7. GOOD BYE LENIN!: No puede estar a mil cosas a la vez

¿Pero qué has hecho ahora?: Esperamos que no una historia a la altura de la narrada por Becker en la que Alex, cuando su madre despierta de un coma, simula que Alemania Oriental sigue siendo comunista y no capitalista. Un clásico del cine contemporáneo donde la madre de Alex verá que sus ideales comunistas quizá no encajen en el nuevo orden mundial. Tú intentaste simular que el fin de semana que te dejó solo en casa estuviste leyendo obras E.M Forsters al abrigo del fuego, pero tu madre es una Poirot con poca paciencia y descubrió que habías montado una fiesta digna de guateque televisivo.

El muy hijo de su madre: Alex albergaba buenas intenciones. Una madre enferma, un ser querido que bastante tiene que sufrir como para encontrarse con un mundo radicalmente distinto. Tú buenas intenciones a veces, otras tu madre, sin estar en coma, olvida cosas y enseguida estás con tu látigo millennial recordándola lo mucho que se le olvidan las cosas.

La película que le cuentas:

8. ELENA: Bailando entre dos aguas

¿Pero qué has hecho ahora?: Elena es una madre rusa que decide casarse de nuevo con Vladimir, un hombre frío, adinerado y calculador. Una relación rutinaria a lo que se le suma el hijo de ella, en paro, alcohólico y constantemente pidiendo dinero. La Rusia que Putin no muestra. En tu caso quizá no sufras tanto como ese hijo que trae loca a Elena, pero seguro que alguna vez ha mediado entre tu padre y tú, o la has puesto en más encrucijadas que a un casco azul.

El muy hijo de su madre: Basta con que no seas como el hijo de Elena. Con que no la uses como recadera o que a veces escuches sus problemas y no la uses como tu diván de psicólogo personalizado.

La película que le cuentas:

Joseph Campbell, célebre mitólogo y antropólogo, dio un nombre a estos viajes: el periplo del héroe. Una serie de 12 etapas que estos héroes de ficción deben cruzar, presentes en narraciones y mitos de toda nuestra historia, y que hoy día escritores y guionistas emulan en sus obras. Un relato universal con miles de variaciones. Campbell dio nombre a las aventuras que vives con tus héroes o heroínas de ficción. En Cameo, con motivo del Día del Libro, te proponemos un pequeño viaje para que te adentres en los mundos de los héroes que pueblan nuestras filas, héroes cinéfilos con alma literaria, y así celebrar nuestro amor por el cine y las letras consiguiendo que, como David Bowie, seas un héroe al menos por un día.

1.   Mundo Ordinario

Donde nuestra heroína aún no ha sido llamada a la aventura

La película: Confessions (2010), de Tetsuya Nakashima.

El libro: Obra de Kanae Minato

La palabra que te falta: Amaoto, en japonés, ruido de las gotas al caer. Como el ruido de las lágrimas de Yuko, nuestra heroína, una madre que perdió a su hija y emprende su peculiar venganza.

La heroína: Yuko Moriguchi, maestra de primaria, finge no ser llamada a la aventura y permanece en su mundo ordinario, maquinando su venganza contra aquellos que mataron a su hija. Sientes su dolor, te duele su venganza, pero amas la cámara lenta y la música de Radiohead con la que Nakashima ilustra este descenso de Yuko hacia la redención a través de la violencia.

2.   Llamada a la aventura

Donde nuestro héroe siente la necesidad de ir a la aventura

La película: Pa Negre (2010), de Agustí Villaronga.

El libro: Pa Negre, de Emili Teixidor.

La palabra que te falta: Seny, del catalán, sentido común, el que Andreu intenta imponer en un mundo de locos. Pequeño héroe del film con el que empatizarás en su búsqueda de justicia y caza al culpable en una Guerra Civil donde los perdedores estaban obligados a comer raíces para no formar parte de ellas.

El héroe: Andreu, un niño en busca de una justicia inexistente. Villaronga te sumerge en un viaje donde la mirada de la infancia se topa con el mundo adulto. Candidez, aprendizaje, endurecimiento y finalmente resignación. El viaje de Andreu te conmoverá a medida que su mirada te congele el espíritu. Entre medias, un relato con atisbos de Victor Erice y El tambor de hojalata.

3.   Rechazo de la llamada

Donde nuestra heroína cree no estar lista para la aventura

La película: Elle (2016), de Paul Verhoeven.

El libro: Oh… de Philippe Djian.

La palabra que te falta: Nombrilisme, del francés, hace referencia al egoísmo, pudiendo referirse a todo un colectivo. El egoísmo de instituciones como la familia, el trabajo o la sociedad que conducen a la heroína interpretada por Isabelle Huppert a fingir valentía y aplomo tras una violación y asalto, o a esconder aspectos de su sexualidad por miedo al qué dirán.

La heroína: Michèle, en una obra donde Verhoeven juega a ser Polanski. La venganza como catalizador de la represión, y la mirada de un autor único que usa la violencia como medio expresivo para mostrar el placer, la culpa o la moral más retorcida.

4.   Encuentro con el mentor

Donde nuestro héroe conoce a un guía que hace ser fuerte

La película: En la casa (2012), de François Ozon.

El libro: En la casa, de Juan Mayorga.

La palabra que te falta: Avoir le cafard, otra palabra francesa para indicar que alguien está deprimido. En este caso Germain, profesor y escritor frustrado que hará de mentor de Claude, el único de sus alumnos capaz de redactar algo serio más allá de 144 caracteres.

El héroe: Claude con Germain con mentor, aunque no sabemos hasta qué punto Claude juega con Germain. Ozon vuelve a entregar un portento cinematográfico sustenado en un crudo reflejo del narcisismo, la frustración y la vorágine del proceso creativo.

5.   Cruce del umbral

Donde nuestro héroe se lanza a la aventura y deja su mundo diario

La película: La bestia humana (1938), de Jean Renoir.

El libro: Obra con el mismo nombre de Émile Zola.

La palabra que te falta: Zugzwang, palabra alemana que describe la situación de ser forzado a hacer algo. El personaje de Lantier sólo podía haberlo escrito Zola. Un ferroviario violento, marcado por la herencia biológica y que Renoir obliga en su film a enamorarse de una de esas femme fatales que le llevan a decisiones tales como plantearse el asesinato de su marido. Un héroe caído en desgracia.

El héroe: O el antihéroe de Renoir o Zola, un personaje extraído del Realismo literario. Jean Gabin sabía crear personajes como pocos, y en este caso su descripción de un ferroviario violento, misógino y abocado a la perdición trazan las coordenadas de una de esas películas clásicas que Fritz Lang admiraba y que tú te ves en una tarde de lluvia agradeciendo que no es otro de esos films de sobremesa que actúan como antiácido.

6.   Pruebas, aliados y enemigos

Donde el héroe supera pruebas, encuentra amigos y desafía a sus rivales

La película: El secreto de sus ojos (2009), de Juan José Campanella.

El libro: Obra con el mismo nombre de Eduardo Sacheri.

La palabra que te falta: Palabras quizá no te falten, pero sí el aliento con el periplo de ese héroe con acento argentino y la mirada de Darín llamado Benjamín Expósito que tan pronto investiga un crimen como se asoma hacia el pasado en busca de un antiguo amor.

El héroe: Héroes, y es que Campanella ofrece un clásico instantáneo en el que todo funciona. Desde su elenco, pasando por una historia centrada en el crimen, la dictadura y el amor, conjugando sabiamente todos esos temas que hacen que te fundas con el sofá hasta que los títulos de crédito te recuerdan que Darín no está contigo en el salón.

7.   Acercamiento a la cueva interior

Donde la heroína se prepara para el mayor de los desafíos

La película: 45 años (2015), de Andrew Haigh.

El libro: Un relato de David Constantine.

La palabra que te falta: Nudiustertian, extraña palabra inglesa para referirse a antes de ayer. Kate, casada con su marido desde hace 45 años, ve cómo un fantasma del pasado vuelve para marcar una relación la misma semana de su aniversario. La heroína desearía que fuera antes de ayer para no haber escuchado jamás la noticia que afecta a su marido: el descubrimiento del cuerpo de un viejo amor.

La heroína: Kate Mercer, una Charlotte Rampling descomunal en un papel en el que enseñar cómo se resquebrajan los cimientos de una relación sentimental de más de 40 años través de una mirada sí es un logro digno de Hércules. Su viaje del héroe dura una semana, la que falta para la celebración de su aniversario, y su desafío será intentar reconciliar su amor por su marido con la presencia de un amor hasta entonces dormido.

8.   La odisea

Donde la heroína ve más lejos que nunca su deseo

La película: Phoenix (2014), de Christian Petzold.

El libro: Obra del mismo nombre de Hubert Monteilhet.

La palabra que te falta: Shoah, del hebreo catástrofe. Una catástrofe como el holocausto judío. Nelly Nenz es una heroína y superviviente de un campo de concentración, cuyo rostro debe ser reconstruido, y pese a ello ese desafío no constituye la odisea que supone volver a ser alguien en medio de una sociedad que ni quiere ni puede reconocerla.

La heroína: Nelly debe atravesar una cirugía de reconstrucción facial. Tras ello su odisea será reencontrarse con su marido y ver cómo este no la reconoce como su esposa. Extraña familiaridad es la que siente hacia ella quien fuera su marido, y Nelly se sumirá en el punto más hondo de su viaje del héroe cuando se haga pasar por si misma para ver si su marido le ha sido fiel. Petzold y Farocki no se rinden a lo que podría haber sido una historia más sobre los horrores del nazismo, y te ofrecen una obra tan retorcida como dolorosamente tierna.

 9.   Recompensa

Donde el héroe, tras enfrentar a la muerte, obtiene su premio

La película: Colossal (2016), de Nacho Vigalondo.

El libro: Idea original de Vigalondo, que además es guionista polifacético.

La palabra que te falta: Godzilla, bueno, no se trata de otro film más sobre el famoso monstruo japonés, sino una especie de revisión particular de este clásico para abordar a través del exceso y la fantasía los conflictos más humanos de Gloria, sin trabajo y sin novio e intentando reconstruir su vida mientras intenta no armarla mucho mimetizándose con un monstruo gigante.

La heroína: ¿Conseguirá Gloria manejar a su monstruo y encauzar el rumbo de su vida? No te vas a llevar ningún spoiler, bastante interesante es la premisa del film donde una mujer con afición al alcohol, desempleada y perdida intenta además no causar destrozos.

10.    Camino a casa

Donde el héroe regresa a casa con la recompensa

La película: El sacrificio de un ciervo sagrado (2017), de Yorgos Lanthimos.

El libro: Algo de mitología griega, un poco de Kafka y la sátira negra y cruel de Lanthimos.

La palabra que te falta: Hecatombe, palabra de origen griego. Eso es lo que suele provocar Lanthimos con cada una de sus películas. Padres que torturan a sus hijos, historias donde se obliga a encontrar el amor so pena de muerte o en este caso una historia retorcida donde un matrimonio y sus hijos se ven sometidos a una lenta y agónica tortura. Y mientras tanto Colin Farell se pasea asustado de trabajar con Lanthimos y Nicole Kidman no se sorprende ya de nada, desde Eyes Wide Shut (Stanley Kubrick, 1999) no se sentía en medio de una trama tan retorcidamente alegórica como satírica.

El héroe:  Steven intentando salvar a su familia, sus habilidades como cirujano para diseccionar cuerpos no le sirven para diseccionar sus propios sentimientos o comprender qué le pasa en la cabeza a ciertas personas. Su regreso a casa le trae más sorpresas que recompensas, y Martin, ese adolescente huérfano un poco obseso con él, hará que te plantees si quieres que Lanthimos siga diseccionando los lados más perversos de nuestra humanidad.

11.    Resurrección

Donde el héroe tiene su último cara a cara con la Muerte

La película: La gran belleza (2013), de Paolo Sorrentino.

El libro: Sorrentino no toma como base ningún libro, pero muestra a Roma como un libro abierto, como un museo vivo de experiencias humanas.

La palabra que te falta: Uffa, que en italiano significa algo así como aburrimiento. Nuestro héroe es otro artista incomprendido sumido en el pozo de sus recuerdos, un Matroianni de Fellini, solo que la dupla de Servilo y Sorrentino es igual de estimulante. Jep Gambardella es un héroe que se aburre y busca nadar en los recuerdos de su juventud, para toparse solo con el vórtice de su propia mundanidad.

El héroe:  Jep Gambardella. Artista, fiestero, bebedor, representación de esos héroes en constante descomposición debido al rastro dejado por las musas que una vez le sonrieron. Un individuo que deberá intentar reconciliarse con su pasado, hallar un sentido a conceptos tales como la fe, el sentido de la vida, la creación mientras se toma un dry Martini y habla con una mujer pantera. La Roma de Sorrentino.

12.   Regreso con elixir

El héroe regresa a casa con algo que cambiará su mundo

La película: La venus de las pieles (2013), de Roman Polanski.

El libro: Una obra de teatro de David Ives con el mismo nombre.

La palabra que te falta: Kara, y no, no es ninguna falta de ortografía. Significa castigo en polaco, y ni más ni menos eso es lo que sufre el héroe del film, Thomas, mientras realiza un casting para una obra de teatro y aparece Vanda, ¿una mujer, la encarnación de la sensualidad o ambas cosas?. Castigo o bendición para Thomas, según se mire.

El héroe:  Thomas, uno de esos héroes patéticos de corte polaco en una película donde Polanski vuelve a demostrar que lo de combinar géneros y temas no es un impedimento. Metaficción, sensualidad, deseo, algo de sadomasoquismo y dominación, reflexiones sobre los límites de la creación… El mejor Polanski vuelve para mostrar a toda a una Venus en acción.

Ramsay y Sang-soo son dos directores únicos, por tópico que este pueda sonar. Sus obras son híbridos genéricos que deambulan por el ultrarrealismo, el drama romántico, el cine negro o el costumbrismo, frecuentemente insertas en universos audiovisuales de una insólita riqueza visual y personalidad. En realidad nunca estuviste aquí y En playa sola de noche son herederas de estilos diferenciados, pero con nexos en común.

1.   La masculinidad

Lynne Ramsay y Hong Sang-soo despliegan respectivamente en En realidad nunca estuviste aquí y En la playa sola de noche sendas miradas de autor que hacen tambalear los roles estereotípicos de la masculinidad en el cine. El film de Ramsay muestra a un protagonista masculino, un asesino a sueldo, cuya fractura psicológica le convierte en un individuo anodino, bajo la influencia materna, su único soporte vital, y acosado por los recuerdos de la guerra y una infancia de la que solo se nos muestran pequeños atisbos. El personaje de Phoenix rompe con los moldes del cine negro y muestra una idea de masculinidad en crisis, donde la apariencia patriarcal se resquebraja a través de un alma dolida que sigue en pie únicamente por su madre. Ramsay reconoce haberse inspirado en el personaje interpretado por Harvey Keitel en El piano (The Piano, Jane Champion, 1993), un individuo con una apariencia ruda, amenazante y genuinamente masculina pero que en realidad era preso de sus propias pasiones y lastres emocionales. Ramsay consiguió que Phoenix se mimetizara y ofreciera un papel donde tan pronto se erige en una presencia monstruosa digna del Robert Mitchum de La noche del cazador (The Night of the Hunter, Charles Laughton, 1955) como es capaz de apesadumbrar a la audiencia con ecos de la mirada afligida de John Cazale.

Paralelamente, resulta interesante apreciar cómo esta masculinidad en conflicto viene acompañada de una cierta noción de empoderamiento femenino. En el caso de En realidad nunca estuviste aquí, el personaje de Joe deberá encontrar a la hija secuestrada de un senador, sin embargo, Ramsay consigue eludir tropos característicos del género como el héroe salvador dotando al personaje femenino de una fortaleza e independencia que rompe los moldes de su género. En En la playa sola de noche y en general en todo el cine de Sang-soo, la mujer ocupa un papel central y su mirada llena su discurso sobre el amor, la cotidianidad y la frustración. Younghee deambula primero por Hamburgo intentando sanar las cicatrices de su relación mientras mana dolor a través de las charlas con su amiga. Después en Corea, en cenas llenas de confesiones y alcohol, abre su corazón y ahí es donde Sang-soo sabe brillar: a partir de la cotidianidad y la repetición logra resquebrajar el tejido emocional de sus personajes, que acaban rompiéndose en la imagen. Younghee, interpretada de manera perfecta por Kim Min-hee, reflexiona sobre el amor, la necesidad de querer no querer, y todo ello elidiendo la presencia del hombre. El personaje del director, del amante, apenas aparece. Es una película que aborda la mirada femenina, Sang-soo no se interesa por mostrar las dos caras de la moneda porque rehúye esquemas de otros dramas románticos.

2.   El no-lugar

En realidad nunca estuviste aquí y En la playa sola de noche son dos ejemplos de empleo psicológico del espacio, donde el director, tal y como apuntaría Marc Augé en ese ensayo que sentó las bases de la sobremodernidad, se convierte en un etnógrafo capaz de convertir el espacio, la ciudad y los lugares de tránsito en entes dotados de una significación propia. Ramsay y Sang-hoo construyen sus obras a partir de una visión particular de lo urbano y lo natural, dotando a espacios despojados de cualquier referencialidad personal o valor individual con una importante carga expresiva. Joe deambula por destartalas habitaciones de hotel, la ciudad se mimetiza con él convirtiéndose en una prolongación de su propia mente, y ahí donde Ramsay, como Scorsese, consigue que el no-lugar, las calles, los hoteles, los lugares de tránsito, estén impregnados de un componente personal. Existe una arquitectura visual y urbana por la que Joe descarga atisbos de su frustración, de su ira, de su violencia, el espectador no contempla un espacio físico, sino un lugar subjetivo visto a través de la experiencia de Joe.

En el caso Sang-soo y En la playa sola de noche sucede el mismo proceso. El no-lugar es un constructo subjetivo, dado que la transitoriedad de ciertos espacios depende de la experiencia del individuo. Si para Joe hay una escena catártica en medio de un lago, para Younghee el parque de Hamburgo donde medita sobre sus frustraciones queda impregnado de un valor personal, de un atributo que se asocia a la expiación de sus frustraciones. De ese no-lugar se pasa a un espacio íntimo, una cena con amigos en el hogar donde Younghee explota, pero previamente su complejidad como personaje queda estipulada en su forma de relacionarse con el entorno: primero en el parque, luego en una cafetería, y finalmente la playa. Lugares de transición donde Sang-hoo insinúa, en los que la psicología del personaje se mimetiza con el entorno, revistiendo el carácter no simbólico y mundano de este entorno con el valor de la experiencia personal de Younghee.

3.   Los maestros

A Lynne Ramsay y Hong Sang-soo se les han atribuido unos maestros de altura a lo largo de su carrera y con sus respectivos últimos films no podía ser menos. En el caso de En realidad nunca estuviste aquí, las similitudes con Taxi Driver (Martin Scorsese, 1976) no son pocas. El personaje de Joe y el de Travis son la misma cruz de la moneda, individuos situados al margen de la sociedad que usan la violencia como expiación para sus propios fantasmas. Asimismo, una atmósfera que exuda luces de neón, niebla, suciedad y que sublima una estética de la degeneración a través de la descripción de espacios baldíos, sórdidos, donde un hábil juego de iluminación y una cámara siempre titilante y dubitativa sumerge al espectador en la psique alterada de sus protagonistas.

Lynne Ramsay va un paso más allá en sus referentes. Reconoce que siempre le pesó más la influencia de Psicosis (Psycho, Alfred Hitchcock, 1960), a la cual hace un guiño en una escena entrañable. La psicosis, una relación de dependencia hacia la madre, la locura, el motivo del mcguffin, son elementos muy presentes en libreto firmado por la directora escocesa, quien además ofrece una revisión del género del cine negro personalísima rehuyendo de algunos de los esquemas del género. En realidad nunca estuviste aquí revisa los códigos narrativos y visuales para ofrecer una obra con ecos del mejor Nicolas Winding Refn, deambulando por el thriller, el cine negro y el onirismo de David Lynch, de quien afirma quedó prendado tras ver Terciopelo azul (Blue Velvet, 1986). A esto se le añade la banda sonora de Jonny Greenwood, integrante de Radiohead, cuyo minimalismo atmosférico acaba por imponerse.

Hong Sang-soo es un director prolífico, con una media de tres películas al año y un registro que le ha encumbrado como una voz genuina dentro del género del drama romántico. En el caso del surcoreano, las semejanzas con el gran Erich Rohmer no son pocas, siendo ambos maestros de la rutina anecdótica donde el transcurso del tiempo, la reiteración o la monotonía son recursos expresivos que les ayudan a dinamizar conflictos a través de la inacción. En la playa sola de noche es un compendio de las virtudes que han convertido a Sang-soo es un cineasta situado al margen de todos. Poética de los espacios cotidianos, largos diálogos, la idea de repetición como tropo visual, todo ello al servicio de un conflicto que se cuece a fuego lento hasta que explota frecuentemente en reuniones sociales con el alcohol como combustible de esa catarsis emocional que sus protagonistas acaban verbalizando de manera elocuente.

Paralelamente, el surcoreano tampoco oculta su manifiesta devoción por Luis Buñuel, su amor por el onirismo y el simbolismo de ese autor total, de ahí que el sueño juegue un rol importante en su película como manifestación de los deseos reprimidos de la actriz protagonista.

4.   La psicología

En realidad nunca estuviste aquí y En playa sola de noche son dos films dedicados a la construcción de sendos personajes complejos. Joe y Younghee son abordados en dos obras que exploran la psicología de sus protagonistas y la vierten a través de un juego de imágenes donde la subjetividad pesa más que la lógica de la trama. Edgar Morin acuñaría el término de antropomorfismo para ilustrar cómo el cine era capaz de cargar con el escenario y las cosas con una presencia humana, impregnándose de los atributos psicológicos del personaje. Hay una proyección del personaje hacia el espacio y del espacio hacia el personaje. Ramsay y Sang-soo lo hacen no solo a través de la subjetividad del espacio, revistiendo a esos no-lugares con una carga de intimidad, sino también a través de la proyección de emociones, sensaciones y fobias en el espacio.

De este modo, Joe y Younghee se relacionan con el espacio y ambas películas se preocupan por ahondar en el estudio del personaje a través ciertos motivos visuales. Joe mira enajenado hacia la nada, su mirada muerta llena el espacio en primeros planos y hay una especie de sensorialidad en la forma en la que Ramsay combina encuadres. Si el niño de Ratcatcher (1999), su primer largometraje, se envolvía la cabeza en las cortinas de la ducha, anticipando su destino, Joe se relaciona con el medio y Ramsay adhiere a la imagen esa sensación constante de intimismo e introspección.

Sang-soo hace lo propio recurriendo al minimalismo expresivo, pero desplegando una serie de tics de autor que señalan cómo la relación del personaje con el espacio es una prolongación de su estado mental. La forma en la que Younghee juega con la arena o el hecho de que en todos sus films el protagonista lleve en algún momento una mochila para ilustrar su condición de errante secundan esta afirmación. Quizá el surcoreano no se preocupe tanto por la psicología del espacio como Ozu, pero es innegable que su espontaneidad e improvisación a veces le llevan a esta clase de experimentos formales.

En realidad nunca estuviste aquí y En playa sola de noche son dos films dedicados a la construcción de sendos personajes complejos. Joe y Younghee son abordados en dos obras que exploran la psicología de sus protagonistas y la vierten a través de un juego de imágenes donde la subjetividad pesa más que la lógica de la trama. Edgar Morin acuñaría el término de antropomorfismo para ilustrar cómo el cine era capaz de cargar con el escenario y las cosas con una presencia humana, impregnándose de los atributos psicológicos del personaje. Hay una proyección del personaje hacia el espacio y del espacio hacia el personaje. Ramsay y Sang-soo lo hacen no solo a través de la subjetividad del espacio, revistiendo a esos no-lugares con una carga de intimidad, sino también a través de la proyección de emociones, sensaciones y fobias en el espacio.

De este modo, Joe y Younghee se relacionan con el espacio y ambas películas se preocupan por ahondar en el estudio del personaje a través ciertos motivos visuales. Joe mira enajenado hacia la nada, su mirada muerta llena el espacio en primeros planos y hay una especie de sensorialidad en la forma en la que Ramsay combina encuadres. Si el niño de Ratcatcher (1999), su primer largometraje, se envolvía la cabeza en las cortinas de la ducha, anticipando su destino, Joe se relaciona con el medio y Ramsay adhiere a la imagen esa sensación constante de intimismo e introspección.

Sang-soo hace lo propio recurriendo al minimalismo expresivo, pero desplegando una serie de tics de autor que señalan cómo la relación del personaje con el espacio es una prolongación de su estado mental. La forma en la que Younghee juega con la arena o el hecho de que en todos sus films el protagonista lleve en algún momento una mochila para ilustrar su condición de errante secundan esta afirmación. Quizá el surcoreano no se preocupe tanto por la psicología del espacio como Ozu, pero es innegable que su espontaneidad e improvisación a veces le llevan a esta clase de experimentos formales.

5. El compromiso

Lynne Ramsay y Hong Sang-soo son dos directores con un carisma fílmico notable, desligándose de la esfera más comercial y ciñéndose a un estilo que les ha llevado a ser reconocidos como dos voces genuinas del cine de autor. Ambos tienen personalidades que en ocasiones han sido tildadas de conflictivas. Lynne Ramsay abandonó La venganza de Jane (Jane Got a Gun, Gavin O´Connor, 2016) cuando su rodaje estaba a punto de comenzar, granjeándose la animadversión de su productor y amenazas de no volver a poder poner un pie en Hollywood. Tampoco parece especialmente preocupada por ello. En el caso de Hong Sang-soo, el surcoreano es una figura hermética, poco dado a conceder entrevistas y acostumbrado a trabajar con equipos pequeños de no más de nueve personas.

Asimismo, la directora escocesa es un ejemplo de compromiso con su obra y con sus actores. En Morvern Callar (2002) una escena requería que una de las actrices apareciera en topless, y ante las reticencias de la intérprete la escocesa se solidarizó con ella e hizo lo propio. En En realidad nunca estuviste aquí podrás ver una escena donde Joaquin Phoenix debe sumergirse en un agua no particularmente limpia, y ni corta ni perezosa Ramsay — quien estableció una muy buena amistad con Phoenix durante el rodaje — decidió sumergirse también en el agua para sentir exactamente lo mismo que debía sufrir su personaje. Tiene fama de ser conflictiva, más bien parece una de esas directoras comprometidas con la causa. Además, en el caso En realidad nunca estuviste aquí la improvisación fue una constante, el rodaje duró solo cuatro semanas y la versión que se exhibió en Cannes y que le valió a Phoenix el premio a Mejor Actor era un montaje preliminar.

El surcoreano exhibe un grado de implicación con su obra similar al de la escocesa. Le encanta escribir el guion de sus películas sobre la marcha, el mismo día del rodaje. Como él afirma, cada vez le toma más tiempo ese proceso, levantándose de madrugada para escribir las escenas que se rodarán ese mismo día, con el equipo aguardando mientras tanto. Ese proceso de escritura orgánica es uno de los factores clave de su estilo, que oscila entre la captación de la vida real, la repetitividad y la monotonía con atisbos de onirismo. Al mismo tiempo, muchos han detectado en En la playa sola de noche paralelismos entre la vida del director y el argumento del film donde una actriz huye de su país natal tras un mediático romance con prestigioso director de cine casado. Supuestamente Hong Sang-soo mantuvo un romance con la actriz protagonista del film, Kim Min-hee, lo cual causó un enorme revuelo en Corea del Sur, país donde hasta hace poco el adulterio era un delito. En cualquier caso, dos directores muy comprometidos con su obra.

Hoy es su día, y en Cameo queremos rendirles el homenaje que se merecen. Todo padre es un moderno Filoctetes, un guía más confiable que su configuración del GPS. ¿Que por qué nos ponemos a hablar de clásicos griegos? Porque el drama griego de nuestros días tiene nombre: las redes sociales. Tu padre en Facebook es un drama digno de Esquilo. Mas aún cuando emerge su faceta de crítico de cine. Tú albergabas buenas intenciones. Querías ver una película con él que no implicara héroes de acción ochenteros. Por eso, en Cameo os acercamos ocho películas que ver con tu padre, y además ya os ahorramos dramas anticipando cuál será su reacción en Facebook. Padres, va por vosotros.

BUSCANDO A ERIC

¿Por qué se la pusiste?: Porque creías que Ken Loach nunca fallaba, un narrador único, cuyo compromiso social sabe aunarse con una profunda mirada cinematográfica que radiografía cualquier problemática social. Porque resulta difícil no ver a tu padre reflejado en esos personajes no idealizados, que sienten y se dibujan a través de escenas cotidianas.

¿Qué descubriste de tu padre al verla?: Ken Loach sabe cómo removerte por dentro. Viste a un padre trabajador, devoto, a lo que algunos insisten llamar clase media deslomándose para que tú puedas tener la formación y vida que quieras y no con la que te tendrías que conformar.

Consejo de padre: Te dirá que es buena película, que sabe cómo reflejar la dureza de los hijos, los sentimientos que se dan por sentados aunque nunca broten de nuestras bocas. Y también se pondrá el transistor para escuchar el fútbol y lamentarse porque el niño aún no le ha jubilado porque no es un crack brasileño.

Grado de vergüenza ajena en Facebook: Soportable, al menos no ha comentado una foto tuya con alguna amiga o amigo introduciendo un emoticono canallita de los que guiñan el ojo. 

MARÍA Y LOS DEMÁS

¿Por qué se la pusiste?: Crees que el debut en la dirección de Nely Reguera es un film sincero sobre cómo muchas veces evitamos confrontar nuestras propias vidas volcándonos en las de los demás. O eso leíste en una crónica muy bonita del periódico. Reguera muestra a un padre con luces y sombras, y a ti te aburren las películas donde todo es perfecto e ideal cual anuncio de hipotecas. Quizá tú dudes siempre, aunque sepas que quieres a tu padre, como Bárbara Lennie.

 ¿Qué descubriste de tu padre al verla?: La paciencia que hay que tener y demostrar. El film de Reguera no condena a sus personajes, deja que crezcan delante de tus ojos y reaccionen ante situaciones que comprometen su futuro. Y tú haces lo mismo, tu padre tiene necesidades que quizá tú no puedas cubrir. Y tú tienes las tuyas. No hay que echarse en cara nada.

Consejo de padre: Él espera haber sido un padre que se merezca tu atención porque se desvivió por ti cuando en el colegio te miraban mal por ser distinta. Espera que encuentres tu camino en la vida, y no ser una carga. Y también cree que tienes los mismos ojos que Bárbara Lennie.

Grado de vergüenza ajena en Facebook: Leve, tu padre ha empezado a seguir a Bárbara Lennie. De momento no la cosifica. También ha aumentado el ritmo de fotos de running que comparte, y el grupo familiar de Whatsapp arde con fotogramas de la peli con frases motivadoras. El horror.

FUERZA MAYOR

¿Por qué se la pusiste?: Tu padre te ha descubierto el cine de Bresson, Godard, Renoir, Lubitsch y muchos otros. Te hizo leer El Ulises de Joyce y la obra de Sartre cuando con 15 años le dijiste que creías que no existía el amor después de romper con tu romance de verano. Que le descubras a Ruben Östlund es un ejercicio de amor. Quieres hacerle ver que se puede disfrutar de buen cine actual y no remontarse a tiempos donde ni respirabas.

¿Qué descubriste de tu padre al verla?: Todo lo que ha hecho tu padre por ti tiene un motivo. Quizá matarte de aburrimiento no sea una táctica sutil, errar es humano. Pero ha intentado formarte, generarte curiosidad por el mundo. Y enseñarte como Östlund que la masculinidad es un constructo social, que nadie debe imponerte su visión y que no hay conceptos inamovibles. Hay muchas formas de entender la familia. Ríete de todo como Östlund.

Consejo de padre: Aprovecha lo que has aprendido. Y si no te gusta algo dilo, no todos disfrutan con James Joyce. Ten curiosidad y disfruta del cine sea de quien sea. Östlund es un director en alza, asi que siempre puedes fardar de intelectual hablando de postmodernidad y racismo en el cine de un sueco con un sentido del humor peculiar.

Grado de vergüenza ajena en Facebook: Estás inmunizado. Tu padre lleva citándote en su muro en publicaciones que oscilan entre el éxtasis de Santa Teresa reinterpretado por un artista malasio con manatíes y obras de cine experimental igual de desconocidas que el origen del pelo de Trump. Sin olvidar las citas de Godard. Godard es Dios, Rohmer su pastor y tu padre considera a El cine según Hitchcock su particular Biblia. 

DE TAL PADRE TAL HIJO

¿Por qué se la pusiste?: Porque reducir la paternidad a un suceso biológico es algo bastante pasado de moda y Koreeda juega con ello en otro film que demuestra su infinita sensibilidad. Sabes que un director intimista, reposado, poco dado a excesos dramáticos y alardes visuales, pero últimamente tu padre decía que ya no se hacía cine como el de antes y necesitabas enseñarle a alguien que le recordara a su amado Ozu.

¿Qué descubriste de tu padre al verla?: Que nunca te habría cambiado, pasara lo que pasara. Decenas de bromas originales y nada manidas en Nochebuena donde dice no ser tu padre. Esa vez que fuisteis a ver El despertar de la Fuerza y se puso careta de Darth Vader mientras por el pasillo de butacas luminoso decía “Yo soy tu padre”. Él no te cambiará nunca, tú a días te lo planteas.

Consejo de padre: Comparte momentos. No importa el qué dirán. Koreeda crea un film que rebosa amor, culpabilidad y crítica a esta sociedad de consumo que hace recortemos en atención a los nuestros para gastarla en bagatelas.

Grado de vergüenza ajena en Facebook: Elevado, se ha vuelto a aficionar al cine japonés. Tan pronto lleva gafas y frunce el gesto como Takeshi Kitano, como se deja bigote y lleva la bata como el padre de Cuentos de Tokyo (Yasujiro Ozu, 1953) , y ahora le ha dado por beber sake viendo a Koreeda.

SPARROWS

¿Por qué se la pusiste?: No todos los padres son modelos de conducta, algunos desaparecen sin más, otros hacen de la ausencia un estilo de vida. Otros simplemente no saben responder al proceso de madurez, despertar sexual y paso a la vida adulta descrito por Rúnar Rúnarsson. Un film que se alzó con la Concha de Oro y todo un retrato de la represión sentimental, el aislamiento y la crisis existencial. Todos hemos leído a Sartre alguna vez.

¿Qué descubriste de tu padre al verla?: El silencio a veces grita elocuencia. Tu padre puede estar más o menos ausente, pero es una figura de referencia. No es perfecto, pero tú tampoco. No tiene respuesta para todas las preguntas que te asaltan al ver que tu vida vale nada y todo al mismo tiempo. Pero sabes que no hay nadie más con quien te gustaría compartir silencios cómplices.

Consejo de padre: Ve más cine islandés. Para ser un país tan pequeño tiene a narradores austeros como Rúnar Rúnarsson que elaboran dramas humanos a partir del aislamiento.

Grado de vergüenza ajena en Facebook: Ninguno, tu padre se ha ido a vivir a una remota cabaña de Islandia. No cree en medios tecnológicos, ha abrazado los predicados de Thoreau y vive alejado del mundanal ruido. Su Facebook es un álbum de fotos. Ha cumplido los 50, quizá es una señal. 

CANINO

¿Por qué se la pusiste?: Eres víctima de unos traumas horribles. Tu padre usando tu nuca como frontón de pelota vasca cuando de pequeño insistías en no hacer tus deberes. En la playa, una sombrilla de publicidad más grande que la Estación Espacial y tu padre vigilándote en el agua cual cachalote atento a amenazas. Quizá te has pasado poniendo una de las obras clave de Lanthimos, de crudeza y violencia tan asépticas como impactantes. Tu padre no es un personaje de Lanthimos. Tú tampoco, no arrastrarás los traumas que los hijos de Canino sufrirán de por vida.

¿Qué descubriste de tu padre al verla?: Tu padre quiere a su familia, pero no es un obseso del control que os encierra en casa mientras adoctrina con una visión hermética del mundo. Tras ver a Lanthimos y su peculiar film se ha convertido en un pacifista. Sus reglas de antaño de no volver más allá de la doce te parecen ahora tremendamente justas.

Consejo de padre: “Esto se hace así porque lo digo yo” Jamás una frase paterna te había dado tanto miedo hasta ver Canino. Ahora intentas no comprar yogures griegos no siendo que la obsesión de Lanthimos sea contagiosa.

Grado de vergüenza ajena en Facebook: Cero, le dejas que te coja el móvil y trastee con él. Es inofensivo, si fuera el padre de Canino tendrías un control estricto de redes sociales que ríete tú de ciertos países. 

MAGICAL GIRL

¿Por qué se la pusiste?: Porque a veces tu padre es un poco cuñado y estás cansado de escucharle decir eso de “el cine español ya no vale nada, solo va de Guerra Civil, sexo y son unos mantenidos”. Así llega Carlos Vermut con otra obra inclasificable a caballo entre el thriller más oscuro, el onirismo lynchniano y arrebatos del mejor Saura y tu padre queda un poco retratado mientras ve vídeos de Venga Monjas porque se ha quedado con ganas de más. Has convertido a tu padre en un seguidor del nuevo absurdo español.

¿Qué descubriste de tu padre al verla?: Ya sabías que estaría dispuesto a todo por ti. No sabemos si lo que querrás es un vestido de tu manga favorito, pero sea lo que sea él se dejará el lomo para conseguírtelo. Si tiene que inmiscuirse en atracos, relaciones abusivas, confabulaciones oníricomasónicas o lo que sea él lo hará. Y pedirá que Carlos Vemut lo grabe, aunque en los juzgados ya han visto cosas más raras que una película del director madrileño. 

Consejo de padre: “Hijo, déjame el mando de la te- (eructo digno de Godzilla)” Tu padre no es poeta, precisamente. Pero es un genio de lo castizo y te ha enseñado más con su hastío y cansancio que con consejos propios de film de sobremesa. Eso sí, después de ver Magical Girl no infravalorarás lo que un padre puede llegar a hacer después de un mal día.

Grado de vergüenza ajena en Facebook: Preocupante. Se dejó su Facebook abierto y has visto que sigue a crípticos clubs sacados de Eyes Wide Shut (Stanley Kubrick, 1999), que juega a videojuegos de atracos y que mantiene conversaciones con una misteriosa mujer de cicatriz extrañamente seductora. 

TONI ERDMANN

¿Por qué se la pusiste?: Porque a veces tu padre es un humorista y bromista a la altura de Winfried, o sus múltiples alter ego con los que castiga a su hija Ines. Toni Erdmann es una pieza de orfebrería del humor más negro capaz de sostenerse durante sus casi tres horas de duración. Y tu padre tiene el mismo repertorio de personajes que Winfried. Cuando eras pequeña podía adoptar la forma de mil monstruos, a veces te regalaba a Chiquito, otras él mismo era el personaje cuando se pensaba que estaba en un programa de Bricomanía y hoy en día subsiste como humorista de postín cuando se acerca a una barra de bar y habla de política. Parece querer ser como Winfried, haciendo de la parodia y el humor negro la mejor forma de reírse de todo y todos, y de acercarte a tu hija al mismo tiempo.

¿Qué descubriste de tu padre al verla?: Tiene más registros que Daniel Day-Lewis. En cenas de empresa tira de chistes que harían implosionar Twitter en un mar de bilis. En reuniones familiares cuenta batallitas e historias de canallita ochentero con un gin-tonic en el que “lo importante es la tónica porque yo sé d esto”. De pequeña le recuerdas cantando canciones de una época que a ti te parecía babilónica mientras le decías a tus amigas que ese no era tu padre, que antes te montabas en Fújur y salías a lomos de ese dragón blanco mientras él improvisa un riff de Supertramp con las manos o intentaba pronunciar Wish you were here.

Consejo de padre: “No hay que tomarse nada en serio, con cincuenta te das cuenta de que hay que pasar de todo” Winfried en Toni Erdmann no sabemos si sufre una crisis de madurez, si es un genio del humor que pretende reflejar el absurdo vital de su hija o si simplemente es un personaje de cine de esos que nos acompañarán durante años. Sí afirmamos que si tu padre al verla empieza a tirar de atrezzo será mejor que busques un búnker, no tenía una crisis así desde que descubrió que por Whatsapp podía mandarte gifs de caídas graciosas.

Grado de vergüenza ajena en Facebook: Camuflado. Se ha abierto una cuenta alternativa con el nombre de su alter ego. Todo correcto. Ha contratado a una actriz para que haga de ti. Ya no tendrás que recordar su cumpleaños. 

Esta crónica de los Oscar no versa sobre églogas dedicadas a las ganadoras. Para eso ya se encargará la mercadotécnica, y otros tantos reportajes. Todo el mundo recuerda la estatuilla, pero pocos recordarán a aquellas obras y a aquellas personas nominadas que no se llevaron al calvo dorado por excelencia. Todos recordarán, y con razón, las palabras de Frances McDormand, tan necesarias como dolorosas para aquellos hombres que escribimos sobre cine. Dolorosas y catárticas, en las que uno(s) debemos entonar el mea culpa y enmendar actitudes. Frances McDormand es una actriz con mayúsculas, y no la musa de los hermanos Coen. Alguien cuyo trabajo incluye a Robert Altman, los Coen, Alan Taylor, Gus Van Sant, Cameron Crowe, Sorrentino, Ken Loach, Raimi, y que en Olive Kitteridge (Lisa Chodolokenko, 2014) dejaba una actuación para el recuerdo, se merece un apelativo mejor que ser alguien de o una “buena secundaria”.

Hecho este apunte, desde Cameo hemos estimado oportuno rendir homenaje a las no-ganadoras. Porque McDormand no siempre ganó, porque Roger Deakins acumulaba más de diez nominaciones, y porque Greta Gerwig, Jordan Peele y otros tantos se merecen figurar en alguna lista más. Os traemos a siete películas y nominados sin premio — perdedoras no les rinde justicia — para que no caigan en el olvido, ya que tenemos muy claro que algún día coparán los artículos que hoy ensalzan a Frances McDormand, Guillermo del Toro y el resto de agraciados en unos Oscar libres de alcanfor. 

1. WILLEM DAFOE

Categoría: Mejor Actor de Reparto

Película: The Florida Project (Sean Baker, 2017).

¿Por qué es nuestro ganador?: Porque amamos esa sonrisa de Willem Dafoe. Es más versátil que un meme de Donald Trump. Tan pronto vale para darnos miedo como Drácula como para hacernos dudar de Spiderman con su Duende Verde o hacernos entender lo que es una experiencia religiosa, la de Cristo, no la de Enrique Iglesias.

En Cameo le premiamos por: Porque Sean Baker se merece mucho tras regalarnos The Florida Project. Porque se confirma, junto a David Lowery y su Ghost Story (2017) como figura clave del indie norteamericano. Tangerine ya fue un film incómodo para ciertos sectores por su retrato certero y sin adornos de la prostitución y la situación de las personas tránsgenero. Y The Florida Project vuelve a herir conciencias en un relato sobre la crisis y los marginados donde la inocencia infantil nos aguanta la mirada y nos reta a ver la realidad con otros ojos. Niños huyendo de un mundo de adultos.

Willem Dafoe se merece ya un premio. Brilla como gerente del hotel por su humanismo descarnado. Tras acumular nominaciones en La sombra del vampiro (E. Elias Merhige, 2000) y en Platoon (Oliver Stone, 1986), ya es hora de que le veamos sonreír con una estatuilla en sus manos. Además, podréis disfrutarla ya que Cameo la lanzará en nuestro país muy pronto. 

2. THE SQUARE

Categoría: Mejor Película de Habla no Inglesa

Director: Ruben Östlund

¿Por qué es nuestra ganadora?: Porque Östlund se ríe de todo y de todos en su último trabajo, que le mereció una Palma de Oro en Cannes. Sátira sobre el arte moderno, la postmodernidad, el complejo de masculinidad, la inmigración y racismo. Una escena de The Square es más incómoda para el establishment que el discurso de Jimmy Kimmel.

En Cameo le premiamos por: El sueco es un agitador, pero es que además de eso es un cinéfilo, y le queremos por eso. Sus influencias oscilan entre el surrealismo de Buñuel, la sátira negra de Roy Andersson y el costumbrismo social de Fassbinder. Fuerza Mayor (2014) atacaba la institución familiar, el complejo de masculinidad y el conformismo social. Play (2011) se atrevía con el racismo, la niñez, y las actitudes paternalistas y elitistas de las élites. The Square ataca todo y acierta en todo. Hay acidez a través de escenas donde la duración y el tiempo se alargan para incomodar al espectador. Hay silencios, un manejo de la reiteración visual para dislocar el sentido de la parodia y otros tantos detalles que es mejor no comentar para que Östlund no nos caricaturice como postmodernos y posers.

Ya podéis disfrutar de The Square en Cameo. Os lo recomendados encarecidamente. Eso sí, no nos hacemos responsables si después os  sentís culpables por abrir una copa de vino y hablar sobre figuras emergentes del cine kazajo.

 3. CHRISTOPHER PLUMMER

Categoría: Mejor Actor de Reparto

Película: Todo el dinero del mundo (Ridley Scott, 2017)

¿Por qué es nuestro ganador?: Por demostrar a todos los cómplices, a los conspiranoides, a los que hablan de “feminazis”, que es posible sustituir a alguien cuyo talento ha quedado eclipsado como Kevin Spacey sin hacer ruido, con la elegancia propia del canadiense. Y porque ya ganó un Oscar con Beginners (Mike Mills, 2010), donde “salía” del armario y conseguía emocionarnos. Christopher Plummer es el tipo de señor mayor que nos gusta, no aquellos que ven en el cambio una amenaza a su hegemonía.

En Cameo le premiamos por: Llegar a última hora y entregarnos a un enorme villano, y sin poner excusas. También porque agradecemos a Ridley Scott la valentía de prescindir de Spacey y no anclarse como otros dinosaurios del celuloide que no mencionaremos. El director que nos ha entregado algunas de las obras clave del cine norteamericano siempre cumple, y en este caso engancha con un relato sobre el secuestro de John Paul Getty III.

Además, la tendréis disponible en Cameo para pasar una tarde disfrutando de Christopher Plummer y confiando en que repita galardón, esos 88 años no son nada. 

4. SIN AMOR

Categoría: Mejor Película de Habla no Inglesa

Director: Andrey Zvyagintsev

¿Por qué es nuestra ganadora?: Muchos hablan de que es necesario premiar a films más incómodos, o al menos comprometidos con su época, en la categoría de Mejor Película. Esa discusión no se aplica a la categoría de Mejor Película de Habla no Inglesa, donde todos los films premiados reflejan diversidad de miradas, y compromiso con toda clase de problemas. Sin amor es otro film notable del mejor director ruso actual, Andrey Zvyagintsev. Un reflejo de una Rusia gélida, paralizada en sus afectos, que libra una auténtica Guerra Fría por recuperar un atisbo de amor detrás las nuevas élites capitalistas y la corrupción del alma rusa que encumbraron genios como Gogol o Dostoyevski.

En Cameo le premiamos por: Porque Zvyagintsev no es Tarkovski, y damos gracias por ello. Muchos críticos llevan años desesperados buscando al nuevo Tarkovski. Sokurov, Konchalovsky, Lopushanski y Zviagintsev. A todos se les ha colgado la comparación. Sin embargo Zvyagintsev no necesita ni quiere ser Tarkovski. Ni lo necesita. Sin amor es un film antitarkovskiano. Porque donde Tarkovski mostraba una nostalgia permanente por una Rusia perdida, Zvyagintsev demuestra que esa nostalgia aleja el foco de la corrupción de las élites rusas. Sin amor es una prolongación del universo del ruso, de su mirada crítica. Un universo impregnado de un simbolismo de lo cotidiano. Donde una madre despegada corre en una cinta estática con un chándal de Rusia, la mirada a ninguna parte, sin rumbo. Si en Sacrificio (Andrei Tarkovski, 1986) el realizador ruso usaba el motivo de un árbol cuyo reflejo se perdía en el agua para mostrar el amor entre un padre y un hijo, —  con un excelso plano final de dicho árbol — , Zvyagintsev muestra un árbol desnudo junto a un lago helado donde solía haber un niño. Zvyagintsev no admite comparaciones.

Podréis disfrutar de Sin amor gracias a Cameo. Mientras tanto os invitamos a descubrir a Zvyagintsev en Elena, crudo retrato de una madre situada entre dos realidades sociales y económicas, y Leviatán, Globo de Oro y otra muestra de que Zviagintsev es el azote de la corrupta alma rusa.

Si queréis ahondar aún mas en la categoría de Mejor Película de Habla no Inglesa, os podemos ofrecer los últimos ganadores: desde Ida, pasando por El hijo de Saúl, El secreto de sus ojos, El viajante, Nader y Simin. Una separación, Amour, La gran belleza hasta En un mundo mejor. 

5. TIMOTHÉE CHALAMET

Categoría: Mejor Actor.

Película: Call me by your name (Luca Guadagnino, 2017).

¿Por qué es nuestro ganador?: Debería ser el ganador de muchos, ya que su actuación en Lady Bird (Greta Gerwig, 2017) confirma que este ha sido su año. Tambien puede influir que su química junto a Armie Hammer ha traspasado la pantalla y se ha convertido en inagotable fuente de suspiros, replanteamientos sexuales de multitudes y recopilatorio de imágenes y shippeos numerosos en Tumblr o Instagram.

En Cameo le premiamos por: Porque Call me by your name es una de las películas del año, con o sin Oscar. Capaz de unir a cínicos que no ven nada negativo en ella, como de levantar ampollas en los conspiradores del New World Order que ven ella una especie de manifiesto contra el orden “natural” de las cosas mientras se refugian en su oscura habitación y ahogan sus penas en oscuros temas de foros milenarios. Timothée, Armie, Guadagninos y James Ivory han creado una película optimista y realista a la vez, algo duro en estos tiempos. Si Paul Thomas Anderson parece advertirnos de esa enfermedad llamada amor en The Phantom Thread (2017), Guadagnino e Ivory a través de los memorables consejos de un padre dan la réplica. Para algunos un film esnob, elitista y burgués, para otros, una forma de filmar la experiencia del amor. 

6. LADY BIRD

Categoría: Mejor Película, Mejor Guion Original, entre otros.

Película: Lady Bird (2017).

¿Por qué es nuestro ganadora?: Su triunfo ya viene de antes, Greta Gerwig consiguió encandilar a la crítica especializada y al público y sus nominaciones fueron una confirmación de que su talento como directora es equiparable al carisma que había desplegado en la actuación. Saoirse Ronan consiguió un merecido Globo de Oro y su talento parece no acabarse. Es de esas pocas actrices capaces de actuar a través de la mirada. Bette Davis o Gena Rowlands como referentes, pero ella o Elisabeth Moss hacen del silencio y la mirada contenida un ejercicio único de introspección.

En Cameo la premiamos por: Quizá Lady Bird no sea un film redondo, pero desprende cariño, pasión y amor por el cine. Por melifluo que suene, a Guillermo del Toro esa veneración por un género y una forma de narrar historias le ha valido un Oscar. Greta Gerwig nos abre las puertas de un universo autoral donde la juventud se funde con el reto de la madurez, donde la experiencia es sinónimo de aprendizaje, y no de represión. Y es que quizá Laurie Metcalf merecía ese Oscar a Mejor Actriz Secundaria. Encarna a la madre que todos querríamos, y que algunos tenemos. La que no reacciona con deje burgués riéndose de nuestros problemas, sino que los hace suyos en un ejercicio de dolorosa empatía.

Para quienes no puedan esperar para verla de nuevo, puede tener un atisbo de Lady Bird en la maravillosa Frances Ha (Noah Baumbach, 2012).

7. AGNÈS VARDA

Categoría: Mejor Largometraje Documental.

Película: Caras y Lugares (Agnès Varda & JR, 2017).

¿Por qué es nuestra ganadora?: Porque es Agnès Varda, y punto. 89 años, desprendiendo vitalidad y una de las artistas a las que el cine le debe mucho. La felicidad (1965), Cleo de 5 a 7 (1962) y otras tantas hablan de una mujer que ama la vida tanto como las imágenes.

En Cameo le premiamos por: Al artista JR le debemos ser capaz de mostrar el genio de Varda en Caras y lugares, pieza cinematográfica a caballo entre el documental y el testamento vital de una directora cuya mirada nunca se ha apagado. Normal que Greta Gerwig la admire, resulta difícil no ver en ella el amor y las ganas de experimentar con la imagen y la narración que Varda no deja de mostrar. La directora francesa marcó la Nouvelle Vague, y sus lágrimas frente a la casa de Godard son el reflejo de una mujer para la que la curiosidad es la única forma de vida.

Estas han sido nuestras 7 no-ganadoras favoritas que desde Cameo hemos querido premiar. Sí, a nosotros también nos apena que estos films y actores se hayan ido de vacío, por eso siempre podéis ir a llorar a una hoguera o radiador si no disponéis de villas en La Toscana mientras suena Mistery of love de fondo y Sufjan Stevens os acuna en vuestro desconsuelo. Ah, ¿qué Mistery of love tampoco ha ganado el Oscar a Mejor Canción? Llorad malditos, en Cameo pronto encontraréis a algunas de nuestras ganadoras personales. 

Sin apenas darnos cuenta, está llegando Navidad. Un año más del anuncio de la lotería, de opíparas comilonas, incómodas discusiones sobre política y, cómo no, de dichosos villancicos. Han llegado los reencuentros, el momento de criticar al cuñado de turno, o de dejarte medio sueldo en un modelito que no volverás a usar.

Pero, sobre todo, son esos días en los que conseguir que tus invitados abandonen el preciado sofá de tu casa puede convertirse en “misión imposible”. Por mucho que lo intentes, parece que en tu hogar se sienten a gusto y su presencia se te antoja demasiado permanente. Si tus indirectas no sirven para que se den por aludidos, en Cameo ¡te podemos ayudar!

Aquí encontrarás una serie de originales y excepcionales películas que, sin duda, les darán ganas de levantarse del sofá.

Empezamos con El perfecto anfitrión: 90 minutos del humor más negro de Nick Tomnay. Basada en un corto del mismo autor, descubrimos la alocada noche de John Taylor, atracador de banco a la fuga, que se cuela en una fiesta en casa de Warnick Wilson, asistiendo a una particular cena de gala.

Cuando pasen las horas y el vino fluya sin parar, ambos terminarán descubriendo que las apariencias engañan. Créenos, con esta película tus invitados esperarán no acabar como los de la fiesta del “perfecto anfitrión”.

Si con la anterior película crees que no conseguirás echarles, quizá tengas éxito con una de vampiros. Te recomendamos la cinta neozelandesa Lo que hacemos en las sombras. Fue dirigida en 2014 por Taika Waititi (Thor: Ragnarok) y Jemaine Clement y, bajo una óptica desternillante, nos cuenta las peripecias de Viago, Deacon y Vladislav, tres vampiros que comparten piso y luchan por adaptarse a la sociedad moderna. Llevan una vida normal salvo porque son inmortales y solo pueden alimentarse con sangre humana. Cuando Petyr, su compañero del sótano, convierta a Nick en vampiro, ellos tendrán que mostrarle las virtudes de la vida eterna. Aunque para eterno, lo largo que se te hace el tiempo que pasan los suegros en tu casa mientras planeas excusas para echarles.

Continuamos las risas nerviosas con los zombis cubanos de Juan de los muertos, una comedia tan tronchante como sangrienta. Un ejército de muertos vivientes ávidos de carne humana pasea por las calles de la Habana. Poco a poco se va extendiendo el rumor de que disidentes pagados por los Estados Unidos son los culpables de esta situación. El pánico invade a la población y en medio del drama aparece Juan, quien ha descubierto que puede matar a los zombis destruyendo su cerebro y, con el eslogan “matamos a sus seres queridos” se ofrece a la gente pare eliminar por un módico precio a sus familiares infectados. Obviamente, no deseas ese final para tus familiares, pero… ¿necesitarás a Juan para deshacerte de ellos?

Si prefieres pasar a métodos más drásticos, puedes usar el “sutil” terror de Turistas. Calificada como “una de las películas más divertidas y sorprendentes del cine británico”, es una road movie protagonizada por una pareja que irá dejando cadáveres tras de sí en sus alocadas vacaciones. ¿Quieres saber cómo termina? La tienes en Cameo.

Y si te apasiona el mal rollito familiar, apuesta por Canino, una de las primeras películas (2009) del griego Yorgos Lanthimos (Langosta), ahora en cartelera con El sacrificio de un ciervo sagrado. La trama se centra en un matrimonio con tres hijos que viven en una casa rodeada de un alto muro en las afueras de su ciudad. Los chicos no han salido nunca de casa y han recibido una educación sin ningún tipo de influencia del exterior. La única persona con permiso para entrar en la casa y romper su férreo aislamiento es Christina. El regalo que le hace una de las hijas tendrá importantes y dramáticas consecuencias. Ten por seguro que esta película no les dejará para nada indiferentes.

Para terminar, si lo que te va es la ciencia ficción, te ofrecemos una “marcianada” dirigida por Joe Cornish. Attack the block se ambienta en pleno Londres, donde unos jóvenes deben enfrentarse a una invasión alienígena. De la noche a la mañana, un bloque de pisos se convierte en una fortaleza sitiada y un grupo de adolescentes de la calle en héroes. La lucha entre el guetto y el espacio exterior ha comenzado…

Recuerda: aunque a veces tu suegra pueda parecer una alienígena, debes saber que los aliens NO existen.

Todas ellas son películas que, aunque al final no logren resolver esas pequeñas incomodidades navideñas, seguro que consiguen hacerte pasar buenos momentos, ya sea en familia o en la (finalmente alcanzada) soledad de tu hogar. Ya sabes, si es con cine, se pasa mejor.

Hoy en Cameo te proponemos una serie de títulos para disfrutar viendo el mejor cine de autor en DVD. ¿Comenzamos?

6 obras de cine independiente que no pueden faltar en tu colección

Verano 1993

Carla Simón dirige esta ópera prima, que representará a España en la 90ª edición de los Óscar, compitiendo en la categoría de Mejor película de habla no inglesa. Verano 1993 narra la historia de Frida, una niña de 6 años que acaba de perder a su madre a causa del sida y, siguiendo los deseos de ella, se va a vivir al campo con sus tíos y su prima Anna. Durante el verano de 1993, Frida debe aceptar su pena y dolor y Carla Simón se encarga de transmitir el sentimiento de un corazón infantil roto con suma delicia. Disponible en formato DVD y Blu-ray.

https://www.youtube.com/watch?v=tNUYLwQZK5M

¡Lumière! Comienza la aventura

En 1985, Louis y Auguste Lumière inventaron el Cinematógrafo y rodaron algunas de las primeras películas de la historia de la imagen en movimiento. Con su descubrimiento de la puesta en escena, los travellings de seguimiento e incluso los efectos especiales y los remakes, también inventario el Séptimo Arte.

Ahora, Thierry Frémaux, director del Festival de Cannes y del Institut Lumière, ha seleccionado 114 de estas pequeñas obras maestras para conmemorar el legado de los Lumière.

Con 90 minutos de duración, el documental ofrece una mirada única sobre Francia, el séptimo arte y el mundo que inaugura el siglo XX. Aprenderás un poco más sobre la historia del cine y su evolución hasta llegar a ser lo que es hoy en día. Adquiere la edición limitada con la funda roja, en DVD o Blu-ray en Cameo. 

Colossal

Anne Hathaway protagoniza este film del español Nacho Vigalondo coproducido por Canadá y España. Narra la historia de Gloria, quien, tras haber perdido su trabajo y a su novio, descubre que tiene una misteriosa vinculación con un monstruo gigante el cual está destruyendo la ciudad de Seúl. Una de las mejores producciones del año del siempre recomendable Vigalondo. Disponible en Cameo en formato DVD y Blu-ray.

https://www.youtube.com/watch?v=n8mhVwiXhCE

Toni Erdmann

Este filme germano-austríaco compitió en la 89ª edición de los Premios Oscar como mejor película de habla no inglesa, aunque el premio recayó finalmente en El viajante. Una comedia con tintes dramáticos que cuenta la historia de Ines, una joven alemana que trabaja en una importante consultora en Bucarest. Su vida está bien organizada hasta que su padre Winfried llega de improvisto y la pregunta: ¿eres feliz? Ella, incapaz de contestar, sufre un gran cambio. Su padre va a ayudarla a dar sentido a su vida gracias a un personaje imaginario, Toni Erdmann. Encuéntrala en Cameo en formato DVD y Blu-ray.

https://www.youtube.com/watch?v=9rwiLnZUpwE

Elle

Es un film de suspense psicológico dirigido por Paul Verhoeven y coproducido por Francia, Bélgica y Alemania. La cinta narra la historia de Michèle, una mujer de negocios que es violada en su casa por un desconocido y decide vengarse. Isabelle Huppert compitió contra grandes actrices en la 89ª edición de los Premios Oscar por el premio a la mejor actriz, y su interpretación ha sido muy aclamada, obteniendo un Globo de Oro, un César y un Spirit Award, entre otros.

Moonlight

Esta película estadounidense escrita y dirigida por Barry Jenkins, se basa en la obra teatral In Moonlight Black Boys Look Blue, de Tarell Alvin. Ganadora de 3 Oscar a mejor película, mejor guion adaptado y mejor actor de reparto. Moonlight se divide en tres segmentos y cuenta la infancia, adolescencia y madurez de Chiron, un chico afroamericano huérfano de padre que creció en un suburbio conflictivo. La película narra sus dificultades para relacionarse con las personas de su entorno y sus capacidades para desarrollar su afectividad y aceptar su homosexualidad. Se trata de una película con temática LGTB aclamada por el público y alabada por la crítica. A parte de ser una película didáctica engancha e impacta a todo aquel que la ve. La puedes encontrar en Cameo en formato DVD y Blu-ray.

https://www.youtube.com/watch?v=lMjMQwVKk8A

¿Preparado para un maratón del mejor cine europeo e independiente? 

Cada vez resulta más complicado encontrar regalos originales. ¿Por qué, en vez de optar por un regalo físico cualquiera, no agasajas a tus seres queridos regalándoles horas del ocio que más les gusta? Sí, sí, hablamos del cine. Del cine de autor, independiente, del cine con sello europeo, de las mejores series, de sus películas favoritas en ediciones limitadas. Regala Cameo.

Te ayudamos a elegir entre los mejores títulos. Aquí van nuestras recomendaciones de cara a las señaladas fechas.

Cine independiente y documental en DVD

Ediciones especiales. En nuestra web puedes encontrar un amplio abanico de posibilidades para regalar. Te proponemos las ediciones especiales. ¿Qué mejor ocasión que ésta sino?

Aunque estemos en invierno, la dulzura de Verano 1993 nos conmoverá. Una edición especial con hora y media de extras de la “película española del año”, que podría competir por el premio a la mejor película de habla no inglesa en la próxima edición Oscar.

Pero si prefieres regalar humor elige la edición “Pata Negra” de Carmina y amén, un combo DVD+BD con el que sorprenderás seguro. O si, por el contrario, prefieres las tramas de misterio, terror o fenómenos paranormales, la trilogía de Death Note es para ti.

Poesía. Para los sedientos de versos y amantes de la literatura, también tenemos opciones. El pack combo Poesía sin fin de Alejandro Jodorowsky contiene una edición en DVD y Blu-ray muy, muy especial donde el famoso escritor retrata sus años de juventud. Este es su segundo proyecto autobiográfico, después de la publicación de "La danza de la realidad".

Las series. Si crees que lo mejor son las series de ciencia ficción, terror y suspense, tenemos una buena noticia que darte. Ya está disponible la séptima entrega de la serie The Walking Dead en formato DVD y Blu-ray, y en breve también lo estará el pack completo con las 7 temporadas (tanto DVD como Blu-ray). Disfruta de todas las temporadas de una de las series de moda con la mejor calidad de imagen y sonido.

Naturaleza. No hay hogar en el que no haya un aficionado a los documentales. Y no hay nada mejor que verlos en alta definición. Los detalles sí cuentan y tener la opción de disfrutar de Planeta Tierra II en 4K Ultra Alta Definición te aseguramos que es un regalazo que va a encantar a quien lo reciba. Te dará las gracias eternamente por permitirle sumergirse en increíbles paisajes, planos y puntos de vista antes no vistos y detalles sin precedentes gracias al equipo de BBC Earth, que lo ha hecho posible.

Colección ConCINEncia. Una mirada renovada del mundo que nos rodea, a través del cine. Conoce esta colección que nace de la colaboración entre Cameo y el Instituto esMindfulness. Una serie de documentales para aprender a vivir el presente como nunca antes lo habías hecho.

A la última. Si lo tuyo es sorprender con novedades, descubre lo más nuevo de nuestro catálogo. Encontrarás títulos como Julia Ist, 50 primaveras, En la vía láctea, La Promesa, la premiada Estados Unidos del Amor o la bocanada de aire fresco Sieranevada.

Esto son solo algunos de los títulos que te ofrecemos. No dudes en visitar nuestro catálogo y elegir la opción que mejor se adapte a lo que buscas. En Navidad regala cine y acertarás.

La capital sevillana, con el objetivo de atraer al mayor número de espectadores posibles, tiene una apuesta inamovible, el cine de autor contemporáneo. Para velar por el cumplimiento de este propósito, el festival llega cargado de novedades. Una de ellas es la ampliación de la sección Europa Junior que esta vez quiere completar el aforo de las salas con más de 20.000 jóvenes y adolescentes.

En esta nueva edición por la alfombra roja hispalense pasarán conocidos actores. Mario Casas, Geraldine y Oona Chaplin, Berto Romero, Irene Escolar o José Coronado son algunos de los nombres más conocidos. Los grandes directores tampoco han querido faltar: Mathieu Amalric, Carlos Marqués-Marcet, Manuel Mozos, Thierry de Peretti, Serge Bozon o Rachi Hami junto a otros 50 más, estarán defendiendo sus obras delante del público y, por supuesto, del jurado.

Siete días de estrenos que inundan Sevilla de magia

El festival se abrirá con el estreno de Tierra Firme, la nueva obra de Carlos Marqués-Marcet, que repite con la pareja protagonista de 10.000 KM: Natalia Tena y David Verdaguer, y cuenta además en el reparto con las herederas del clan Chaplin: Geraldine y Oona. Esta comedia aborda el “gran dilema”: ¿es posible vivir el amor, la familia, y la vida de formas tan distintas y aún así permanecer unidos?

Esta edición nos trae grandes alegrías. No podemos faltar al visionado de Las Guardianas, de Xavier Beauvois, Jupiter’s Moon, de Kornél Mundruczó o El taller de escritura, distribuida por Golem. Esta última, que podemos ver en la Sección Oficial del Festival, cuenta la historia de Antoine, un chico que acepta formar parte de un taller de escritura como parte de un programa de integración social. A raíz del trabajo, su director Laurent Cantet, nos traslada al pasado obrero de la ciudad francesa de La Ciotat.

Una de las favoritas de este año es Insyriated, de Philippe Van Leeuw, que llega a la capital hispalense tras recibir el Premio del Público de la Sección Panorama y Premio Europa Label Cinemas.

Se trata de una representación de una encrucijada moral con el dilema de cuidar lo propio o defender lo justo.

Haneke es un imprescindible que, en esta ocasión, nos acerca en Happy End a la vida cotidiana de una familia burguesa. Un filme del que oiremos hablar mucho tras ser seleccionado para representar a Austria en los Oscar®.

El cine español de autor, como no podía ser de otra manera, también tendrá cabida en el Festival. Un total de nueve propuestas llegan desde diferentes zonas de la península, entre ellas Algo muy gordo, el nuevo trabajo de Carlo Padial, director de Mi loco Erasmus , al que deseamos la mejor de las suertes.

Todo esto y mucho más en Sevilla. “Esto es cine europeo”, reza su slogan. Disfrutemos, pues, de él y, mientras llega, aprovechemos para disfrutar del mejor cine europeo en nuestro salón de casa.

El miércoles 8 de noviembre, acompañados de las actrices Carla Linares y Laura Weissmahr y de Elena Martín (directora y actriz protagonista), presentaremos la edición en DVD de la película Júlia Ist en Video Instan.
 
La película fue premiada en el pasado Festival de Málaga con la Biznaga de Plata a la Mejor Película y Mejor Dirección, así como con el Premio Movistar+ a la Mejor Película dentro de la sección ZonaZine, y fue presentada también con gran éxito en el D’A Festival de Cinema d’Autor de Barcelona.
 
No ha pasado desapercibida allí donde se ha proyectado. De ella se ha dicho, entre muchas otras cosas:

• “Naturalidad interpretativa asombrosa”. Caimán Cuadernos de Cine
• “Irrenunciable, magnética”. El Mundo
• “Honesta, sensible y muy medida”. Fotogramas

 
La edición en DVD del film, producido por Lastor Media y distribuido en cine por Avalon, presenta las siguientes características:

• Audio: V.O. Castellano-catalán-alemán-inglés 5.1
• Subtítulos: Castellano, catalán e inglés
• Formato: 1.85:1 – 16/9
• Duración aproximada de 90 minutos
• Extras: Tráiler, ficha artística y técnica

 
Júlia Ist cuenta la historia de Júlia, que decide irse de Erasmus a Berlín. Se irá de casa por primera vez, sin pensarlo demasiado, a la aventura. La ciudad, fría y gris, le da una bienvenida más gélida de la que se esperaba y confronta sus expectativas con la realidad: su vida parece estar lejos de aquella nueva vida que se imaginó en las aulas de la universidad de arquitectura de Barcelona.

 
El DVD estará a la venta a partir del mismo día 8 de noviembre. Os esperamos a todos en Video Instan (Enric Granados, 30) a las 20h.

Nos enorgullece decir que, de nuevo de la mano del sello Wanda Natura, os podemos presentar ya la esperada edición de la serie documental Planeta Tierra II en DVD, Blu-ray y, por primera vez en nuestro catálogo, 4K UHD. Se trata de la esperada segunda parte de Planeta Tierra, una de las series más espectaculares, premiadas y superventas de la historia.

Gracias a las nuevas técnicas de filmación, se ofrecen imágenes aún más sorprendentes y sobrecogedoras de la vida en la Tierra. Siguiendo la misma fórmula que conquistó a millones de espectadores y contando con técnicas de filmación aún más avanzadas que en la anterior edición, Planeta Tierra II nos brinda imágenes más sobrecogedoras si cabe y que solo son posibles gracias a la tecnología actual.

A través de junglas, desiertos, montañas, islas, llanuras y ciudades, Planeta Tierra II explora en sus 6 episodios, y de una manera única, los hábitats naturales del mundo a la vez que comparte los momentos más apasionantes de la vida de los animales. Mike Gunton y Tom Hugh-Jones son los responsables de esta superproducción donde el prestigioso compositor Hans Zimmer (Piratas del Caribe, El rey león) firma la banda sonora original.

Conducida por David Attenborough, cosechó excelentes índices de audiencia en su estreno en el Reino Unido convirtiéndose, además, en fenómeno viral gracias a la que ya ha sido bautizada como "la mejor escena de naturaleza de la Historia", en la que una iguana lucha por sobrevivir ante el ataque masivo de un amplísimo grupo de serpientes.

En los seis capítulos, divididos por hábitats (incluyendo a las ciudades), el equipo de la BBC recorre el mundo cargado con la última tecnología para mostrar hasta el último detalle de los animales más asombrosos. Desde un perezoso que debe cruzar un río a nado para buscar a una hembra hasta las imágenes de un leopardo de las nieves grabado a escasos metros (en la anterior entrega también lo grabaron, pero a demasiada distancia) pasando por la hipnótica visión (de nuevo con un buen montaje musical) de varios osos rascándose la espalda en los árboles. Y un extra magnífico: seis píldoras de menos de diez minutos explicando cómo se registraron algunas de las escenas más impactantes.

“Con Planeta Tierra II nada es demasiado épico” - El País.
“Los habitantes del Planeta Tierra, como nunca antes se habían visto” - El Mundo.

La 62 edición de la Semana Internacional de Cine de Valladolid, la Seminci, que se celebrará entre el 21 y el 28 de octubre, rendirá homenaje a la Escuela de Barcelona coincidiendo con los 50 años del nacimiento de este innovador movimiento cinematográfico. Fue, precisamente, durante la temporada 1966/67 cuando llegó a las pantallas una primera ola de sus títulos más emblemáticos.

El ciclo, coorganizado con la Filmoteca de Cataluña, incluye 15 de los títulos más representativos de esta escuela sin aulas forjada en la Barcelona de los 60 y de la que emergieron cineastas como Jacinto Esteva, Joaquim Jordà, José María Nunes, Ricardo Bofill, Pere Portabella, Carlos Durán, Gonzalo Suárez, Vicente Aranda o Jordi Grau.

Surgida en pleno franquismo pero más cerca de la Nouvelle Vague francesa que del neorrealismo italiano, la Escuela de Barcelona jugó un papel fundamental de provocación cultural y rotura de los moldes establecidos. Era la vertiente cinematográfica de un movimiento mucho más amplio, la irónicamente denominada "gauche divine", que incluía arquitectos, editores, diseñadores de moda o fotógrafos. Gente de mucho talento que se atrevieron a mirar el mundo a través de las rendijas que dejaba el franquismo desde una pequeña isla de libertad que lanzaba crípticos mensajes sobre una realidad deseada.

Los jóvenes directores de la Escuela de Barcelona, ​​un grupo improvisado, magmático y cambiante, querían hacerse un hueco en la industria con producciones que supusieran un revulsivo en relación al cine que hasta ese momento se había hecho en el país, con temáticas muy personales y buscando siempre la modernidad y nuevas formas de expresión.

Mesa redonda

En el marco de esta retrospectiva, el domingo 22 de octubre, la Seminci celebrará una mesa redonda coordinada por Esteve Riambau, director de la Filmoteca, y el periodista y escritor cinematográfico Mirito Torreiro, ambos autores del libro La Escuela de Barcelona: El cine de la gauche divine, publicado por Anagrama en 1999. También se presentará un pack de 4 DVD con la obra completa de Jacinto Esteva y participarán algunos directores y actrices de este movimiento cinematográfico: Serena Vergano, Romy, Teresa Gimpera, Gonzalo Suárez, Jordi Grau y Pere Portabella.

Un DVD dedicado a Jacinto Esteva

Arquitecto, pintor, escritor y cazador, Jacinto Esteva fue mucho más que el centro cinematográfico de la Escuela de Barcelona. Director, junto con Joaquim Jordà, de la que se considera película-manifiesto de la Escuela de Barcelona, ​​Dante no es únicamente severo, Jacinto Esteva es el protagonista de un pack de 4 DVD editado por Cameo con la colaboración de la Filmoteca de Cataluña que, bajo la iniciativa de su hija Daria, recupera su filmografía y descubre un personaje más sensorial que racional, un pozo de energía difícil de canalizar. Esta edición se presentará en Valladolid, y el próximo 2 de noviembre a las 18.30 h en la Sala Laya de la Filmoteca de Catalunya.

Las películas del ciclo

El ciclo que la Seminci dedica al cine de la Escuela de Barcelona incluye los siguientes títulos:

Notes sur la émigration. Espagne 1960 (Jacinto Esteva), 1960
Noche de verano (Jordi Grau), 1963
Circles (Ricardo Bofill). Cortometraje documental, 1966
Noche de vino tinto (José María Nunes), 1966
Fata Morgana (Vicente Aranda), 1966
Una historia de amor (Jordi Grau), 1966
Dante no es únicamente severo (Jacinto Esteva, Joaquim Jordà), 1967
No contéis con los dedos (Pere Portabella). Corto, 1967
Nocturno 29 (Pere Portabella), 1968
Cada vez que ... (Carlos Durán), 1968
Ditirambo (Gonzalo Suárez), 1969
BiBiCi Story (Carlos Duran). Corto, 1969
El extraño caso del Doctor Fausto (Gonzalo Suárez), 1969
Esquizo (Ricardo Bofill). Largometraje documental, 1970
Lejos de los árboles (Jacinto Esteva). Largometraje documental, 1963/1972

Un año especial que reúne en torno al 50 aniversario del Festival a reseñables figuras del panorama internacional como Guillermo del Toro, Susan Sarandon, Dario Argento y William Friedkin. Y un sinfín de actividades con las que disfrutar.

La obra “The shape of water (La forma del agua)” de Guillermo del Toro abre el ciclo de grandes visionados. Una puesta de gala de diez con esta película que llega con el León de Oro del pasado Festival de Venecia bajo el brazo.

Y del León de Oro al Mejor Guion (ex aequo) en Cannes, presente en la Sección Oficial de Cine Fantástico a manos de la esperadísima “The Killing of a Sacred Deer (El sacrificio de un ciervo sagrado)”, película con un reparto de excepción encabezado por Colin Farrell y Nicole Kidman y bajo las órdenes de Yorgos Lanthimos, que ya nos sorprendió gratamente con otros filmes como Langosta, Canino o ALP.

Clásicos del cine y última tecnología, en un mismo espacio

Es imposible hablar del Festival de Sitges sin mencionar algunas de las cintas que han dado vida a este encuentro anual. “El Exorcista”, “Suspiria” o “La Cumbre Escarlata” entre otras son obras que, previamente al inicio del Ciclo Oficial del Festival, se han podido ver en una serie de visionados dedicados a sus grandes clásicos.

Pero el Festival, además de mirar con cariño a su pasado, echa la vista hacia adelante con la mirada puesta en los millenials y las nuevas generaciones. Los gustos han variado y también la forma en la que consumimos ocio y arte.

Por ello, el Festival apuesta con fuerza por la realidad virtual (VR) a través de Samsung Sitges Cocoon, el ciclo de filmes de realidad virtual que, como novedad en 2017, cuenta con dos espacios con tecnología Samsung Gear VR, para deleite de todos los aficionados. Las 18 películas en VR se podrán ver en la carpa Samsumg VR Experience del Hotel Meliá y el Samsung VR Cinema en Centro Cultural Miramar, una innovadora sala de cine VR sincronizada.

Las series de género también tienen su espacio en la ciudad catalana. Si te gustó la primera temporada de “Stranger Things”, no te pierdas la presentación de la segunda el día 8 de octubre en el Festival, con la presencia de sus protagonistas Millie Bobby Brown y Noah Schnapp.

Al frente del cine de animación, encontramos el homenaje a los cien años de animación japonesa, dentro de la sección Anima't.

Representación española en el Festival

La 50ª edición del Festival cuenta, un año más, con una destacada oferta local. En la sección oficial podremos ver la reinterpretación de un cuento vasco “Errementari”, de Paul Urkijo y apadrinada por Álex de la Iglesia. “Dhogs”, ópera prima de Goteira; “Matar a Dios” de Caye Casas y Albert Pintó; “Black hollow cage”, de Sadrac González-Perelló; y “Maus”, de Yayo Herrero. Fuera de concurso, otros grandes nos esperan. La muy esperada “Musa” de Jaume Balagueró, “El secreto de Marrowbone” de Sergio G. Sánchez (conocido por sus guiones para ‘El Orfanato’ y ‘Lo Imposible’, de J.A. Bayona) y “La Pell Freda”, del director francés Xavier Gens y basado en el best seller (comercializado en más de 37 países) de Albert Sánchez Piñol, y cuya edición en DVD y Blu-ray verá la luz en 2018 de la mano de Cameo.

Tu propio Festival de Sitges en casa

¿Preparado para un maratón del mejor cine fantástico y de terror?, Puedes ver todo el programa de películas del Festival en su web oficial e ir abriendo boca con nuestro catálogo de películas de terror, nuestra selección de cine fantástico o aprovechando que este año se celebra la 50º edición, rescatar el pack Festival de Sitges que lanzamos con motivo del 40º aniversario.

Estas casi 13 horas de emocionante intriga y entretenimiento nos llegan en un momento ideal para volver a la rutina y despedirnos del verano desde el sofá de nuestra casa. La duda es ¿seremos capaces de verlo poco a poco sin devorarlo en un único fin de semana? Viendo cómo acabó la sexta y cómo comienza esta temporada… apostamos que no.

Para quienes no recuerden cómo quedó la trama, en estos capítulos nuestro grupo de supervivientes favoritos seguirá luchando por mantenerse en un mundo donde el peligro viene cada vez menos de los caminantes, y más de los propios grupos de vivos, a quienes no les queda más remedio que tratar de forjar alianzas entre comunidades de supervivientes (en concreto El Reino, Alejandría y Hilltop) para superar las amenazas de los Salvadores. Por fin veremos a Rick y Negan enfrentados en los momentos más álgidos de la serie.

Un inicio de temporada secreto

Si viste el final de la sexta temporada es muy posible que no puedas esperar a comenzar con la séptima, y no nos extraña. Lo que sí podemos adelantarte es que al principio de esta séptima temporada de The Walking Dead conocerás la identidad de las víctimas de Negan, que se mantuvieron en el anonimato al final de la sexta temporada. El final de la anterior temporada es tan emocionante, que la productora quiso asegurarse de guardar bien el secreto de qué personaje sería el que moriría en el primer capítulo de la séptima. En esta época de hackers, internet y filtraciones no es nada fácil guardar secretos para una de las series más vistas del mundo, por lo que la productora decidió grabar la muerte de todos los personajes para que no hubiera lugar a filtraciones. Además, durante esta séptima temporada hay más novedades como la introducción del conocido personaje del cómic Ezekiel, así como su mascota, el imponente tigre Shiva o los nuevos espacios del Reino y el Santuario.

Una serie que bate récords

The Walking Dead se estrenó el 31 de octubre de 2010. Desde entonces y durante sus siete temporadas (la octava está por estrenar) no ha hecho más que coleccionar nuevos éxitos y superarse a sí misma en lo que se refiere a audiencia, convirtiéndose en una de las series más vistas y seguidas del mundo.

Lejos de perder interés y calidad a lo largo de su extensa trayectoria, como suele suceder con algunas series que se alargan en los años, The Walking Dead ha conseguido mantener a su fiel público en vilo. Cosa que le ha proporcionado un gran número de nominaciones y premios en el sector.

La espera ha terminado. Por fin tenemos disponible el pack en DVD o Blu-ray de la séptima temporada de The Walking Dead. Tanto si eres un fan incondicional de la serie que ha visto todas las temporadas o te quedaste en la sexta, te mereces llevarte a casa esta obra maestra de la televisión para verla y reverla hasta la saciedad.

La edición número 65 de este multitudinario festival se celebrará del 22 al 30 de septiembre y, como cada año, verá desfilar por su alfombra roja a los más prestigiosos intérpretes y creadores audiovisuales, entre los que destaca nuestro querido Ricardo Darín, que recibirá el Premio Donostia.

El actor argentino se presentará en la capital guipuzcoana con el filme “Cordillera” bajo el brazo, que acompañará a otras proyecciones confirmadas como la última película de Michael Winterbottom “The Trip to Spain”, “El Autor”, de Martín Cuenca, “Princesita”, de la debutante Marialy Rivas y “Loving Pablo”, la película sobre Pablo Escobar dirigida por Fernando León de Aranoa y protagonizada por Javier Bardem.

Además, se podrá disfrutar de las proyecciones de films que llegarán al catálogo de Cameo durante el próximo 2018. Entre ellos encontramos títulos como “Happy end”, la última creación de Michael Haneke; “¡Lumière! Comienza la aventura”, del director del festival de Cannes Thierry Frémaux; “The Square”, del oscarizado Ruben Östlund y ganadora de la Palma de Oro del pasado Cannes; “La gran enfermedad del amor”, dirigida por Michael Showalter; lo último de Hong Sangsoo, “The Day After”; “La educación del rey”, de la mano de Santiago Esteves, o “El tercer asesinato”, un thriller de Hirokazu Koreeda.

Otra de las novedades que el Festival nos trae este año es la inclusión, y por primera vez en una sección oficial, de dos series en su programa.

Se trata de 'La peste', dirigida por Alberto Rodríguez y con Paco León entre el reparto, y 'Vergüenza', de Juan Cavestany y Álvaro Fernández Armero, con Malena Alterio como protagonista.

Un repaso a la historia del Festival de San Sebastián desde el salón

Muchos de nosotros nos tendremos que conformar con seguir este evento a través de las noticias, pero si quieres captar todo el encanto de San Sebastián y su festival desde tu propia casa, solo tienes que hacer un recorrido por algunos de los títulos que han pasado por su cuidada selección. 

Bigas x Bigas

Presente en la sección oficial de 2016, este documental magistralmente dirigido por su principal protagonista hace repaso al interesante recorrido vital del cineasta que nos dejó, entre otros, grandes títulos como “Las Edades de Lulú”, “Jamón, Jamón” o “Volavérunt”.

En el DVD de Bigas x Bigas encontramos un ejercicio experimental en el que Bigas Luna nos abre las ventanas de par en par a su mundo: su yo más íntimo y personal no solo como artista, sino como ser humano. Un visionado que nos permite disfrutar de esta joya a la vez que nos metemos en la piel de un director multipremiado en este festival.

Magical Girl

Una de las historias más conmovedoras y desgarradoras que han pasado por San Sebastián. Premiada con la Concha de Oro en 2014, la película nos plantea la interesante disyuntiva de saber en qué circunstancias la razón debe superar a los instintos y viceversa.

 Los Pasos Dobles

La edición de 2011 del Festival  la recordamos con cariño por premiar a este auténtico diamante en bruto al que homenajeamos con una interesante edición: un pack coleccionista de tres discos en el que se recoge no solo el resultado de la unión del cineasta Isaki Lacuesta y el artista Miquel Barceló, sino todo el proceso creativo que llevó a plasmar la suma del séptimo arte con el mundo de la pintura y la danza. Una obra imprescindible para los amantes de la cultura y el arte en su máxima expresión.

Colección Joyas del Festival de Donostia – San Sebastián

Si lo que te apetece es un auténtico maratón de magníficas películas y montarte tu propia sección oficial en casa, desde Cameo te ofrecemos los packs del Festival de San Sebastián, dos volúmenes que recogen cada uno una selección de 4 películas que pasaron por esta muestra de cine internacional.

Directores como Lars Von Trier y películas premiadas como “Media luna” (Concha de Oro 2007) o “Algo parecido a la felicidad” (Concha de Oro Mejor Película y Concha de Plata Mejor Actriz 2006), dan forma a estas colecciones que fueron arropadas por Mikel Olaciregui, director del Festival.

¡Edición Especial! Llega la trilogía de Death Note por primera vez en Blu-ray

Después de una década de éxito de una de las historias manga más conocidas mundialmente, el cuaderno del mejor detective del mundo vuelve a abrirse, pero esta vez con una muy buena noticia: por primera vez, podremos disfrutar de las tres películas de Death Note en Blu-ray en una edición muy especial.

Esta nueva edición cuenta con las dos primeras películas lanzadas en 2006 “Death Note” y “Death Note: el último nombre”, junto con un volumen más que se suma a la historia (“Death Note: el nuevo mundo”) y más de 4 horas extras de contenido.

Tendrás a tu disposición, además del pack en Blu-ray, el pack en DVD. Ambas ediciones contienen 4 discos, la mini-serie spin-off "La Nueva Generación" que consta de tres episodios precuela de la tercera película, más de 4 horas de extras, y un espectacular libro con información y análisis de la trilogía escrito por Mike Hostench, Subdirector del SITGES – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya. 

Volverá a sembrar el caos…en tu salón

Nuestra misión también es volver a sembrar el caos en la tierra, tal y como ocurre en este relato creado por el maestro Tsugumi Ohba, aunque nuestra intención es bastante distinta – y mucho menos agresiva.

Y es que Death Note es de esas historias que te propones ver poco a poco y de manera dosificada, pero acabas pasándote el fin de semana haciendo una maratón de manga; una película tras otra, en versión original, con subtítulos en japonés o sin ellos. Lo sentimos, pero esperamos que tú y tus amigos seáis víctimas de ello.

Eso sí: seguramente, y como sabrás si ya conoces la historia, acabes odiando al protagonista, Light Yagami por su toma de decisiones y su carácter a veces incomprensible. ¿Acaso no te volverías loco sabiendo que tienes un cuaderno bajo el brazo con la posibilidad de matar a cualquier persona que se cruce en tu camino?

¿Por qué una edición tan especial?

El éxito de este live-action (animación que acaba cobrando vida con personajes reales) ha expandido el fenómeno del cuaderno entre los fans y ha derivado en múltiples adaptaciones, entre ellas videojuegos, llegando a convertirse, incluso, en un musical. Y, cómo no, ha llamado la atención de los amigos americanos, que el 25 de agosto estrenarán mundialmente la película producida por Netflix.

Death Note es un fenómeno de culto en el que se plantea de forma inteligente uno de los temas más tratados en la cultura asiática: la lucha entre el bien y el mal, y abre un complejo debate acerca de la justicia y la humanidad.

Tanto si ya has visto la serie en todos sus formatos, pero te consideras fan incondicional y no puedes evitar esperar a ver las más de 4 horas extras, como si has decidido lanzarte a ver una de las historias más conocidas en el mundo del anime, ¡la trilogía de Death Note en Blu-ray es para ti y desde ya pasa a engrosar el catálogo de Cameo!

Colección Vial of Delicatessens, el mejor cine de culto para grandes cinéfilos

El sello videográfico Vial of Delicatessens, especializado en rescatar títulos inéditos del cine underground, clásicos, terror, serie B, y, en definitiva, el mejor cine de culto, llega a Cameo con nuevas entregas de su colección, para todos los amantes inconformistas de las rarezas del séptimo arte.

La colección Vial of Delicatessens ofrece una serie de películas del mejor cine clásico de terror con productos cinematográficos alternativos que difícilmente podríamos encontrar en las estanterías de los comercios tradicionales, pero que igualmente han conseguido calar a un púbico amante y fiel a este género y sus variantes.

El sello nació gracias a Victor Olid, quien llevaba años con el deseo de editar un cine experimental y de vanguardia o, tal y como él comenta: “editar incluso aquello que nadie más quiere editar”. Poco a poco la idea y su pasión – o adicción – por el cine fue creciendo hasta consolidar esta iniciativa junto a Ferran Herranz.

Grandes clásicos del terror para disfrutar

El sofá te espera y el temporizador del microondas avisa de que las palomitas están listas. En el salón solo faltas tú y tu dedo pulgar mágico con el que darle al play para poder disfrutar de esta excéntrica, particular y atrayente colección. 

Los Come Gusanos, La Cripta de las Condenadas y el Asesino Sangriento son solo algunas de las 19 películas que podrás ver y repetir todas las veces que quieras. 

Los Come-Gusanos

Este film de Herb Robins (La Casa de los Horrores) supuso un pequeño fenómeno en los drive-in americanos en los años 70 y fue con el que por primera vez en el cine (y suponemos que última) se vio a gente que comía gusanos.
La historia gira en torno a un hombre solitario que vive en las afueras de California y que, tras ser obligado a abandonar su propiedad, decide vengarse liberando un sinfín de gusanos con los que la gente empezará a infectarse y transformarse en monstruos.

La Cripta de las Condenadas

Una de las historias más inéditas de uno de los grandes maestros de la vanguardia como Jess Franco, vista solo en festivales como El Festival de Sitges o BUTT Film Fest de Núremberg.

En estos dos DVD podrás disfrutar de la primera y la segunda parte de este grupo de mujeres endemoniadas y encerradas en un cementerio por una maldición que, al parecer, no les impide disfrutar de la perversión y el placer.

La orgía sangrienta de las mujeres demonio

Nunca estrenada en España, esta es una de las películas más representativas del terrorífico estilo de Ted V. Mikels, y uno de sus mayores éxitos de los años 70, en el que no falta de nada: ¡brujería, fantasmas, sangre y exorcismos!

Mara, la Reina de la Brujería Negra, siempre secundada por su manada de Vírgenes Voluptuosas, atrapa bajo su hechizo a la pareja formada por Lorraine y Mark. Unos horribles asesinatos arrastrarán a los protagonistas al reino del mismísimo Satán, para vivir torturas que no podían imaginar.

El contenido extra, una joya de gran valor

Una de las características de esta colección y, en general, de prácticamente todas las obras de Vial of Delicatessens es el gran valor del contenido extra. Y es que, a veces, muchos de los DVD se venden precisamente por estos minutos adicionales que acaban completando la experiencia creada a partir del film.

Si te consideras un gran cinéfilo amante del género de serie B, trash, experimental, vanguardista, transgresor y todas sus variantes, ¡no dejes pasar de largo esta magnífica colección!

De eso hablamos en nuestro recorrido cinéfilo de hoy: de películas cuya trama va de la mano de lugares del mundo que no sólo sirven de telón de fondo, sino que son importantes figurantes que forman parte del guion. Déjate enamorar por los encantos de nuestro planeta y viajemos juntos por distintos rincones de la Tierra: seguro que entre alguno de estos títulos encontrarás tu próximo destino vacacional.

La Bella Italia

Empezamos con un país mágico, un país perfecto para escapar de todo o para envolverte de un entorno que, de hermoso, simplemente embriaga, tal como reflejan películas como La Gran Belleza o la reveladora Viaje a Italia. 

Nuestros vecinos mediterráneos no sólo cautivan con sus paisajes de excepción y una gastronomía ampliamente reconocida a nivel mundial, sino también con un carácter y una forma de vivir la vida que embiste y es capaz de revolverlo todo, como verás en títulos como Génova o Cegados por el Sol. Atrévete a recorrer de la Toscana hasta Calabria y descubrir lo que es de verdad “la dolce vita”.

Siempre nos quedará París…

… O la campiña francesa. Italia es un “must” pero no podemos olvidarnos de la romántica Francia. Un país que sin duda nos invita a recorrerlo de principio a fin, y a disfrutar de él tal como hacen los protagonistas de Un Amor de Verano, París a toda costa, Un Doctor en la Campiña o El Último Verano.

Títulos que retratan los mágicos escenarios de la Provenza, Los Alpes, las costas de Normandía y otros grandes tesoros entre los que no puede faltar su capital, con sus aires románticos y su picaresca asomando en películas como Mi Casa en París o Midnight in Paris. ¡Bon voyage!

Una mirada a mundos lejanos…

Habiendo recorrido Francia e Italia es hora de emprender vuelo hasta zonas mucho más lejanas, como la mágica Irán: un escenario que injustamente se asocia a tierra de conflictos y donde el día a día queda ensombrecido por las noticias. Por ello, es de justicia que películas como Taxi Teherán dibujen la cotidianeidad de una ciudad colorida, vibrante pero sobre todo llena de vida.

… y al país del Sol Naciente

Si aún estamos con ganas de seguir nuestro viaje, un país tan asombroso como Japón nos espera al otro lado del mundo. Su monte Fujiyama y sus característicos cerezos en flor han dibujado los escenarios de miles de fotogramas de la historia del cine.

Fotogramas como los de Ahora sí, antes no, o de El Verano de Kikujiro, con un yakuza en horas bajas.

New York, New York

No nos extraña que el gran Frank Sinatra se dejara su atronadora voz repitiendo sin cesar el nombre de esta ciudad. De igual forma que no nos extraña que el mayor plató del mundo haya sido tantas veces fuente de inspiración del inigualable Woody Allen.

Así que no podemos dejar el pasaporte sin sellar en la Gran Manzana, la tierra de las oportunidades, y aunque sea desde una perspectiva aún más cercana y sin desayunos en Tiffanys, debemos pasearnos por allí y visitar la encantadora Verano en Brooklyn.

El mundo a tus pies

¿Te ha sabido a poco este viaje a lo largo de los lugares más cinéfilos de este mundo? Aún puedes llenar tu retina de imágenes inigualables como las que aparecen en La Sal de la Tierra: un trabajo único donde verás los territorios más vírgenes de nuestro increíble planeta.

Y si te dan vértigo los viajes intercontinentales no tienes por qué salir de nuestras fronteras: te proponemos convertirte en protagonista de cualquiera de las historias de amor que se confluyen en la noche más corta del año en Barcelona Noche de Verano.

Hagas las maletas o no, en Cameo te esperan cientos de títulos donde poder emprender los más asombrosos viajes y con historias que igualmente te marcarán.

Por ello, aprovechando que esta semana lanzamos en DVD y Blu-ray el espectacular documental “Cantábrico” el 21 de julio, y que ya podemos anunciar que en otoño presentaremos en DVD, Blu-ray y 4K Ultra HD la segunda parte del exitoso “Planeta Tierra”, os proponemos una selección de los mejores documentales sobre espacios naturales, encabezados por estas dos obras que, sin duda, deberían estar presentes en la colección de cualquier amante de la naturaleza y el séptimo arte.

Cantábrico: el paraíso cercano

¿En cuántas ocasiones hemos deseado cerrar los ojos y aparecer frente a los espectaculares paisajes naturales que tantas veces hemos visto reflejados en el cine, en espacios como el Gran Cañón del Colorado o los frondosos y gélidos bosques canadienses?

Gracias a Cantábrico nos damos cuenta y tomamos conciencia de que podemos disfrutar de todos estos escenarios naturales apenas a unos kilómetros de distancia: en la cordillera norte de nuestro país, perfectamente retratada en imágenes que son testigo de la enorme riqueza y diversidad que desborda cada rincón de este privilegiado tesoro de nuestro país.

El documental Cantábrico paga generosamente la deuda que tenemos con el norte peninsular, mediante una obra que reinterpreta magistralmente la forma de hacer documentales, sumergiéndonos de pleno en el entorno.

Planeta Tierra

El próximo otoño llega a Cameo la segunda parte de una de las obras cumbre del documental de naturaleza, mientras tanto, podemos disfrutar de la espera con su primera parte: la impresionante y multipremiada serie Planeta Tierra.

Una obra a cargo de la prestigiosa cadena inglesa BBC que no sólo revolucionó la forma de hacer documentales con tecnología propia de superproducciones de estudio aplicadas a espacios naturales de impresión, sino que puso en valor como nunca nuestra mayor riqueza: nuestro entorno.

Guadalquivir

Si con Cantábrico apreciábamos la necesidad de poner en valor el norte peninsular, es de justicia hacer lo propio con la riqueza de la que también disponemos privilegiadamente en el sur del país.

Desde su nacimiento en la imponente Sierra de Cazorla hasta su desembocadura en pleno Parque Nacional de Doñana, uno de los ríos con más carácter de todo el territorio hace un recorrido que nos transporta hacia la más rica biodiversidad, plasmada elegantemente y a ritmo del curso de sus aguas en el documental Guadalquivir, que nos hace viajar de forma trepidante al corazón de Andalucía a través de su no menos envidiable fauna y flora.

Nómadas del viento

En ocasiones acudimos a ver una película buscando aventuras, trepidantes tramas y guiones que nos mantengan enganchados a lo que sucede tras la pantalla, olvidando que mucha de esa acción la encontramos día a día en nuestro entorno natural.

De este planteamiento parte el documental Nómadas del Viento, que narra apasionadamente el viaje de las aves migratorias y todos las circunstancias a las que se enfrentan durante los miles de kilómetros que recorren a través de océanos, desiertos, llanos y montañas: todos ellos con sus peculiaridades y también peligros.

¿Con ganas de seguir explorando la Tierra? Date un paseo por nuestra colección de documentales sobre naturaleza y rompe fronteras disfrutando de todo lo que nos rodea.

Este mes de Julio estrenamos la colección ConCINEncia. Una colección que nace de la colaboración de Cameo con el Instituto esMindfulness, dirigido por Andrés Martín, con la intención de facilitar herramientas que ayuden a ver la vida de otra forma y estar más presente. Nuestro ánimo al crear esta colección es del de conseguir crear CONCIENCIA a través del CINE. De ahí su nombre, ConCINEncia.

La colección está compuesta por documentales que intentan que comprendamos y conozcamos otras realidades que nos ayudan a estar más presentes, lo mismo que promueve la práctica del Mindfulness. Los títulos elegidos facilitan un entorno para cultivar la amabilidad, la compasión, el buen talante o la resiliencia, con el objetivo principal de inspirar al espectador.

Los dos primeros títulos, que lanzamos a la venta el 19 de julio son:
· INNSAEI: EL PODER DE LA INTUICIÓN, con el que podemos reflexionar sobre el poder que tienen las emociones en contra de vivir sólo de una forma racional.
· LA REVOLUCIÓN ALTRUISTA (THE ALTRUISM REVOLUTION), en el cual se debate si el ser humano es egoísta por naturaleza.

En septiembre llegarán: SPEED: EN BUSCA DEL TIEMPO PERDIDO, que pone en el punto de mira la excesiva presión del tiempo sobre el ser humano, a pesar de estar viviendo la época en la que más eficientemente se trabaja, y en la que más tiempo ahorramos gracias a las tecnologías. Y EMPATÍA, una historia sobre el respeto animal contada por un escéptico.

Antes de final de año presentaremos FROM BUSINESS TO BEING que nos ofrece una visión sobre los empleados que se encuentran bajo una gran presión y la depresión y otras consecuencias que esta les provoca.

Te invitamos a que las descubras, te inspires y que de alguna manera te ayuden a encontrar la felicidad y el equilibrio que ansiamos todos. Mientras, te dejamos con el enlace al vídeo de la colección.

Aquel julio de mediados de los ochenta se dieron cita simultáneamente en el emblemático estadio de Wembley (Londres) y en Filadelfia (EEUU) grupos como U2, Queen, The Who, Led Zeppelin, Black Sabbath, Beach Boys, The Pretenders, Dire Straits… y cantantes de la talla de Sting, David Bowie, Madonna, Bob Dylan, Mick Jagger, Paul McCartney, Elton John, Tina Turner y un largo etcétera que hicieron agitar a ritmo de buena música las conciencias de una sociedad que, ante la crisis humanitaria en Etiopía y África en general, miraban hacia otro lado.

En Cameo nos gusta la buena música tanto como el buen cine, por ello no faltan en nuestro amplio catálogo aquellas historias que versan sobre emblemáticos ídolos o películas en las que la banda sonora no es un mero acompañamiento sino parte del guion.

Como parte de esta celebración del Día Mundial del Rock, os traemos una selección de las mejores películas y biopics musicales.  Aquí no hay espacio para preparadas coreografías y coloridos bailes: abrid bien vuestros ojos y oídos ante una selección de los mejores acordes del planeta.

Gimme Danger

Aunque situarlo de telonero puede resultar casi ofensivo, nadie para abrir esta colección como uno de los mayores frontman del circo del rock: Iggy Pop a cargo de su banda The Stooges.

En Gimme Danger, de Jim Jarmusch, podremos ver como esta influyente banda surgió de la contracultura de finales de los sesenta para construir no sólo una leyenda de los escenarios, sino los cimientos del conocido posteriormente como rock alternativo.

Janis

Amy J. Berg fue muy inteligente titulando sin más florituras este documental, al igual que contando con la poderosa voz de la estrella del folk alternativo Cat Power para narrarlo. Y es que en el biopic sobre la vida de Janis Joplin todo es respeto hacia una enorme figura que era mucho más que una voz llena de personalidad rock con tintes de blues. Esta obra sin duda llena el vacío de una estrella que se apagó demasiado pronto.  

Control

Y de la intensidad de Janis al talento introspectivo de otro grande que nos dejó con ganas de saber de qué hubiese sido capaz de no haber acabado con su vida en la cúspide de su carrera con apenas 23 años.

En el documental Control se hace repaso de los inicios musicales de Ian Curtis, el alma de Joy Division, en plena adolescencia. Una obra imprescindible para entender por qué no siempre “the show must go on” de manos de un maestro en fundir lo musical y lo documental: Anton Corbijn.

20.000 días en la Tierra

Entrados en un ambiente tan retrospectivo, nada como la música de Nick Cave para poner banda sonora a estos momentos de comunión audiovisual mientras se visualiza su más que interesante trayectoria profesional, y todo resumido magistralmente en 24 horas que siguen al artista donde las fronteras entre lo real y la ficción se rompen con la misma genialidad que rodea al australiano y a su épico documental 20.000 días en la Tierra.

George Harrison: Living in the Material World

¿Qué ocurre cuando juntamos en una misma cinta a dos genios de la talla del ex Beatle y del cineasta Martin Scorsese? La respuesta la encontramos en la mágica Living in the Material World, donde además de la narración de la vida del carismático guitarrista – multi-instrumentista de Liverpool, encontramos un plantel de artistas de la talla del propio Live Aid:  Eric Clapton, Terry Gilliam, Eric Idle, George Martin, Paul McCartney, Yoko Ono, Tom Petty, Phil Spector, Ringo Starr y Jackie Stewart se dejarán ver para plasmar sus vivencias más personales junto a Harrison.

Quiero tener una ferretería en Andalucía

En el mundo de la música el ilusionismo forma parte del espectáculo, pero en el mundo real hasta el más apasionado líder de una influyente banda punk puede mostrarse libre de aditivos y de cualquier atadura donde menos te lo esperas. Este es el planteamiento del que parte Carles Prats en el documental Quiero tener una ferretería en Andalucía, un maravilloso anecdotario de los años en los que Joe Strummer, recordado como el líder de los míticos The Clash, se sumergió de pleno en la singular y enraizada cultura andaluza durante sus años de retiro en Granada y Almería.

I’m still here

Terminamos con una buena dosis de ese falso ilusionismo al que hacíamos referencia de la mano del laureado Casey Affleck en su debut como realizador: I’m still here. Un documental que vira entre lo falso y lo real donde el multipremiado actor Joaquin Phoenix nos sumerge en su reciclada vida como cantante de Hip Hop dejando atrás su pasado como intérprete.

Una genial forma de explorar el mundo de la música desde fuera sin perder la perspectiva de todo lo que pasa dentro más allá de las melodías: medios de comunicación, consumidores y celebridades magistralmente retratados en una farsa que no lo resulta tanto.

¿Con ganas de que la música no pare ni un segundo? Explora los límites entre ambos sentidos, vista y oído, y déjate cautivar por nuestro amplio catálogo de documentales musicales. 

Y ya que estamos de celebración… ¡regalos y descuentos!

¿Qué sería de toda celebración sin regalos? En Cameo queremos invitarte a que nos conozcas y disfrutes de nuestro amplio catálogo y ofertas disponibles en la web. Por ello, durante todo el mes de julio y para que puedas disfrutar de las ventajas de la nueva web de Cameo, tus compras tienen descuento: además del 25% de las rebajas, añade a tu carrito cualquier selección de nuestro amplio catálogo que supere los 30 euros y disfruta al momento de 5 euros de descuento. 

Compras más cómodas, seguras y rápidas

Además de una presentación atractiva y una distribución de los contenidos más accesible desde cualquier formato, la nueva web facilita tus compras de una forma más práctica, rápida y segura, pudiendo consultar en todo momento tus pedidos y realizar cambios en los datos de la cuenta.

Por otra parte, ponemos a tu alcance en cada ficha desde tráileres hasta las características de cada obra, incluyendo películas relacionadas y los comentarios de los usuarios de nuestra web, para que puedas contrastar tu opinión con la comunidad Cameo y asegurarte de que accedes al mejor cine y las mejores series de calidad.

¡No lo dudes más y date un paseo por nuestra nueva web! En Cameo estamos encantados de recibirte.

Estrenamos nueva plataforma y queremos celebrarlo contigo regalándote 5 euros de descuento en tu primera compra. Desde hoy y hasta el 15 de septiembre, si tu compra supera los 30 euros te descontaremos directamente 5 euros del importe total de tu pedido, y además tienes portes gratis.

¡Aprovecha la oferta de lanzamiento y empieza a disfrutar de las ventajas de nuestra nueva web!
Tiene una imagen más nueva y fresca, adaptable a dispositivos móviles, y tiene un proceso de compra más ágil y fácil.
Esperamos que te guste.

*Oferta válida para nuevos usuarios, por compra inicial superior a 30 euros. No acumulable a otras promociones.

Ayer, en Cannes, comenzaba la lectura de los ganadores de esta 70ª edición del Festival. Una edición que ha tenido como presidente del jurado a nuestro querido Pedro Almodóvar. Un jurado ecléctico en el que, a parte del presidente, pudimos ver paseando por La Croisette y formando parte del mismo a Will Smith, Paolo Sorrentino, Jessica Chastain, o Park Chan-wook entre otros.

Nos alegramos mucho por todos los premiados, pero sobre todo estamos orgullosos de anunciar los títulos que en unos meses formarán parte de nuestro catálogo.

Sección Oficial

Palma de Oro a la Mejor Película: The Square de Ruben Ostlund (Avalon)
Gran Premio del Jurado / Premio FIPRESCI: 120 Battements par minute de Robin Campillo (Avalon)
Mejor Guion (ex aequo): The Killing of a Sacred Deer de Yorgos Lanthimos (Diamond Films)
Mejor Actriz: Diane Kruger por In the fade (Golem)
Premio del Jurado: Loveless de Andrey Zvyagintsev (Golem)

Quincena de realizadores

Premio SACD (ex aequo): Un beau soleil intérieur de Claire Denis (Avalon)

Además, nos satisface mucho poder comunicar ya las nuevas adquisiciones que han tenido lugar dentro del marco del festival y que aumentarán el listado de títulos de nuestro catálogo:

The Florida project de Sean Baker (Diamond Films)
Wonderstruck de Todd Haynes (Diamond Films)
La novia del desierto de Cécilia Atan y Valeria Pivato (Golem)
L´atelier de Laurent Cantet (Golem)
The third murder de Hirokazu Kore-eda (Golem)

Abril: el mes del cine de autor también en Barcelona

La oferta de cine independiente que durante estos días nos llegará desde Barcelona, complementará y pondrá en valor la ofrecida por otros grandes festivales que también tendrán lugar durante este mes:

• Bruselas – Festival Film Fantástico, Thriller y Ciencia Ficción (BIFFF): del 4 al 17 de abril.
• Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente (BAFICI): del 19 al 30 de abril.
• Tribeca Film Festival (New York): del 19 al 30 de abril.
• Festival Internacional de Cinéma Nyon (Visions du Réel): del 21 al 29 de abril.

Cuatro propuestas que, junto al Festival Internacional de Cinema d’Autor de Barcelona, ponen de manifiesto la amplia oferta y la buena salud de la que goza el cine independiente en la actualidad, así como la posición privilegiada de la capital catalana dentro del circuito mundial de cine de autor y que la igualan a las grandes citas del sector.

Programas y actividades del Festival Internacional de Cinema d’Autor de Barcelona

¿Y de qué podemos disfrutar en el D’A 2017? Estos 11 días de celebración dan para mucho y para todos los gustos, pero lo que no cabe duda es que es una gran oportunidad para disfrutar de las más prestigiosas y exquisitas producciones actuales de cine independiente, como el estreno en Cataluña de Lady Macbeth, pieza magistralmente dirigida por William Oldroyd basada en el relato del escritor ruso Nikolái Leskov y que ya le ha valido reconocimientos internacionales de crítica y público en los festivales de San Sebastián y Tesalonica, o la clausura con la excelente Verano 1993, ópera prima de la prometedora directora Carla Simon, que llega a Barcelona para cerrar el festival con un film que viene de ganar prestigiosos premios en la Berlinale y en la edición de 2017 del Festival de Málaga, donde se llevó la codiciada Biznaga de Oro a la Mejor Película. Una película que próximamente formará parte de la selección de películas Cameo en DVD, y que tiene un currículum que la sitúa en una de las primeras posiciones para engrosar nuestra filmoteca particular.

Otra actividad destacada es la de la tradicional retrospectiva del D’A Barcelona, que en esta edición de 2017 se ha dedicado a Amat Escalante por sus vínculos con la ciudad de Barcelona y sobre todo por su indudable talento, que ha quedado recogido en películas como Sangre, Heli, Los Bastardos o La Región Salvaje. Películas que a pesar de haber recogido premios de renombre como los otorgados en el Festival de Cannes, Festival de Cine Fantástico de Sitges o la Bienale de Venecia, nunca se han estrenado oficialmente en España (a excepción de Heli), por lo que, con esta muestra del trabajo del director mexicano, podremos disfrutarla al completo en nuestro país.

Jornadas profesionales, encuentro de críticos y periodistas especializados en cinematografía, presentaciones de autores debutantes… Barcelona se viste de gala desde el próximo 27 de abril para acoger a lo mejor del panorama de cine independiente en una cita ya ineludible en el calendario filmográfico.

Entre las exposiciones cabe destacar las dedicadas a Will Eisner, al fanzine Fanhunter de Cels Piñol y los originales del legendario Milton Caniff, maestro del cómic norteamericano, así como una muestra del humor gráfico que ha generado alrededor del mundo la irrupción en la política del nuevo inquilino de la Casa Blanca, Donald Trump.

Sobre los autores extranjeros que están en Barcelona estos días encontramos a Liza Donnelly, que lleva más de treinta años haciendo humor gráfico en el The New Yorker Magazine, al maestro de la historieta belga Hermann o al francés Romain Hugault, toda una referencia en lo que al cómic sobre aviación se refiere; Gene Ha, que ha trabajado con Alan Moore en Top 10; Jill Thompson, que presenta en el Salón su original punto de vista sobre Wonder Woman; desde Bélgica llega Bruno Gazzotti; Kim Jung Gi nos muestra en directo su habilidad única para el dibujo; el matrimonio Bryan y Mary M. Talbot que presentan sus novedades; y Dave Gibbons, uno de los artífices de Watchmen, entre muchos otros.

La Biznaga de Oro a la Mejor Película Iberoamericana también llegará a Cameo en los próximos meses, porque el premio ha recaído en el decadente retrato de La Habana realizado por Fernando Pérez en Últimos días en La Habana, que también ha conseguido el Premio del público y el de Mejor actriz secundaria para la joven Gabriela Ramos. Coproducida por José María Morales, de Wanda Visión, tiene su estreno en cines previsto para el 7 de abril.

Nos acompañan la directora Nely Reguera, los guionistas Eduard Sola y Valentina Viso y la montadora Aina Calleja, que cuentan cómo fue el proceso de creación de la película, cómo fue la construcción del personaje interpretado por Bárbara Lennie y cómo han vivido toda la promoción del film.

María (y los demás) es la ópera prima de Nelly Reguera. La película recibió dos nominaciones a los Premios Goya’17 (Mejor Dirección Novel y Mejor Actriz Protagonista). Además, fue ganadora del Premio Feroz 2017 a Mejor Actriz Protagonista y estuvo nominada a esos mismos premios como Mejor Comedia. También ha participado en numerosos festivales como el de San Sebastián, REC 2016 (Premio Jurado de la Crítica y Mención Especial del Jurado Internacional), Busan, BAFICI, Miami, o Guadalajara, entre otros.

El pasado fin de semana ha sido un no parar de ceremonias de premios: los César franceses precedieron a los Spirit Awards americanos, y los Oscars pusieron el colofón a esta maratón que nos hemos dado los aficionados al cine.

Poco nos podemos quejar en Cameo: 8 César, 8 Spirit Awards y 4 Oscars es un resultado excelente para nosotros, para nuestro catálogo y, cómo no, para nuestros seguidores.

Desde aquí queremos dar las gracias a Avalon, a Caramel, a Diamond, y a Golem, por seguir confiando en nosotros para la edición de sus títulos en DVD y Blu-ray. Esta es la cosecha de premios que nos deja el pasado fin de semana:

MOONLIGHT

Independent Spirit Awards: Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guión, Mejor Montaje, Mejor Fotografía, y el Premio Robert Altman Oscars: Mejor Película, Mejor Actor de Reparto, Mejor Guión Adaptado

EL VIAJANTE

Oscar: Mejor Película de Habla no Inglesa ELLE Independent Spirit Awards: Mejor Actriz Protagonista César: Mejor Película, Mejor Actriz Protagonista

SOLO EL FIN DEL MUNDO

César: Mejor Director, Mejor Actor Protagonista, Mejor Montaje

TONI ERDMANN

Independent Spirit Awards: Mejor Película Internacional

YO, DANIEL BLAKE

César: Mejor Película Extranjera

FRANTZ

César: Mejor Fotografía

¡GRACIAS JEFE!

César: Mejor Documental

Os prometemos que en los próximos meses vais a tener en vuestras manos las ediciones de todas estas maravillosas películas.

Mejor documental
Fuego en el mar

También queremos compartir con vosotros nuesta alegría al leer que el corto Timecode, de nuestro querido Juanjo Giménez, ha sido seleccionado también para competir en su categoría. ¡Le deseamos lo mejor!

Juan Carlos Tous (Presidente)

SPOTLIGHT de Tom McCarthy

CEGADOS POR EL SOL de Luca Guadagnino

LA HABITACIÓN de Lenny Abrahamson

LA PRÓXIMA PIEL de Isaki Lacuesta e Isa Campo

TARDE PARA LA IRA de Raúl Arévalo

UN MONSTRUO VIENE A VERME de J.A. Bayona

ELLE de Paul Verhoeven

JULIETA de Pedro Almodóvar

REMEMBER de Atom Egoyan

ANIMALES NOCTURNOS de Tom Ford

Ramón Caro (Director General)

SPOTLIGHT de Tom McCarthy

LOS ODIOSOS OCHO de Quentin Tarantino

EL RENACIDO de Alejandro G. Iñárritu

CORAZÓN GIGANTE de Dagur Kári

DEADPOOL de Tim Miller

UN MONSTRUO VIENE A VERME de J.A. Bayona

TREN A BUSAN de Sang-ho Yeon

LA AUTOPSIA DE JANE DOE de André Øvredal

EL CASO FISCHER de Edward Zwick

ABSOLUTAMENTE TODO de Terry Jones

Pilar Heredia (Directora de administración)

JULIETA de Pedro Almodóvar

LOS ODIOSOS OCHO de Quentin Tarantino

LA CHICA DANESA de Tom Hooper

UN MONSTRUO VIENE A VERME de J.A. Bayona

LA JUVENTUD de Paolo Sorrentino

KIKI, EL AMOR SE HACE de Paco León

MASCOTAS de Chris Renaud, Yarrow Cheney

EL HOMBRE DE LAS 1.000 CARAS de Alberto Rodríguez

LA LLEGADA de Denis Villeneuve

100 AÑOS DE PERDÓN de Daniel Calparsoro

Ruth Vidal (Administración comercial)

SING STREET de John Carney

UN MONSTRUO VIENE A VERME de J.A. Bayona

CAROL de Todd Haynes

LA LLEGADA de Denis Villeneuve

CEGADOS POR EL SOL de Luca Guadagnino

JULIETA de Pedro Almodóvar

LOS ODIOSOS OCHO de Quentin Tarantino

SPOTLIGHT de Tom McCarthy

BRITGET JONES BABY de Sharon Maguire

RAVING IRAN de Sue Meures

Marta Carrasco (Marketing Manager)

SPOTLIGHT de Tom McCarthy

LOS ODIOSOS OCHO de Quentin Tarantino

CAFÉ SOCIETY de Woody Allen

JULIETA de Pedro Almodóvar

LA LLEGADA de Denis Villeneuve

SING STREET de John Carney

REGRESO A CASA de  Zhang Yimou

ZOOTROPOLIS de Byron Howard

TARDE PARA LA IRA de Raúl Arévalo

TREN A BUSAN de Sang-ho Yeon

Maite Robles (Product Manager)

SING STREET de John Carney

LA LLEGADA de Denis Villeneuve

LA RECONQUISTA de Jonás Trueba

CAROL de Todd Haynes

MUSTANG de Deniz Gamze Ergüven

EL PREGÓN de Dani de la Orden

ELLE de Paul Verhoeven

ANIMALES NOCTURNOS de Tom Ford

TORO de Kike Maíllo

EL REY TUERTO de Marc Crehuet

Cinta Crusells (Product Manager)

ANIMALES NOCTURNOS de Tom Ford

LANGOSTA de Yorgos Lanthimos

CAROL de Todd Haynes

JULIETA de Pedro Almodóvar

ELLE   de Paul Verhoeven

MALAS MADRES de Jon Lucas y Scott Moore

CIGÜEÑAS de Nicholas Stoller y Doug Sweetland

CEGADOS POR EL SOL de Luca Guadagnino

NERUDA de Pablo Larraín

HARDCORE HENRY de Ilya Naishuller 

Para poder aterrorizaros muy fuerte os ofrecemos un 30% de descuento en todo nuestro catálogo aunque os hemos hecho una selección de lo más terrorífica para los más atrevidos.

Nuestra selección aquí.

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Promoción válida hasta el día 1 de noviembre (incluido)

Para Almodóvar no será la primera vez que se enfrenta a este camino tan complicado hasta llegar, ojalá sea así, al deseado premio. Ya lo consiguió hace 17 años con “Todo sobre mi madre” y volvió a repetir (esta vez por Mejor Guión Original) con “Hable con ella” en 2003.

Desde Cameo, le deseamos la mayor de las suertes y os recordamos que podéis disfrutar de su filmografíatanto en DVD como Blu-ray.

JULIETA estará a la venta a partir del 21 de Septiembre en edición básica en DVD y Blu-ray y en un combo que incluye el DVD, Blu-ray, un juego de postales con fotogramas de la película y un libreto. 

Ahora nos toca esperar al próximo 26 de Febrero para saber si Almodóvar consigue su tercera estatuilla. ¡Estaremos atentos!

Y, para que puedas disfrutarlos a tope aunque no te sumerjas en ellos, te ofrecemos este 50% de descuento en todos los títulos en los que los Océanos son protagonistas.

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Y, por si te falta inspiración, aquí te dejamos nuestra particular selección: http://bit.ly/25e4Bzc

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Promoción válida hasta el 20 de marzo de 2016.

Desde aquí les damos las gracias a Avalon por traernos esta joya.

Ayer, nuestro presidente Juan Carlos Tous recogía, en nombre de Cameo y en representación de todo el equipo que formamos la empresa, el Premio DÍAS DE CINE a la mejor edición en DVD de 2015. Nos lo entregaban por la edición del pack DEL TRAZO AL PÍXEL. Un recorrido por la animación española, un estuche con 3 DVD y un libreto que sirven de acompañamiento ideal del ciclo itinerante Del trazo al píxel. Más de cien años de animación española, producido por el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB) y Acción Cultural Española (AC/E), una antología de piezas históricas olvidadas y trabajos recientes, en el centenario del nacimiento del cine animado en nuestro país.

El ciclo ha dejado ya huella por donde ha pasado, el Festival de Annecy, el CCCB, y seguirá su curso por tierras españolas y extranjeras a lo largo del año 2016.

La selección del ciclo, a cargo de la comisaria Carolina López, incluye películas de autores como Segundo de Chomón, Josep Escobar, Francisco Macián, José Luis Moro, Jordi Amorós, Tomàs Bases, Raúl García, Juan Pablo Etcheverry, Isabel Herguera, Javier Mariscal, Anna Solanas, Marc Riba, Alberto Vázquez, Pedro Rivero, Izibene Oñederra, Nicolai Troshinsky y Rocío Álvarez, entre muchos otros.

Algunas de las piezas menos conocidas y sorprendentes del programa son: Garbancito de la Mancha (Arturo Moreno, 1945), primer largometraje de dibujos animados en color de Europa; anuncios en blanco y negro de los años 30 de dibujantes catalanes como Serra i Massana y Ferran; La Edad de Piedra (Gabriel Blanco, 1965), con dibujos de Chumy Chúmez; los spots de los Estudios Moro y Estela, un breve film de Frederic Amat creado para la ocasión.

A modo de catálogo del ciclo, y como ya se hizo con Del éxtasis al arrebato. Un recorrido por el cine experimental español, Cameo ha puesto a la una edición de lujo que contiene 3 DVD con más de 50 títulos, un libro de 164 páginas con amplia información sobre cada una de las piezas incluidas, además de los artículos escritos para la ocasión por Carolina López, comisaria del ciclo, Alfons Moliné y Susana Rodríguez Escudero, dos de los principales especialistas en animación de nuestro país. Todo ello reunido en un digipack con una cuidada presentación.

El triple DVD-catálogo, editado por Cameo, contiene algunos títulos diferentes a los del ciclo. Andrés Hispano ha coordinado los contenidos de la edición en DVD, que incluye, además de una cuidada selección de 28 anuncios de televisión de los Estudios Moro, 52 piezas de animación entre las que se encuentra el largometraje Historias de amor y masacre (Jordi Amorós, 1979).

Orgullosos de estos resultados, queremos compartirlos con vosotros.

Los EFA, además de reconocer la carrera de Charlotte Rampling como actriz, le otorgaron también el premio a la Mejor Actriz Europea por 45 años (distribuida por Golem). La película llegará a nuestras estanterías en formato doméstico a finales de abril.

Langosta, recientemente estrenada en cines por Avalon, se llevó los premios al Mejor Guión y al Mejor Vestuario. También en abril estará disponible en formato DVD y Blu-ray.

Finalmente, la brillante Una paloma se posó en una rama a reflexionar sobre la existencia, también de nuestros amigos de Golem, se erigió como la Mejor Comedia Europea. Ya está disponible en DVD.

Cruzamos los dedos para que en febrero los 7 cabezones se sumen a nuestras estanterías. Las nominaciones de Cameo a los premios Goya son:

B (Bárcenas): a la venta en DVD el 13 de enero
Mejor actor protagonista - Pedro Casablanc
Mejor actor de reparto - Manolo Solo
Mejor guión adaptado - David Ilundáin

Negociador: Mejor guion original - Borja Cobeaga (ya a la venta en DVD)

Tiempo sin aire: Mejores efectos especiales - Reyes Abades, Curro Muñoz (ya a la venta en DVD)

El teatro del más allá - Chavín de huántar: Mejor música - Santi Vega (ya a la venta en DVD)

Leviatán: Mejor película europea (ya a la venta en DVD)

Los ganadores de la 30ª edición de los Premios Goya se darán a conocer el próximo sábado 6 de febrero en Madrid.

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Promoción válida solo el viernes, 27 de noviembre de 2016, desde las 00.00 h. hasta las 23.59 h.

Jaume C. Pons Alorda estuvo en ese rodaje y observó los sucesos peculiares e incluso grotescos que rodean el trabajo de Serra: la libertad de acción de unos actores no profesionales que oscilan entre lo cultísimo, lo silvestre y lo antipático, los accidentes cotidianos de un rodaje en tierra lejana, extraña e incomunicada y, sobre todo, la autoridad napoleónica con la que el director observa, ordena y desordena las piezas que dan forma a su creación final. Apocalipsis Uuuuuuuaaaaaaa se sostiene sobre una prosa bellísima para exponer, con ojos imparciales, un momento de alboroto, caos y creación libre. Tanto el texto como el proceso de filmación son hijos de los dos polos que cubren la atmósfera de la película: el racionalismo ilustrado y el salvaje espíritu romántico.

Lee las primeras páginas aquí.

Y a principios de octubre llegará también en DVD y Blu-ray de la mano de Cameo, la primera temporada de Les Revenants. Se trata de una serie que entró, de manera instantánea y en el momento de su emisión, en la categoría de culto. La serie, creada y emitida en Francia por Canal Plus , se encuentra disponible en nuestro país en Movistar Series desde mayo de 2015, y ha ido cosechando elogios en todo el mundo desde que se estrenó en 2012. Gracias a este éxito mundial la segunda temporada se estrenará en otoño en Francia, y llegará a nuestras pantallas muy poco después.

Gracias al acuerdo al que ha llegado Cameo para su distribución en España, el quinto capítulo de esta segunda temporada será proyectado en primicia durante la próxima edición del Festival de Sitges, del 9 al 18 de octubre.

Sinopsis

En un pueblo de los Alpes, en un mismo día, varias personas de distintas edades y condiciones vuelven a sus casas sin saber que llevan muertos varios años. Nadie les espera y no entienden los sentimientos de terror, alegría o desorientación que generan en sus familiares y amigos. Sin embargo, están decididos a recuperar un sitio que ya no es suyo.

The Walking Dead es sobradamente conocida por todos, pero por si alguno no sabe de Les Revenants, aquí os dejamos varios links de reseñas publicadas en medios españoles sobre la serie:

http://blogs.elpais.com/quinta-temporada/2013/12/la-revolucion-de-las-series-vino-de-francia.html 

http://cultura.elpais.com/cultura/2014/11/13/television/1415903773_896397.html

http://www.jotdown.es/2013/04/imprescindibles-les-revenants/ 

https://bloguionistas.wordpress.com/2013/01/17/les-revenants-y-de-paso-mas-series-francesas/

Y críticas extranjeras: 

“’Les Revenants’ es probablemente la serie más elegante que vas a ver en la televisión este año (...) Y tiene contenido: un guión cuyas progresivas revelaciones están perfectamente sincronizadas y un destacado trabajo de los actores”  - The Telegraph.

 “Una serie increíble (...) Lejos del gore, los muertos vivientes y los zombies, la serie flirtea con el fantástico (...) El reparto es impecable” - Le Mond.

 “Desafiando las expectativas mientras redefine lo que una serie de 'zombis' puede ser, 'Les Revenants' es una de las ofertas más interesantes y originales del año.” - The Hollywood Reporter.

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2015 podría ser el año más emocionante de la historia ambiental: el año en que el crecimiento económico y la sostenibilidad se dan la mano; el año en el que los líderes mundiales finalmente aprueben un tratado sobre el cambio climático vinculante.
Pongamos todos nuestro grano de arena para que así sea.

No esperes más y celebra el Día de la Tierra.

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Promoción válida hasta el 19 de marzo de 2015.

ÉL y ELLA serán presentadas por el director de Días de Cine Gerardo Sánchez

Barcelona Cines Yelmo Icaria Martes 17 a las 20.00h y a las 22.00 

ÉL y ELLA serán presentadas por el periodista cinematográfico de TVE  Joan Vila

Amigos desde la universidad, Jessica Chastain (productora y protagonista) y Ned Benson (director) idean LA DESAPARICIÓN DE ELEANOR RIGBY como dos películas que hablan de la ruptura de una pareja desde el punto de vista de ÉL y ELLA. El protagonista masculino es James McAvoy.

Una vez finalizadas, los Hermanos Weinstein se interesan por ellas y las compran. Realizan un montaje de ambas titulado ELLOS y se estrena por primera vez en el Festival de Cannes (2014), más tarde en el Festival de San Sebastián, hasta finalmente llegar a nuestros cines.

Gracias a la colaboración de Yelmo Cines, del programa “Días de cine” de TVE dirigido por Gerardo Sánchez y a las distribuidoras Wanda Vision, filmin y Cameo, ÉL y ELLA, inéditas hasta ahora en nuestra cartelera, llegan este martes para poder disfrutarlas en pantalla grande.

En caso de que no puedas asistir al pase por no encontrarte en la ciudad, el miércoles 18 de marzo se ponen a la venta las ediciones en DVD y Blu-ray de LA DESAPARICIÓN DE ELEANOR RIGBY, que incluye como extras los dos títulos inéditos (ÉL y ELLA).  También se podrán disfrutar a través de la plataforma online www.filmin.es

Historias increíbles, premiadas en los mejores festivales internacionales, que nos ayudarán a entender la realidad en la que vivimos.
 

Los directores

Rafa Molés Vilar es periodista y guionista. En 2012, recibió el premio de “Periodista del Año” en la III Edición de los Premios de Periodismo de la Comunidad Valenciana. Es co-creador del equipo de investigación de RTVV y el autor de 18 documentales televisivos.

Pepe Andreu Ibarra es un realizador licenciado en Ciencias de la Información, Imagen Visual y Auditiva. Tiene 16 años de experiencia como realizador televisivo y ha dirigido más de 19 documentales.

La película

Una pareja de bailarines aparece una mañana en el aula de un instituto. Es lunes y anuncian a un grupo de adolescentes que tienen cinco días para subirse a un escenario y bailar. Una semana para cambiar las cosas. Un pequeño plazo pero un gran reto: mover a las personas cuando el mundo nos paraliza.

La danza obliga a esos jóvenes a romper sus roles justo en el momento de sus vidas en el que los roles sociales se están forjando. El líder deja de ser el más admirado, el tímido da un paso adelante... Bailar les obliga a tocarse. Se comunican, se igualan. Alguno no se liberará hasta el último instante.

Wilfried Van Poppel y Amaya Lubeigt son los coreógrafos. Él holandés, ella vasca. La danza es el lenguaje común. No importa el lugar. Cinco días, una clase de adolescentes, un microcosmos en el que sucede un pequeño big-bang.

Características edición en DVD

Fecha de lanzamiento DVD: 04/02/15
Audio: V.O. Castellano, inglés, alemán y euskera 5.1
Subtítulos: castellano, catalán
Formato: 16/9 – 1.85
Duración: 79 min
PVP Recomendado: 11,95 €

Carátula DVD: descargar
Imágenes: descargar

Os esperamos a todos el jueves, 12 de marzo a las 19.00 h en Fnac San Agustín (Valencia).

Esta colección no sólo es un ejemplo de accesibilidad universal, concebida desde su diseño como un producto “para todos”, sino que también su distribución es normalizada ya que se podrá adquirir a través de los canales de venta ordinarios.

El pack incluye los títulos siguientes:

2 DÍAS EN PARÍS, dirigida por Julie Delpy

BIENVENIDOS AL NORTE, dirigida por Dany Boon

CEREZOS EN FLOR, dirigida por Doris Dörrie

CONTRA LA PARED, dirigida por Fatih Akin

CUATRO MINUTOS, dirigida por Chris Kraus

EL ÁRBOL, dirigida por Julie Bertuccelli

HABITACIÓN EN ROMA, dirigida por Julio Medem

PAN Y ROSAS, dirigida por Ken Loach

SARABAND, dirigida por Ingmar Bergman

THE GOOD HEART, dirigida por Dagur Kári

Títulos de géneros variados y premiados en diversos certámenes internacionales, que componen una colección muy atractiva, tanto para el público con discapacidad sensorial como para el público en general, ya que también pueden disfrutarse sin la accesibilidad.

Esta iniciativa la hemos podido llevar a cabo junto a Aristia Producciones, y gracias al patrocinio de Fundación Vodafone España y Fundación ONCE, la colaboración de ONCE, FIAPAS, CESyA y CEAPAT y el apoyo del REAL PATRONATO SOBRE DISCAPACIDAD.

• Tráiler
• Casting
• Efectos visuales
• El doblaje
• Ensayos
• Imágenes de rodaje
• Making of
• Ficha artística y técnica

Material inédito y curiosidades que te permitirán profundizar en una de las películas españolas más premiadas en todos los festivales a los que se ha presentado. Además de ser uno de los largometrajes más vistos durante un fin de semana completo en FILMIN, durante el pasado mes de noviembre.

Sinopsis. 
Esta es la típica historia de “chico conoce chica, chico se enamora de chica, chica sufre un transtorno obsesivo compulsivo. Chico y chica viven felices y comen perdices”.

Críticas.

• "Una experiencia visual". The Hollywood Reporter
• "Sátira feroz". Fotogramas
• "Pieza de coleccionista". La Vanguardia 

¡Os esperamos a todos!

Además de en esta categoría, 10 nominaciones más recaen sobre títulos que tenemos en catálogo, que ya están o estarán en breve distribuidos en formato doméstico.

Es el caso de La Sal de la Tierra (nominada a Mejor Documental, que en marzo será editada en DVD y BD), y la ya citada Ida (nominada a Mejor fotografía y Mejor Película de Habla no Inglesa) que ya pudimos disfrutar en DVD y que el 18 de febrero verá la luz en BD, ambas apuesta de Caramel Films. También toca felicitar a Wanda Visión que, con Selma (nominada a Mejor Película y Mejor Canción), Dos días, una noche (nominada a Mejor Actriz, disponible en abril en DVD y BD) y Mr. Turner (4 nominaciones), destaca en cuanto a nominaciones. Y finalmente, dar las gracias a Golem porque con Siempre Alice (Mejor Actriz), Leviatan y Timbuktu (Mejor Película de Habla no Inglesa) se llevan 3 nominaciones.

Finalmente, no queremos dejar de dar la enhorabuena a nuestros socios de El Deseo por su nominación a Mejor Película de Habla no Inglesa para Relatos Salvajes. ¡Que gane la mejor!

El acto será el próximo jueves día 11 a partir de las 19:00 y hasta las 22:00 en el Gipsy Lou de la calle Ferlandina 55, en Barcelona. El documental estará presentado por el equipo de rodaje y después habrá actuación de Abramando, el grupo de Abraham – uno de los protagonistas del documental – a quien Peret consideraba el mejor guitarrista de la rumba actual.

Centrado en el último gran concierto que Peret hizo en Barcelona, el de la Mercè del año 2013, el artista relata cómo surgió la rumba catalana en la calle de la Cera y como consiguió un impensable éxito internacional. Junto a Peret, encontramos a su prima, a la tía Pepi y al tío Toni “el Dandy de la rumba” que lo acompañó durante años. Rumberos de primera generación como Chacho o Ramonet. Desde los orígenes hasta la actualidad, al documental aportan su testimonio y sus canciones tres generaciones de rumberos formados en el antiguo barrio del Portal.

¡Cuchíbiri, cuchíbiri! La rumba de Peret

Con Pere Pubill Calaf 'Peret', Josep Maria Valentí 'Chacho', Ramonet Reyes, Pepita Becas, Toni Valentí, Peret Reyes, Johnny Tarradellas, Candeli , Soraya Cortés, Jack Tarradellas, Emili Ferrer 'Miliu', Jonathan Malla 'Petete'
Una producción de Rollout Dirección: Carles Prats Producción: Pau Bacardit Fotografía: Francesc Olivé Fotografía adicional: Ariadna Arnés  Edición: Pau Bacardit Audio: Cora Delgado, Carles Prats Jr. Música original: The Rodilos Secuencia de créditos: Mar Cerdà Restauración audio del concierto: Aurelio Morata.

Desde hoy puedes comprar TODOS ESTOS PACKS a precio reducido.

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SEAWAY, la serie documental que hace un recorrido por los fondos marinos y espacios naturales más espectaculares del mundo, bajo la dirección y realización de los canarios Mónica González y Daniel Rodríguez, estará disponible en DVD y Blu-ray el próximo 5 de noviembre de la mano de Cameo.

Los 13 episodios que componen la serie han sido rodados en Reservas Naturales, Parques Marinos, Reservas de la Biosfera y zonas altamente protegidas con una importancia relevante en la conservación de la fauna y flora submarinas. Cuba, México, Panamá, Indonesia, Papúa Nueva Guinea, Canarias, las Islas Fiji, Malasia, Costa Rica, Australia y Micronesia son algunos de los lugares en los que esta apasionante aventura ha hecho escala.

Esta serie documental, actualmente en emisión en TVE, ha sido muy bien recibida en países como Estados Unidos y Rusia y vuelos transoceánicos de Air Europa e Iberia. Además ha recibido premios en diversos certámenes internacionales especializados.

La edición especial de SEAWAY será presentada en El Corte Inglés de Las Palmas el lunes 24 de noviembre con la presencia de sus autores

El DVD y el Blu-ray saldrán a la venta el 5 de noviembre y cuentan con 2 discos cada uno, con más de 5 horas de imágenes submarinas de gran belleza. Ambos formatos incluyen la serie en versión original en castellano así como en versión doblada al inglés.

Mónica González y Daniel Rodríguez, creadores de SEAWAY, nos hablarán de su producción el próximo lunes 24 de noviembre a las 19:30h en El Corte Inglés de Las Palmas de Gran Canaria.

El próximo martes 7 de octubre tendrá lugar la presentación de la Tercera Temporada del Círculo Bach, así como de la edición en DVD de la película "Bach en Madrid", dirigida por José del Río, el documental que recoge los dos últimos años del "Ciclo de Cantatas de Bach en las iglesias de Madrid" recientemente seleccionado para su proyección en el Festival de Cine Independiente de Nueva York.

El acto contará con la presencia de José del Río, director del film, Juan Barja, director del Círculo de Bellas Artes, y Oscar Gershensohn, director del programa Círculo Bach. El encuentro tendrá lugar el próximo martes a las 12:00h en la Sala Valle-Inclán del Círculo de Bellas Artes de Madrid.

Podéis consultar todos los detalles de la edición en DVD editada por Cameo aquí.

¡Os esperamos!

¡No os la podéis perder!

¡Os recordamos que quedan muy pocos a la venta!

- Boliche Cinemes (BARCELONA)
- Cine Casablanca (VALLADOLID)

¡Nos vemos en las salas!

"Un cuento francés" es el encargado de inaugurar el proyecto Streams Day&Date, una iniciativa que tiene como objetivo realizar estrenos singulares a nivel europeo en los que se cree la máxima colaboración entre los distintos canales de distribución, salas de cine, DVD y VOD. La película de Agnès Jaoui se estrenará en DVD de la mano de Cameo el 9 de julio.